Quantcast
Channel: intervju arhiva - VIZKULTURA
Viewing all 417 articles
Browse latest View live

Očuvanje povijesne supstance

$
0
0

U nastavku Vizkulturine serije o Zagrebu, o pristupima obnovi u potresu oštećenom Zagrebu, pojedinim aspektima tretiranja historicističkih zgrada i povijesnih ambijenata grada, govore povjesničar umjetnosti i konzervator dr.sc. Petar Puhmajer te arhitekt i konzervator Boris Dundović.

 

*Etnografski muzej / foto: Boris Dundović

 

► Primjeri obnova teško stradalih gradova, osobito nakon Drugog svjetskog rata, su brojni. Primjerice, Budimpešta je imala ogroman postotak građevnog fonda uništenog za rata. Tu je i primjer Dubrovnika, stradalog u potresu 1979. Ta iskustva, u drugačijem političkom okviru i vremenu, svakako su dragocjena, ali i pokazuju mogućnosti struke. Što je po vama najveći izazov za Zagreb u kontekstu obnove nakon potresa 2020.? Postoje li pritom neke lokalne specifičnosti koje bi istaknuli?  

Boris Dundović: U učenju iz iskustava u obnovi drugih zemalja često zanemarujemo mađarski pristup zaštiti i obnovi graditeljskog naslijeđa, bilo zbog jezične barijere u čitanju stručne literature, bilo iz drugih razloga. Teorija i zaštita graditeljskog naslijeđa na mađarskom tlu razvijana je paralelno s našom, austrijskom i talijanskom, i to još od 19. stoljeća. U Budimpešti nakon Drugog svjetskog rata ne samo da je 80 posto gradskoga tkiva razoreno, već je i po završetku rata 1945. u gradu ostalo i gotovo upola manje stanovnika. Ipak, ondje je već tri godine nakon rata bilo obnovljeno čak 26 000 kuća i zgrada, a tada su već u potpunosti rekonstruirani Most slobode i Margaretin most, dok je u sljedećih godinu dana ponovno podignut i Lančani most koji je jedan od najvećih simbola grada. Kraljevska palača je iz gotovo potpune ruševine ponovno podignuta tijekom pedesetih i šezdesetih godina, uz nastavak arheoloških istraživanja od sedamdesetih do danas.

I Dubrovnik je nakon potresa 1979. godine pokazao važnost velikih nacionalnih programa obnove, jer Hrvatska je tada osnovala središnju javnu ustanovu koja provodi i koordinira program obnove – Zavod za obnovu Dubrovnika. Osnivanje toga Zavoda temeljilo se na posebnom zakonu, a financijska sredstva je u najvećoj mjeri osiguravala država. Zavod je svojim djelovanjem u preko četrdeset godina uspio ne samo cjelovito obnoviti većinu graditeljskog naslijeđa povijesne jezgre Dubrovnika, koja je i upisana na UNESCO-vu listu svjetske baštine, već je svojim znanjem i spoznajama uvelike doprinio evidentiranju i sanaciji ratnih šteta u cijelom dubrovačkom području i drugdje nakon rata 1990-ih. Vrijedi istaknuti kako je i kod Vukovara nakon rata, a i kod Petrinje nakon potresa, ali na kraju i samoga zagrebačkoga Donjeg grada, evidentno da je nasušno potrebna i demografska revitalizacija koja bi osigurala aktivno korištenje i održavanje povijesnoga grada, a ne samo njegovu fizičku obnovu. To ovisi prvenstveno o stalnim stanovnicima, koji se privlače isključivo dobrim životnim uvjetima, visokim društvenim standardom i kvalitetnim sadržajima u povijesnim predjelima grada, a odbijaju npr. pretežitošću sadržaja namijenjenih turistima.

Petar Puhmajer: Većina iskustava rušenja i obnove europskih gradova od Zagreba su udaljeni protokom vremena, geografski ili kulturalno pa zasigurno nijedan dosad primijenjen model nije u cijelosti idealan za Zagreb. Ne samo da se tehnološke mogućnosti mijenjaju iz desetljeća u desetljeće, mijenja se i sustav zaštite graditeljske baštine, u zakonskoj regulativi i metodama obnove. I što mi se čini najvažnije, mijenja se i javna svijest o potrebi očuvanja povijesnih jezgri. Osamdesetih godina, dakle, u vremenu kad se obnavljao Dubrovnik, dobra je regulativa doprinijela sustavnom i stručnom pristupu obnovi, no, s današnjeg aspekta, neke metode, poput prekomjerne upotrebe betona, nisu sasvim prihvatljive. Korištenje torkreta ili mlaznog betona, kod povijesnih je građevina naročito invazivan i teško reverzibilan postupak. Sedamdesetih se godina, u skladu s tadašnjim tehničkim znanjima, torkretirala crkva sv. Marka, da bismo 30 godina kasnije morali torkret uklanjati, i to uz nesagledivu štetu. Torkretiranje se izvodi na goli očišćeni zid. Na građevinama koje imaju žbukana pročelja s ornamentima od štukature, kamena ili terakote, kakva su u Zagrebu većinom, to nije moguće raditi jer bi to značilo sve to ukloniti, odnosno uništiti. Većina tih elemenata se ne može skinuti a da se pritom ne uništi. Oni, osim toga, imaju umjetničku i zanatsku vrijednost. Neke od njih radili su istaknuti onodobni kipari. Postavlja se pitanje što onda točno čuvamo, goli zid ili ono što ga čini vrijednim. Kada bismo sve tako otukli i iznova napravili, suočili bismo se s velikim pitanjem autentičnosti. Izazov za Zagreb, po mom mišljenju, bit će usvojiti novije metode konstruktivne sanacije kojima se ostvaruje bolje očuvanje povijesne supstance.

 

*foto: Boris Dundović

 

► Koje su suvremene metode obnove zgrada povijesnih gradskih blokova i njihovih pročelja?

Boris Dundović: Kod promišljanja pristupa povijesnim stambenim zgradama u blokovima – kojima je glavna značajka uglavnom ta što čine povijesno tkivo, a svojim fasadama i oblikovanjem bitno doprinose ambijentu javnog prostora, dok same po sebi nisu pojedinačno kulturno dobro – javljaju se najčešći prijepori u struci. Često se radi o stoljetnim ili starijim zgradama koje su loše podnijele potres, pa mnogi arhitekti zagovaraju suvremene interpolacije jer su uvjereni da postojeće građevine nije moguće učinkovito obnoviti. No, to je krivo i ne možemo imati takav poguban stav, već zgrade revalorizirati i bolje promisliti kriterije, posebno za pitanja konstrukcije, a posebno za oblikovanje i izgled. Još je 1963. Cesare Brandi, talijanski stručnjak za konzervatorsko-restauratorska pitanja, za zgradu urušenu i oštećenu potresom piše kako takvu zgradu treba rekonstruirati ne tako da se sve tehnike i materijali dosljedno ponove i u strukturi, već da se unutrašnji građevni slojevi i nosivi elementi osuvremene kako bi se zgrada osigurala od budućih opasnosti. To je, dakako, poželjno samo ako zahvat poboljšanja strukture ne poremeti čitanje povijesnog vanjskog oblikovanja zgrade. Upravo kod blokovskih zgrada, konstruktivno poboljšanje je ključna stavka obnove. Prihvatljiva je suvremena metoda sanacije konstrukcije gdje se u obnovi koriste materijali i tehnike poboljšanja nosivosti kojima je kroz dulje razdoblje već dokazana učinkovitost i metode koje olakšavaju buduće statičke ili restauratorske zahvate.

Petar Puhmajer: Neke od metoda koje je razvila struka, kao što su npr. ugradnja karbonskih vlakana, štapnih sidara i zatega, ono su što bi trebalo koristiti i pri obnovi Zagreba. Korištenje betona ne može se u potpunosti izbjeći, no pristup i mjeru svakako valja nadograditi suvremenim spoznajama.

 

*Izvorni izgled kuće Poppović

 

► Potres nije uvijek bio uzrok, ali može biti prilika. Naime, mnoge su kuće s vremenom ostale bez bogatih dekoracija, primjerice kuća Poppović na uglu trga i Splavnice. Ta je zgrada obnovljena recentnije, ali ne (!) u izvornom obliku, a potom stradala u potresu. Očito da postoje različita gledanja i unutar struke, a tu su i različite okolnosti obnove. Osim na ovom primjeru, možete li navesti još neke primjere s kojima se najčešće susrećete, no ne one oko kojih postoji suglasje za obnovu, već one primjere gdje su mišljenja unutar struke bitno različita, a učestalije se pojavljuju? Ima li takvih zagrebačkih primjera?

Boris Dundović: Kuća Poppović jedna je od zgrada gdje bi restituiranje povijesnih elemenata pročelja vratilo dignitet zgradi ali i obogatilo ambijentalnu sliku glavnog trga. Ne nalazim značajniji razlog da se to ne učini. Ona je u svom izvornom oblikovanju iz 1907. godine bila primjerom arhitekture koja se, najčešće putem inozemnih arhitektonskih publikacija, naučila i primijenila u Zagrebu. U svoje je vrijeme bila i odrazom prosperiteta modernog građanskog sloja, koji je svojom naručiteljskom aktivnošću oblikovao sliku Donjega grada. Arhitekt Aladár Baranyai je duh bečke moderne uspješno prenosio u našu sredinu – iako se školovao isključivo u Zagrebu – te je uspio na Trg bana Jelačića uklopiti zgradu na kojoj je moderno arhitektonsko oblikovanje uskladio s dekorativnim slogom secesije, u njega ugradio Meštrovićev reljef, uskladio sve s raznolikim materijalima, ali i prostornim datostima poput Splavnice koja s trga vodi u najstariju jezgru grada. Metalne zakovice, stilizirani metalni vijenci i drugi metalni dijelovi pročelja kuće Poppović bili pritom su tipični secesijski elementi koji prenose poruku društvenog i tehnološkog napretka. Takvo oblikovanje od cjeline prema najsitnijim detaljima ne čudi, jer Baranyai je osim kao arhitekt, djelovao i kao vrsni dizajner.

Uklanjanje secesijskoga dekorativnog sloja izvršeno je 1932. godine u jeku uobičajenih purifikacija dobrog dijela onoga što je podsjećalo na austrougarski Zagreb. No u tom zahvatu kuća Poppović i njena pročelja nisu projektantski dodatno promišljena, već su ostavljena ogoljena i nedorečena. Zadržan je tek Meštrovićev alegorijski reljef koji simbolizira trgovinu, no on je s očišćenim pročeljem ostao bez svog značenjskog konteksta. Povrat oblikovnog jezika kuće Poppović, kojim bi se ponovno uspostavo njen izvorno jak ambijentalni i semiotički naboj, tema je koja u struci postoji već dulje vrijeme, a vrijedi napomenuti da postoji i projekt Dubravke Kisić temeljem kojega bi restitucija mogla biti ostvarena, budući da nije pri prethodnoj obnovi.

Razmišljanje o pročeljima kuće Poppović vrijedi usporediti i s ljekarnom K Svetom Trojstvu u Ilici 43, zgrade kojom je arhitekt Vjekoslav Bastl inaugurirao bečku secesiju u Zagreb, a kojoj očišćeno pročelje također nije doseglo vrijednost izvornoga. No, problem vraćanja izvornoga valjalo suprotstaviti i problematici kuće Feller-Stern na uglu Jurišićeve i Trga, za koju mi se nameće potpuno suprotan zaključak – da pročelje u purificiranom obliku treba zadržati. Također se radilo o izvorno Bastlovoj zgradi, secesijskoj građanskoj uglovnici projektiranoj 1904. godine, a koja je za nešto više od dva desetljeća očišćena od svojih mnogih dekoracija. No čišćenje je učinjeno prema zamisli arhitekta Petera Behrensa, koji je 1928. godine tim zahvatom po prvi puta u zagrebačko urbano tkivo uveo internacionalni stil, što je bitan moment u današnjem pluralizmu pojedinih vremenskih iskaza izgradnje trga i grada. K tomu, on je zgradu i arhitektonski preoblikovao te ponovno projektantski promislio njenu plastiku i pročelja, čime joj je dodao novi arhitektonsko-formalni sloj. Danas je kao takva odraz modernističke urbane kulture međuratnog Zagreba i vrijedan prostorni dokument koji valja zadržati. Tu je vrednovanje kulturnoga značaja iznimno bitno; odnosno, da parafraziram riječi konzervatora Gustava Giovannonija iz 1913., ono uključuje poštivanje čitavog arhitektonskog i umjetničkog života spomenika, ne samo njegove prve faze.

Dodao bih da, s obzirom na današnje mogućnosti, mislim kako imamo mogućnost te bi bilo važno rekonstruirati i izvornu Bastlovu secesijsku zgradu Feller – ali u kakvoj proširenoj ili virtualnoj stvarnosti. To nam današnja tehnologija omogućuje i možemo je koristiti i u znanstveno-istraživačke, i u prezentacijske svrhe. To je uputno i za druge objekte kojih više nema, npr. zagrebačku sinagogu.

Petar Puhmajer: Rekao bih da konzervatorska struka na neki način prati razvoj i ideje u znanstveno-istraživačkoj sferi i stavu prema povijesnim razdobljima. Sve do devedesetih godina 20. stoljeća, historicizam se smatrao manje vrijednim, a poslijeratna moderna sve do 2000-ih, pa je bilo manje istraživača, a sukladno tome je među konzervatorima bilo manje volje da se ulože napori u obnovu takvih zgrada. To nije nešto tipično za nas, već i za mnoge druge, razvijenije sredine.

Ključno je prilikom svake obnove zgrade provesti konzervatorska istraživanja i izraditi konzervatorski elaborat, te na temelju toga donijeti adekvatnu valorizaciju i utvrditi mogućnosti obnove. Izrada takvog elaborata dugo nije bila zakonska obveza. Osim toga, postojali su stavovi unutar struke, osobito arhitektonskim krugovima, da je vraćanje povijesnih pročelja „fasaderstvo“ jer se kao ne sagledava cijela zgrada nego samo pročelje. Međutim, često je projektni zadatak samo pročelje, a ne cijela zgrada, zbog raznih okolnosti. Za pitanje restitucije povijesnih pročelja presudne su odluke, znanje i kompetencije sudionika obnove, što je bio slučaj bio i s kućom Popović. Naravno da zgrade koje su tako dominantne u vizuri grada izazivaju polemike, i to s pravom. Od Univerzijade, kada je provedena prva takva obnova u Zagrebu, na kući Gavella na Jelačićevu trgu 6, što je radio tadašnji Restauratorski zavod Hrvatske, takav pristup nije bio čest. Nekim je baroknim pročeljima na Gornjem gradu i Kaptolu vraćeno izvorno oblikovanje. Dogodila se 2007. i rekonstrukcija pročelja nekadašnje vojarne u Petrinjskoj 18, a u novije vrijeme i vrlo uspješna obnova Etnografskog muzeja.

 

*Kuća Elsa Fluid/Feller, prije i poslije rekonstrukcije

 

► Bogatu plastiku imao je svojevremeno i Starčevićev dom. Krovne skulpture nekad je imala i palača Vranyczany, današnji Nacionalni muzej moderne umjetnosti. Činjenica je da od kad su ti elementi uklonjeni, iz ovih ili onih razloga, više nikad nisu vraćeni, a obnove zgrada su se u međuvremenu dogodile. Kako se tu postaviti kod eventualne obnove? Ako ovako lokacijski važne palače nisu obnovljene cjelovito, kako uopće očekivati da će se fasadni ukrasi vraćati na one manje važne ili nepoznatije? Zašto je važno vratiti ih?

Boris Dundović: Plastika pročelja svakako jest bitan dio izgubljenih povijesnih značajki građevine kao i ambijentalne vrijednosti javnoga prostora pred tim pročeljem, koji se nekada može, a nekada ne može vratiti. Kada govorimo o stilsko-dekorativnim i umjetničkim elementima pročelja, valja naglasiti da postoji stanovita razlika između plastike koja je dio obrtne umjetnosti i one koja je dio likovne umjetnosti. Za djelo likovne umjetnosti – kao što su, primjerice, bile skulpture koje je 1894./95. godine umjetnički izradio kipar Dragutin Morak za Starčevićev dom, a koje danas ondje ne postoje – moramo biti svjesni da su one neponovljiva umjetnička djela koja bi se, tek pod uvjetom da su negdje sačuvana, mogla ili ponovno postaviti na zgradu ili bi se postavila vjerna replika, a izvornik bi se mogao izložiti u zaštićenom prostoru – što je zagovarao još 1893. i Camillo Boito, otac talijanskog konzervatorskog pokreta. Često su se i kod purifikacija tijekom 20. stoljeća upravo ti elementi zadržavali, primjerice spomenute skulpture Rudolfa Valdeca na Etnografskom muzeju ili reljef Ivana Meštrovića na kući Poppović. Kod arhitektonskih skulptura i reljefa koji su izgubljeni ili uništeni, svaki pokušaj izrade replike s fotografija zapravo je interpretativan i bio bi svojevrstan falsifikat povijesnoga stanja. Ovdje možda leži odgovor zašto pojedine dijelove pročelja više nije bilo moguće ponovno izvesti prilikom restitucije povijesnoga stanja.

Petar Puhmajer: Pročelje je iznimno važno u urbanističkom smislu kao dio vizure i ambijenta. Ako rekonstruiramo njegov povijesni izgled, onaj kakvog je zamislio projektant, onda moramo vratiti i sve detalje, uključujući dekorativnu plastiku, žbukanu obradu i obojenje. To mi se čini vjerodostojno, sve drugo je interpretacija. Htio bih naglasiti da je interpretacija ponekad moguća i prihvatljiva, primjerice, kada izgled povijesnih elemenata nije poznat, ili kada je od svake obnove sačuvan jedan fragment pa je pročelje danas rezultat višekratnih zahvata od kojih nijedan nije posebno vrijedan. No upravo je svrha konzervatorskih istraživanja da se utvrdi stanje i mogućnosti. Povijesne zgrade bi se u načelu trebale obnavljati sa što manje interpretacija.

 

*Starčevićev dom s krovnim skulpturama (razglednica, oko 1910.)

*Kuća Gavella

 

► Treba li potresna obnova biti prilika za vraćanje nekih povijesnih, arhitektonski značajnih, objekata u izvorno stanje, konkretno kuću Siebenschein arhitekta Franje Kleina na uglu Preradovićeva i Cvjetnog trga koja je modernizacijom izgubila izvorno pročelje, a kvalitetom novoga zapravo nije nadmašila staro? Ta je kuća, kad je izgrađena, postavila novi standard za taj dio grada. Prvi primjer restitucije povijesnog pročelja u Zagrebu je kuća Gavella na glavnom trgu, kojoj je prilikom obnove trga vraćena izborna fasada. Taj potez tada nije prošao bez kritika. Radovan Ivančević govorio je o nedostatku senzibiliteta za kvalitetu kontrapunkta i polifone kompozicije naglašene smjenom stilova zgrada. Situacija na Cvjetnom je ponešto drugačija. Kako se postaviti kod obnove i eventualne restitucije fasade objekta na Cvjetnom? Koji su argumenti i kontraargumenti za takav potez?

Boris Dundović: Pitanje vraćanja davnoga povijesnoga stanja vanjštine neke zgrade uvijek treba sagledati iz više motrišta. Smjena stilova zgrada, o kojoj je Ivančević pisao i govorio, zapravo je zabilješka povijesne izmjene različitih konteksta nakon kojih nas je zgrada danas dočekala u nekom stanju, pa se ona tako može čitati i kao svojevrsni prostorni ili fizički dokument tih promjena. Kući Siebenschein, izgrađenoj 1874. godine prema projektu arhitekta Franje Kleina, kao jednoj od prvih reprezentativnih građanskih najamnih kuća Donjega grada, nedvojbeno pripada istaknuto mjesto u kulturnoj i arhitektonskoj povijesti Zagreba. Ona je kao dvokatnica unijela novo mjerilo među dotadašnjim prizemnicama, ali i novi standard u projektiranju reprezentativnih pročeljâ javnoga prostora koji će postati Preradovićevim trgom. Ujedno je i vrijedan dokument židovske prisutnosti i njihova značaja za stvaranje donjogradskog urbanog tkiva, njegovoga identiteta i ambijenta. Kuća Siebenschein je, nažalost, također bila žrtvom međuratnog čišćenja i „moderniziranja“ pročelja, a do danas je i taj sloj (poglavito u zoni najviše etaže) dodatno preoblikovan. Slučaj je sličan kao i kod kuće Poppović, gdje pročelne intervencije tijekom 20. stoljeća nisu uspjele doseći kvalitetu izvornika, pogotovo ne u današnjem obliku. Samo je kod kuće Poppović prizemna zona bila i ostala pristupačnija od poprilično zatvorenoga prizemlja izvorne kuće Siebenschein. Valja stoga i pri obnovi iznaći projektantski kompromis između prezentacije povijesnoga stanja i suvremenih funkcija. Općenito kod odluka o prezentaciji pojedinih faza građevina gradskih trgova, ukoliko je povijesno stanje po ocjeni stručnjaka vrjednije od današnjega, ne vidim zašto se ne bi uključilo i mišljenje javnosti, odnosno stavilo prijedloge inačica na neki oblik javne, ili barem stručne, rasprave ili glasanja.

Petar Puhmajer: Postpotresna obnova je idealna prilika za rekonstrukciju izgubljenih povijesnih pročelja. Zgrade kojima su purificirana pročelja je relativno mnogo u Zagrebu. Većinom se to zbivalo između dva svjetska rata, no i kasnije. Skinuta je dekoracija sa zgrade Oktogona, zatim nekadašnje ljekarne Pečić u Ilici 43, a na Jelačićevu trgu u nepovrat je otišao i slavni Elsa-fluid dom, sve istaknuta djela secesije, očito smatrana nedovoljno „modernima“ u to vrijeme. Takvi su se stavovi zadržali relativno dugo pa su i doveli do teorija o „stilskih kontrapunktima“ i do promatranja prostora i vizura trga kao gotovog artefakta, kroz nekakvu estetsku prosudbu, a ne vrijednosti i izvornosti same arhitekture koje su te zgrade svaka pojedinačno imale. Nije svaka obnova ili popravak građevine vrijedan, kao ni stanje u kojem je ona danas. Nužno je sagledati ono što je u prostornom i oblikovnom smislu bitno te to istaknuti ili restituirati, a ono što nije, neutralizirati ili poboljšati. Kuća Gavella na Trgu također je bila žrtvom purifikatorskog zahvata, pri kojem nije došlo do nekog kreativnog pomaka, već su zadržani izvorni gabariti, volumenski istaci, pa čak i proporcije otvora, samo je ukras „očišćen“. Vrlo slično kao i kuća Siebenschein na Cvjetnom trgu koja je bila prava palača, izvanredno djelo stambene arhitekture, pa i u tehnološkom smislu, kao jedan od ranih primjera upotrebe fasadne opeke kod nas. Činjenica da i danas stoji tako degradirana bez ikakve oblikovne vrijednosti, upravo zaziva da se razmotre mogućnosti njene rekonstrukcije.

 

*Kuća Siebenschein (desno: kolorizirana fotografija iz 1930-ih)

 

► Boris, vi ste bili dio tima na obnovi pročelja Etnografskog muzeja. Što su tamo bili najveći izazovi?

Boris Dundović: Projekt povrata elemenata izvornog secesijskog pročelja, ali i obnove kupole na zgradi Etnografskog muzeja radio sam zajedno s arhitekticom i konzervatoricom Blandom Maticom, koja je program vodila u Hrvatskom restauratorskom zavodu. Zadatak je bio ponovno uspostaviti oblikovnu sintaksu pročelja da ono sudjeluje u ambijentalnoj slici javnoga prostora. Još prije negoli smo pristupili tom zadatku, određeno je da će se pročelje rekonstruirati u svoju prvu oblikovnu fazu, koju je projektirao Vjekoslav Bastl 1902.–04. godine. Uz postojeći osnovni arhitektonski oblik pročelja s tri rizalita i kupolom, od izvornoga stilskoga sloga i dekorativnih elemenata bile su očuvane samo arhitektonska skulptura i reljefi Rudolfa Valdeca, pojedini modelirani elementi pod krovnim vijencem, bravarija ulaznoga portala, stolarija i donji dekorativni dio bakrenoga tambura kupole. Kasnije smo otkrili da su pojedini elementi (ili barem njihovi tragovi) zakriveni dodatnim nanosima materijala pri izravnavanju pročelja prilikom purifikacije. Dobar dio izvornih vučenih profilacija vijenaca i okvira više nije postojao, kao gotovo nijedan od štuko elemenata mnogih dekoracija.

Da stvar bude još zamršenija, nisu postojali ni nacrti svih detalja. U arhivskoj je građi bila dostupna većinom samo ona građa na temelju kojih su dobivane dozvole, dok su tek neke promjene u projektu tijekom izgradnje zabilježene. Mnogi elementi morali su bili rekonstruirani preko povijesnih fotografija i Bastlovih skica, fotogrametrijom i rektifikacijom te usporedbom s elementima koje je Bastl koristio na drugim svojim projektima (poglavito onim iz godina izgradnje muzeja), ali i elementima koje su koristili drugi učenici Otta Wagnera. Više sam puta tijekom projektiranja odlazio u Beč i proučavao materijale, proporcije te oblikovne značajke elemenata koje su koristili Wagner i njegovi učenici.

Ni nosiva konstrukcija tih elemenata nije bila u potpunosti očuvana. Dijelovi od opeke, koji su nosili određene slojeve i elemente pročelja, bili su prilikom purifikacije otkrhnuti pa tako danas i neadekvatni za tu funkciju. Snašli smo se dodatnim konzolama i ankerima. Štoviše, dobar dio izvornoga pročelja bio je namjerno oštećen prilikom izvedbe purificiranog stanja – rekli bismo ispiketan – kako bi se novi nanos iznimno čvrste hirofe dobro zadržao, pa ga je tako bilo veoma teško ukloniti.

Razdoblje prijeloma 19. i 20. stoljeća je vrijeme u kojemu su se konstantno spajali povijesni uzori i nova tehnološka rješenja, a naše vrijeme nudi nam mogućnost ponovnog vrednovanja tih metoda. Iako moram napomenuti da su pojedina rješenja Wagnerove škole tehnički napredna i za današnje pojmove, mnogi elementi izvedeni tada tradicionalnim metodama danas su neadekvatni ili preskupi i mogu se izvesti upotrebom pristupačnijih materijala i modernih tehnika. Jedan od tih elemenata bile su dvije žare koje flankiraju kupolu. One su pri obnovi morale biti izvedene kao šuplje i od cinkotita, jer je izvedba punih elemenata od bakra preskupa, a element bi bio pretežak. Glavni uvjet bila je fina izvedba, da se čitaju kao da su sastavljene od punih elemenata. Ovdje moram napomenuti da se javio problem pronalaska izvođača tog elementa, jer u Hrvatskoj nasušno nedostaje pojedinih obrtnika, kao što su u ovom slučaju kovinopojasari, a preostali rijetko kada imaju priliku raditi na kulturnom dobru ili posjeduju dopuštenje za to.

Na pojedinim je mjestima bilo potrebno dodatno zaštititi pojedine elemente od daljnjeg propadanja, što izvornim stanjem nije bilo izvedeno. Primjerice, pomno smo promišljali zaštitu svih padalinama izloženih površina, a da ni na koji način ne ugrozimo elemente oblikovanja. Veći odmak od izvornoga stanja javio se pritom samo na kupoli, koja nije izvedena od bitumeniziranoga kartona kao original, već je u ovoj obnovi projektirana kao bakrena. U taj smo medij interpretirali izvorne pozlaćene dekorativne trake i medaljone kako bismo vratili astrološku simboliku koju je projektant u kupolu utkao.

 

*Etnografski muzej / foto: Boris Dundović

 

Secesiju, koja pokazuje plejadu oblikovnih i tehnoloških dostignuća, uvijek je pratio raskošni tretman završne obloge pročelja, pa se tu često i stručnjaci znaju razići u mišljenju, a to je i kod Etnografskog muzeja također bio slučaj. Mišljenja sam da je završni tretman pročelja Etnografskog trebao biti raskošniji, ali ipak decentan. I restauratorska su istraživanja pokazala da su zidne plohe bile mliječnožute boje koja se može vidjeti danas, ali i da je većina dekoracija, traka i vijenaca bila za ton svjetlija. Također, površine prvoga kata, koje su završno prikazane kao grubo žbukane, izvorno su imale granuliranu strukturu od sitnih kamenčića, kao svojevrsni kulir, blago toniranu kako bi pristajala žbukanom dijelu. No, prilikom izvedbe sve je izvedeno u istoj završnoj boji, čime su se stilsko-oblikovni elementi dobrano utopili u plohu, umjesto da se istaknu. No, ipak, uz veliku pomoć Gradskog zavoda za zaštitu spomenika kulture i prirode, te uz sjajno istraživanje i rekonstruiranje štuko modeliranih elemenata koje su izveli restauratori Nena Brkić i Zoran Petkov, veliki poduhvat obnove pročelja Etnografskog muzeja je priveden uspješnom završetku krajem 2019. godine. Danas imamo restituirano glavno pročelje koje ponovno sudjeluje u slici grada i javnoga prostora na način kako je Bastl to zamislio, a koje je oba potresa preživjelo bez imalo štete.

 

*Etnografski muzej / foto: Boris Dundović

 

► Možete li reći nešto o problemu boje pri obnovi povijesnih zgrada? Koje su najčešće dvojbe?

Petar Puhmajer: Boja na povijesnim zgradama može se utvrditi jedino konzervatorskim istraživanjima. No, budući da se za donjogradsku arhitekturu desetljećima nisu radili konzervatorski elaborati, boje su se odabirale proizvoljno, a ne prema tome kakve su izvorno bile. Svako povijesno razdoblje imalo je drukčije trendove boje u arhitekturi. U 19. i početkom 20. stoljeća pročelja su većinom monokromna, dakle, bez isticanja dekorativnih elemenata u drugoj boji ili nijansi, a tek stolarija i bravarija mogu biti u drugoj boji ili boji materijala. Iako je već tada bio dosta širok raspon boja, a u Zagrebu su bile popularne nijanse okera, žute, narančaste, smeđe ili pak bijele, sive ili zelene. Primjerice, zgrada Muzeja za umjetnost i obrt i Muzej Mimara bile su izvorno monokromne, u oker boji pijeska, za razliku od današnjih intenzivnih i vizualno „teških“ boja 20. stoljeća. Na Jelačićevu trgu je izvorna boja vraćena samo kući Rado na kbr. 5 koja je u blijedo-smeđem okeru, te na kući Kolmar na kućnom broju 7 koja ima smeđe-bijelu kombinaciju s naslikanim kvadrima. HNK i Umjetnički paviljon su bili žuti otprilike kao i danas, dok je recimo zgrada Glavnog kolodvora bila izvorno crvene boje, no nažalost takva nije vraćena u zadnjoj obnovi. U kasnom historicizmu i secesiji se primjenjivala i obrada pročelja nebojenom žbukom, npr. kuća Feller na Tomislavovu trgu 4, Hönigsberga i Deutscha, koja ima zaglađenu žbuku sive teksture, ali bez boje.

Tehnologije obrade i obojenja povijesnih pročelja vrlo često odudaraju od današnje estetike. U javnosti, pa i u samoj struci, postoje različita mišljenja o tome kako treba bojati povijesne zgrade, da li prema nečijem ukusu ili prema tome kakva je izvorno bila. Za konzervatore ne bi trebalo biti dvojbe. Ako restauriramo povijesno pročelje sa svim njegovim oblikovnim detaljima  iz nekog vremena, onda iz istog vremena treba vratiti i boju kojom su ti detalji bili bojani.

 

► Mnoge zagrebačke kupole teško su stradale u potresu, a neke posljedično i uklonjene. Koliko je kompleksna njihova obnova? Postoji li neka osnovna klasifikacija kupola na zagrebačkim primjerima? Što bi bio grad bez svojih kupola?

Petar Puhmajer: Kupole, tornjići i erkeri snažne su urbanističke točke u vizuri Donjeg grada, ne samo u razini ulice, već i iz povišene perspektive, s Gornjeg grada, itd. One su svojevrsno identitetsko obilježje i grad bi bio znatno siromašniji bez njih. Kupole i kupolasti krovovi slabo su istražen segment graditeljske baštine, ali u vremenu svog nastanka, odražavale su suvremene trendove, bilo da je riječ o tehničkim rješenjima, npr. kombinaciji željeza i stakla, ili pak dekorativnim oblicima, s upotrebom glaziranog i toniranog crijepa, salonitnih ploča ili raznovrsnih, kiparski oblikovanih detalja od lima. Zanimljivo je da u vremenu kada se stvarao taj novi identitet Zagreba, početkom 20. stoljeća, kritika, kao ni danas, nije bila blagonaklona. Đuro Szabo je ironično komentirao kako je postao običaj u Donjem gradu da svaka „kućerda“ na uglu mora imati kupolu. Naravno, odnos prema toj arhitekturi se značajno promijenio i ona se danas percipira kao vrijedna.

U prošlogodišnjim su potresima uklonjene tri kupole. U travnju je uz velike napore i logistiku skinuta golema limena kupola kuće Hönigsberg u Frankopanskoj 2, zajedno s drvenom krovnom konstrukcijom, čemu sam imao prilike osobno svjedočiti i pratiti tijek radova. Zahvat se sastojao od opasivanja remenjem i ugradnje čeličnih traverzi koje su poslužile kao potkonstrukcija, koja je onda, zajedno s kupolom, sajlama podignuta u zrak i spuštena na pločnik u Ilici. Istom metodom je skinuta i nešto manja kupola kuće Spitzer u Jurišićevoj 9, a ove godine i na kući Tassotti-Mandić u Jurišićevoj 18. Njihova će obnova biti kompleksna utoliko što je nužno sačuvati što više izvornog materijala, a osobito elemenata koji su dekorativno obrađeni. No to je i veliki tehnički izazov jer je riječ o materijalima koji su više od stotinu godina izravno izloženi atmosferilijama. To je uzrokovalo da su oni na izvjestan način „skoreni“ odnosno petrificirani, što ih je očuvalo i očvrsnulo, pa će njihovo rastavljanje neminovno značiti daljnje oštećivanje. Nisam siguran hoće li biti moguće vratiti originalne kupole na njihova mjesta ili će se morati raditi nove.

 

*Kupola kuće Hönigsberg u Frankopanskoj 2 / foto: Goran Kerić (Grupa Krenimo)

 

► Obnova otvara velika i mala pitanja. Kako se postaviti prema činjenici da je dio pročelja pošte u Jurišićevoj, na središnjem zabatu, nekad ukrašavao grb, čija je svrha, dakako, izgubljena i s promjenom političkog sustava pa je i opravdano maknut, i s preinakama zgrade, ali prostor na fasadi i dalje je primjeren za neku takvu intervenciju? To pitanje otvara se sada kod obnove zgrade koja predstoji. U ovom slučaju nešto je bilo, pa nestalo i izvorno je činilo sastavni dio fasade objekta. Ima i niz slučajeva zgrada gdje niše za skulpture nisu ispunjene, a čine sastavni dio fasade. Koja su vaša razmišljanja o tome?

Boris Dundović: Zgrada Glavne pošte u Jurišićevoj je od dovršetka izgradnje 1904. godine pa sve do danas periodično dobivala manje i veće izmjene koje su sve redom svjedocima njenog bogatog životnog vijeka, značaja i prisutnosti u donjogradskom urbanom tkivu. Štoviše, čak je i prvotna inačica projekta, gdje su ponad lijevog rizalita ulaznoga dijela pročelja projektanti Ernő Foerk i Gyula Sándy zamislili 50-metarski telegrafski toranj, ostala neizvedena. Po izgradnji, Glavna pošta je bila zgrada simetričnog glavnog pročelja, ali s krovom koji je udvostručavao njenu visinu i koji se isticao u slici grada dvama velikim krovnim tornjevima. Među njima, u središnjem dijelu pročelja, postavljena su tri dekorativna zabata od kojih je središnji sadržavao majolički grb Ugarske proizveden u cijenjenoj tvornici Zsolnay u Pečuhu. Taj je grb uklonjen već 1. studenog 1918., samo tri dana nakon raspada Austrougarske Monarhije i stvaranja Države SHS na našim prostorima. Godine 1920. počeli su pristizati i idejna rješenja za nadogradnju Glavne pošte još jednom etažom, što je 1929. i učinjeno prema projektu Stanka Kliske. Time je zgrada izgubila svoj impozantan krov, a arhitektonsko-dekorativni elementi dotadašnje atike podignuti su za etažu više.

Nakon svega, bilo bi besmisleno vraćati ugarski grb u postojeće kružno polje gdje je bio, u prvom redu zato što ni to polje nije na mjestu gdje je bilo. Reintegriranje elemenata pročelja može se u ovakvom slučaju učiniti i novim umjetničkim zahvatom ili umjetničkom interpretacijom koja ne bi negirala povijesni tijek već bi jasno ukazivala da je rezultat suvremenog promišljanja likovne cjelovitosti pročelja. Čuo sam da je još donedavno, a možda još i uvijek, izvorni ugarski grb sačuvan u potkrovlju. Ako je to slučaj, njega bi trebalo spasiti, restaurirati i uključiti u kakvu zbirku takvih predmeta obrtne umjetnosti, primjerice Muzeja za umjetnost i obrt. Napokon, nestalo je tijekom povijesti i grubo tesano kamenje dekoracije oko prozora drugoga kata, zatvoreni su i nestala je većina umjetnički izvedene kovane bravarije istočnog i zapadnog ulaza za korisnike, a ni glavni ulaz više nije izvorni neogotički portal, već je rezultat modernističkoga proširenja arhitekta Marijana Haberlea iz 1955. Svi ti elementi čine jedinstven povijesni dokument, čiji je zapis sadržan u mediju arhitekture.

S druge strane, unatoč svim fizičkim i oblikovnim promjenama i adaptacijama, zgrada Glavne pošte je od svoje izgradnje pa sve do potresa 2020. godine služila istoj namjeni – poštanskog ureda. Taj kontinuitet korištenja vrijedna je značajka koju bi svakako trebalo očuvati. U samoj zgradi smješten je i HT muzej koji je dio te povijesti prezentirao. Velika bi šteta bila kad bi impozantna i vrijedna građevina poput Glavne pošte – koja je stilski, simbolički, tehnološki i materijalom specifična za naš grad – izgubila svoju do danas nepromijenjenu ulogu i postala samo dekorativnom ljuskom kakve nove funkcije, primjerice hotela.

 

*Izvorni izgled Glavne pošte u Jurišićevoj ulici (lijevo); foto: Boris Dundović (desno)

 

► Petar, vi ste sudjelovali u obnovi Banskih dvora čija je svečana dvorana ponovo dobila zidne slike. Zidne slike postoje npr. i u palači Grlečić-Jelačić na Markovom trgu broj 9. Radi se o prikazima gradova vezanih uz život bana Gyulaya. Palača je u očajnom stanju i od prije potresa. Možete li reći nešto o procesu obnove teško oštećenih interijera?

Petar Puhmajer: Zagrebački povijesni interijeri su vrlo slabo istraženi, upravo kao posljedica toga što se konzervatorska istraživanja nisu provodila sustavno sve do prije dvadesetak godina. No, i struka se polako mijenja, i sve ono što je dotad bilo nezamislivo, danas je uobičajena praksa. Zadnjih se godina otkrivaju interijeri gornjogradskih pa čak i donjogradskih kuća i palača koji su nekad bili vrlo raskošni, sa zidnim oslicima, štukaturom, dekorativnom stolarijom i bravarijom. Nedavno smo prilikom istraživanja kina Europa pronašli da su sve zidne plohe dvorane i predvorja bile izvorno bogato kolorirane u štukaturi i štuko-mramoru, za razliku od bijele monokromije koja je dosad prevladavala. Problem s kućom Grlečić-Jelačić nije stručan već birokratski. S obzirom na težinu oštećenja, nužna je hitna obnova, no inicijativu mora pokrenuti vlasnik. U Banskim dvorima bila je sretna okolnost da je vlasnik zgrade želio sačuvati i prezentirati oslik, što nije uvijek slučaj.

 

*Interijer palače Grlečić-Jelačić, foto: Abandoned Croatia

 

► Potres je neke stvari razotkrio, primjerice u katedrali su otkriveni dijelovi nadgrobne ploče biskupa Luka Baratina u crvenom mramoru iz 16. stoljeća koji su nekako završili u šuti kojom je niveliran pod, moguće nakon potresa 1880. Ima li još nekih primjera za koje znate? Prilika koje su se ne samo razotkrile, već i otvorile?

Petar Puhmajer: Istraživanjima se obično znaju pronaći zazidani otvori, oslici, katkad i sitni uporabni predmeti, a vrlo rijetko neki tako spektakularan nalaz. Još davno, prilikom obnove crkve sv. Marka 1930-ih godina, u otkopanoj kripti, pronađeni su bogato kolorirani drveni i limeni ljesovi. Oni se nisu sačuvali, no sličan je pronalazak bio i prije dvadesetak godina u Požegi, gdje su u kripti župne crkve u isto takvim ljesovima bili balzamirani pokojnici u izvrsno sačuvanoj odjeći iz 18. i 19. stoljeća. Uslijedila je restauracija tih predmeta i oni su danas izloženi u muzeju.

Nedavno je u Zagrebu, u zgradi Državnog hidrometeorološkog zavoda, pronađen veliki gotički prozor, koji je pripadao srednjovjekovnoj crkvi koja se tu nalazila, a zanimljiv nalaz su i klasicistički kameni stupovi jednog salona, iz vremena kada je to bila palača obitelji Jelačić, dakle početkom 19. stoljeća.

Boris Dundović: Žurne sanacije i obnove kako bi se život nakon razaranja i traumatskog iskustva što prije vratio u normalu, često su u povijesti prije 20. stoljeća jednostavno zatrpale stare slojeve i izgradile nove na njima. Katedrale su pritom česta mjesta pronalaska ranijih povijesti. Sjetimo se samo da se i u Dubrovniku na Bunićevoj poljani te pod današnjom dubrovačkom katedralom, izgrađenom u obnovi grada nakon razornoga potresa 1667. godine, i danas konstantno pronalaze novi ostaci i fragmenti ranijih bizantske i romaničke katedrale, kao i krstionicâ, groblja te ostaci obrambenih zidina cijelog tzv. „katedralnog kaštela“ pod poljanama i u okolnim blokovima. U takvim je slučajevima, kod arhitektonskih nalaza, bitno što bolje istražiti i dokumentirati te pravilno konzervirati pronađene elemente, a zatim se idealnim rekonstrukcijama baviti isključivo znanstveno-istraživački, a ne u prostoru gdje i ako postoje i kasniji vrijedni povijesni slojevi. Pokretne nalaze i vrijedne fragmente, kao što je ploča Luke Baratina, koji su izgubili svoj izvorni povijesni ambijent i kontekst pritom je potrebno, uz konzerviranje, i izložiti u zaštićenim uvjetima.

 

► Pri raščišćavanju nakon potresa, na društvenim mrežama pojavila se i proširila informacija o reljefu majmuna koji je odbačen s jednog iličkog tavana. Zahvaljujući alarmu javnosti, ali i  vašem osobnom kopanju po šuti, što je sve bio mali poduhvat, reljef nije završio na glomaznom otpadu. Lik majmuna je neobičan za Zagreb. Koja bi mogla biti njegova priča?

Petar Puhmajer: Objavom na društvenim mrežama i zalaganjem platforme 1postozagrad, uspjeli smo spasiti reljef majmuna koji jede grožđe, no nažalost ne i druge reljefe, koji su bili dio niza lijevanih žbukanih ploča s prikazima vegetabilne ornamentike. Oni su bili odbačeni za odvoz na deponij prilikom čišćenja šute s tavana dvorišnog krila zgrade u Ilici 31, gdje se nalazio već ranije, a skinut je vjerojatno s pročelja neke od zgrada u tom sklopu. U tom se sklopu nalazi i zgrada nekadašnjeg kina Apolo, sada Kazalište Kerempuh, kojoj je u nekom vremenu skinut izvorni secesijski ukras. Baš za secesiju su inače karakteristični motivi egzotičnih životinja. Sklop je do danas neistražen, no bilo bi jako zanimljivo pozabaviti se njegovom poviješću i vidjeti otkuda je reljef.

 

*Zagrebački majmun ispred Ilice 31 u travnju 2020.

 

► Neke od u potresu teško stradalih objekata bez istaknute arhitektonske i druge vrijednosti moguće je zamijeniti novim, suvremenim zdanjima. Možda teže stradalu kuću na uglu Petrinjske i Đorđićeve. Kako na to gledate, ne samo na ovom primjeru? Takvih će zahtjeva sasvim sigurno biti.

Boris Dundović: Svako urbano tkivo je prostorni dokument povijesti i razvoja grada, pa tako i Zagreb u svojim povijesnim središtima ima prostora za suvremene zahvate i interpolacije. Mnogi su blokovi do danas ostali nedovršeni, a brojne su građevine zbog derutnoga stanja intenzivno propadale i prije potresa. Ocjena potrebe za suvremenom interpolacijom ili zamjenskom izgradnjom na bilo kojem mjestu povijesne cjeline mora se prvenstveno temeljiti na konzervatorskom elaboratu ili podlozi, koja nudi i vrednovanje postojećeg izgrađenog fonda i otvorenih prostora bloka ili zgrade, ali i prijedlog konzervatorskih i prostorno-planskih smjernica za dalje. Često podcjenjujemo potrebu takvih studija, a to onda omogućava novu izgradnju bez sagledavanja povijesno-prostornih i ambijentalnih motrišta.

Petar Puhmajer: Očuvanje povijesnih ambijenata treba biti apsolutni prioritet u obnovi Donjeg grada, osobito ondje gdje su sačuvani čitavi ulični nizovi povijesne arhitekture. Pri tome, to ne vidim kao prepreku u konstruktivnoj sanaciji zgrada pa ni u uređenju i suvremenom promišljanju dvorišta i unutrašnjosti blokova. Također, u zonama gdje je već došlo do jačih interpolacija, poput Petrinjske, gdje imamo i snažne kontraste između zgrada visoke urbane kvalitete i substandardne gradnje, držim da je nova suvremena arhitektura potrebna i poželjna. Problem je što se iste metode primjenjuju za sve zone jednako, bez prethodne valorizacije prostora i građevnog fonda koji ga čini, pa stradavaju povijesni ambijenti, ono najvrjednije u Zagrebu. To se dogodilo prije desetak godina gradnjom trgovačkog centra na Cvjetnom trgu.

 

► Povijesnu vrijednost jednako čine zgrade i ulice, odnosno pripadajući javni prostori i gradski ambijenti. Donjogradski javni prostori, osobito povijesni parkovi Zelene potkove, zadnjih se godina eksploatiraju komercijalno, ali na neprimjereni način. Kako gledate na takav odnos prema kultiviranom prostoru? I općenito na način upravljanja povijesnom cjelinom u kontekstu očuvanja povijesnih ambijenata?

Petar Puhmajer: Nemam ništa protiv komercijalne eksploatacije prostora sve dok ona ne narušava njegov karakter, posebno kad je riječ o kultiviranim prostorima i onima koji čine identitet grada. Žao mi je što se eksploatacija centra Zagreba odvija na taj način, a ne recimo korištenjem perifernih ili nedovoljno iskorištenih zona centra koje treba i stvarati kako bi odgovarali na potrebe našega vremena, npr. na prostoru Gredelja. Stvaranje novih pješačkih zona jako je važno ne samo u centru već u svim kvartovima.

Boris Dundović: Komercijalna eksploatacija jedinstvenih vrijednosti Zelene potkove je u posljednjih godina intenzivno porasla, a da pritom nije uopće doprinijela rješavanju općih problema održavanja povijesnoga ambijenta koji se iskorištava kao scenografija ili kulisa. Nevjerojatno je da se nakon svih ovih godina financijski prihod velikih manifestacija, kao što je popularni Advent, nije značajnije odrazio na stanje građevina, pročelja, trgova i perivoja, osim što nakon uklanjanja kućica i drugih elemenata opreme, ostavljaju pustoš. Manifestacija je i toliko da se između dvije ne uspijeva u potpunosti rekonstruirati i oporaviti povijesno stanje perivojnih partera. Nijedna druga srednjoeuropska metropola svoju najveću perivojnu vrijednost ne tretira kao javni prostor od ruba do ruba, ispunjen plitkim turističkim spektaklom.

S druge strane, u središtima razvijenih metropola, a poglavito tijekom posljednjih desetak godina, daje se velika prednost pješacima i biciklistima, a često i javnom prijevozu nauštrb kolnog prometa, pa se sve veći broj ulica pretvara u uređene pješačke poteze. Mariahilfer Strasse, ali i sâm uži centar Beča, odličan su primjer kako se uz dobru volju može na taj način obogatiti javni prostor grada i pritom ga oblikovati kao prepoznatljiv i ugodan ambijent. Mi u Zagrebu imamo iznimno malen broj takvih ulica, a potencijal je velik, primjerice već formiranjem promenade od HNK do Zrinjevca pješačkom Masarykovom i Teslinom. K tomu, glavni nam perivojni prostor Donjega grada presijecaju čak dvije intenzivno korištene velike prometnice, a sve zajedno drastično usporava i javni prijevoz. Rješavanje javnoga prostora u službi revitalizacije i poboljšanja kvalitete života u središtu grada je samo jedan aspekt ukupne urbane obnove u kojoj Zagreb za drugim europskim metropolama kasni više od četiri desetljeća.

 

*Strossmayerov trg, potpuno poništavanje perivojnih trgova Zelene potkove / foto: Saša Šimpraga

 

► Sa spomenika kralju Tomislavu svojevremeno su skinuti reljefi koji su u jednom trenutku zamijenjeni izvorno zamišljenima, od istog autora kao i sam spomenik. Skinuti reljefi od onda stoje pohranjeni u dvorištu kuće na Markovom trgu. Što mislite o ideji da se postave u npr. pothodnik prilaza peronima na Glavnom kolodvoru? Time bi bili iskorišteni, pothodnik dobio na atraktivnosti, a reljefi na neki način bili blizu mjesta gdje su desetljećima stajali. Njihova tema nije historiografski sporna.

Boris Dundović: Vraćanjem izvornih reljefa Roberta Frangeša Mihanovića 1991. godine ponovno je  uspostavljeno autorsko jedinstvo i integritet ove bitne javne plastike. Ipak, reljefe umjetnika Želimira Janeša i Ivana Sabolića koji su preko četrdeset godina stajali na spomeniku, i tako se utkali u kulturno pamćenje stanovnika i grada, trebalo bi na neki način vratiti javnom prostoru. Oni svakako ne bi smjeli propadati u palači Grlečić-Jelačić gdje se čuvaju danas, a mislim da ni smještaj u Gliptoteku HAZU koji je bio dugo najavljivan nije najsretnije rješenje, jer tako više građanima nisu dostupni na način kao što su bili. Puno ih je bolje, nakon restauriranja i uz adekvatne mjere zaštite, izložiti ponovno u sklopu kakvog javnog prostora. Dio toga postava svakako bi trebao biti i opis izvornog smještaja i povijesti samih reljefnih ploča, a njima bi uz te uvjete umjetnički opremljen mogao biti koji od javnih prostora u neposrednoj blizini. Prijedlog da budu smješteni u pothodniku prilaza peronima Glavnoga kolodvora opet me podsjeća na srednjoeuropske metropole, gdje su podzemni prilazi stanicama metroa nerijetko obogaćeni likovnim djelima, vrhunskim dizajnom, pa čak i arheološkim predmetima i nalazima te drugim sličnim sadržajem, i gdje takvi javni prolazi nisu samo bezlična infrastruktura već točke trenutnog konzumiranja kulture.

Petar Puhmajer: Zgrada Glavnog kolodvora je nakon desetljeća zapuštenosti, teško oštećena u potresu i zahtijevat će kompletnu obnovu. No, ona mora biti rađena u sklopu temeljite infrastrukturne obnove cijelog kolodvorskog kompleksa, uključujući i pješačkih pothodnika. Ako se ne varam, postojeći nema čak ni dizalo pa ne odgovara ni minimalnim tehničkim standardima za javnu zgradu. Te reljefe bih radije vidio u reprezentativnom prostoru negdje unutar obnovljene zgrade kolodvora.

 

*Pješački pothodnik za prilaz peronima na Glavnom kolodvoru. Potencijalni zid za jedan od reljefa, dok bi drugi bio na drugom kraju pothodnika tj. nasuprot / foto: Saša Šimpraga (lijevo); Reljef “Hrvatska mornarica” sa spomenika kraju Tomislavu. Dva reljefa sa spomenika uskladišteni su u dvorištu palače Grlečić-Jelačić i bez namjene / foto: Wikipedia (desno)

 

 

 

Razgovarao: Saša Šimpraga / sve tekstove ovog autora za Vizkulturu pročitajte na linku

 

 

Fotografije: Abandoned Croatia, arhivske, Boris Dundović, Goran Kerić /Grupa Krenimo, Saša Šimpraga, Wikipedia/DobarSkroz

 

 

Ostale razgovore Saše Šimprage iz Vizkulturine serije o urbanističkom razvoju Zagreba pročitajte na sljedećim linkovima: Maroje MrduljašZoran HebarAzra Suljić, Borislav DoklestićŽeljka ČorakIvan MlinarIgor EkštajnJesenko HorvatZlatko UzelacMario Jukić, Suzana Dobrić Žaja, Nikša Božić, Marijo Spajić, Janko Večerina, Krešimir Ivaniš, Cvijeta Biščević

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Očuvanje povijesne supstance appeared first on vizkultura.hr.


Danas cijeli svijet može biti publika

$
0
0

Zagrebačka ilustratorica Klara Rusan Klarxy (1993.) javnosti se predstavila prije tri godine stripom Where do people go after they die?, koncipiranim u obliku mape zagrobnog života. Slojevitost naracije, autoričino inzistiranje na najsitnijim detaljima, ne tako različito od flamanskih baroknih slikara ili od slika nizozemskog majstora Hieronymusa Boscha, pa sve to prožeto mrvicama suptilnoga crnoga humora, učinili su taj strip jednim od najuzbudljivijih hrvatskih kulturnih kreacija posljednjih godina.  Talentirana ilustratorica od tada je radila na brojnim projektima. Tako je kreirala vizualni identitet 14. Vox Feminae Festivala, sudjelovala na grupnim izložbama (festival ilustracije 36 mountains, otkupna izložba ERSTE Fragmenti, grupna internacionalna izložba ilustracije Andrew Lanyon and Nature’s Laboratory itd., izložba Nastavit će se… Strip i vizualna kultura u Hrvatskoj) ilustrirala Frakturina izdanja poput Bizarnih pripovijesti nobelovke Olge Tokarczuk, oslikavala zidove soba hotela…

Uspješno vodi vlastitu tvrtku, klijenti joj se neprestano javljaju i traže ilustracije u različite svrhe – od crteža kao dara za vjenčanja, pa do ilustracija koji umjesto obiteljskih portreta stoje na zidovima dnevnih boravaka. Takve ilustracije ne odrađuje “plaćenički hladno”, već razgovorom s klijentom želi saznati njegovu ili njezinu priču, te ju zatim putem slike ispričati na svoj način. Sada se nakon perioda bavljenja komercijalnim projektima ponovno vraća u autorske ilustracije i grafike u kojima će proizvesti nove, već dugo planirane projekte.

S Klarom Rusan razgovarali smo o njenom prvome stripu nastalom prije tri godine, o domaćoj sceni, muralima, pričanju priča, njenim inspiracijama i ambicijama…

 

*Klara Rusan

 

► Kada si predstavila strip Where do people go after they die?, dio medija i publike pitao se zašto netko u ranim dvadesetima piše i crta o smrti. To mi se  pitanje učinilo promašenim. Ne pitaju li se i mladi ljudi o smislu svega i ne proživljavaju li oni stalne egzistencijalne krize?

Klara Rusan: Egzistencijalna kriza pukla je gotovo svaku mladu osobu koju poznajem, a koja je bila pri kraju fakulteta. Postoji cijeli obrazac ponašanja, koji se ponavlja u svakoj generaciji. Riječ  je o životnom razdoblju kada je osoba dovoljno mlada da se ne boji smrti, ali je sve više svjesna svoje ranjivosti, kao i toga da se oko nje događaju strašne stvari. Dok sam radila na stripu, puno vremena provodila sam sama, na jugozapadu Velike Britanije, gdje se sunce rijetko kada ukazalo. Sigurno je i takvo ozračje utjecalo na konačni izgled stripa i atmosferu kakvu sam u njemu stvorila.

 

*”Kamo ljudi idu nakon smrti”

 

► Taj strip je višeslojan, izuzetno kompleksan. Jesi li se vodila kakvim uzorima ili nacrtima starih majstora zanata?

Klara Rusan: Sve je došlo instinktivno. Nije bilo neke svjesne inspiracije umjetničkim djelima drugih, već sam se nadahnula vlastitim iskustvima i borbama koje su se događale duboko unutar mene. Dakle, iz te egzistencijalne krize, koju je vjerojatno ponajviše inicirao strah od odrastanja. Tek nakon što sam završila strip, tražila sam nešto što će potvrditi moj rad pred profesorima, budući da je projekt bio diplomski rad. Poveznicu sam pronašla u djelima Hieronymusa Boscha. Tako sam retroaktivno shvatila da su njegovi radovi uvijek bili negdje u mojoj podsvijesti. Volim, kao što je to i on volio, raditi na najsitnijim detaljima. Prvo sam to radila iz nekog neodređenoga straha, samo da papir ne bi ostao prazan. Kasnije je to postao moj trademark. A i ta popunjenost je dobila svoj smisao. Ranije nisam voljela strukturu, niti sam pomno analizirala djela drugih umjetnika, već su mi ideje i način rada uvijek dolazile organski. Sada shvaćam kako takav način rada ima i svoju lošu stranu, pa sve više istražujem radove drugih autora. No, kada govorimo o komercijalnoj prezentaciji, onda sam učinila sve greške koje sam mogla. Ogromna mapa zagrobnog svijeta, čita se s lijeva na desno, pa desno na lijevo. To je jedna gigantska harmonika koja ne može stajati na policama i nije praktična za čitanje, niti za držanje u kući.

 

► U stripu je jasno prisutan i snažan narativni element. Jesi li puno čitala ili proučavala strukture pričanja priča?

Klara Rusan: Kao djevojčici užasno mi je zabavno bilo izmišljati priče. Bila sam u dramskoj grupi, s prijateljima smišljala skečeve… Stripove nisam nikad čitala. Premda su oni kompleksna forma koju treba poštovati, nekako mi je ovoga puta uspjelo da u hodu izmišljam pravila. Nije to klasičan grafički roman. Više je to kao kad naivac slika.

 

*”Vampirski bal”

 

► Izjavila si jednom prilikom da si se autocenzurirala kako se ne bi bavila religijama, niti provocirala nekoga svojim viđenjem zagrobnoga života. No, nisam dobio dojam da si u stripu išta kalkulirala. Možeš li to malo pojasniti?

Klara Rusan: Strip se prvo trebao zvati nešto u stilu kuda ateisti idu nakon smrti, no profesori su me upozoravali da bi se tako zapetljala u metafizičke zavrzlame. Nisam netko tko će provocirati ili propovijedati. Meni jednostavno tako nešto ne leži, niti bi se osjećala iskreno da to počnem raditi. Moguće je da negdje u mojim ilustracijama i suptilno iskoči nešto što se može okarakterizirati kao politički provokativno.

 

*”Evolution of Pollution”

 

► Strip se trebao s vremenom pretvoriti u animirani film. Ima li još izgleda da se to dogodi?

Klara Rusan: U početku je strip bio zamišljen kao projekt koji će se pretvoriti u animaciju. Pronašla sam i ljude s kojima bih ušla u ostvarenje te ideje. No u jednom trenutku sve je stalo. Animacija je neopisivo kompleksna stvar. To je zasad iza mene. Istražujem nove stvari i planiram nove projekte. Iskreno, radije bih da iz tog stripa netko jednom napravi igrani film. Kada pričamo o stripu, ne smijemo zaboraviti spomenuti fenomenalnu tipografiju koju je ručno oslikala Matea Jurčević (Killa slova).

 

Kakav status imaju ilustratori u umjetničkom svijetu? Cijene li vas dovoljno?

Klara Rusan: Završila sam likovnu akademiju, ali mnogi će reći da ja nisam umjetnica, već primijenjena ilustratorica. No, ilustratori danas imaju dobar status jer uvijek negdje plešu na granici  između “umjetničkog” i “primijenjenog”. Oni zapravo miješaju ta dva pristupa.

 

*”Sjemenke i hrana”

 

► Kakva je danas ilustratorska scena u Hrvatskoj?

Klara Rusan: Mislim da je hrvatska scena danas uistinu odlična. Ima jako puno dobrih ilustratorica i ilustratora, različitih stilova i interesa. Naša scena baš cvjeta. Možda se netko sa mnom ne bi složio, ali meni je super raditi u Hrvatskoj. Ne vjerujem da ovdje netko nekoga gura ili neopravdano favorizira. Svi moje kolege ilustratori imaju posla i dobro su za njega plaćeni. Primjerice, u Velikoj Britaniji veće je tržište, više je ljudi, no to znači da se i teže istaknuti. Isto tako, s pojavom interneta i razvojem društvenih mreža više ne trebaš nigdje biti fizički prisutan da bi prezentirao svoj rad. Tako da cijeli svijet može biti tvoja publika, bez obzira na fizičku lokaciju.

 

*”Family Portrait”

 

► Radiš i sve više murala. Što oni znače za tebe, koliko je ulična umjetnost bitna za identitet grada?

Klara Rusan: Inače obraćam veliku pažnju na detalje, koristim najtanje kistove i rapidografe, a kada radim murale, moram koristiti kist debeo deset centimetra i raditi poteze kistom raspona do dva metra. Zato su mi murali izazov, radom na njima izlazim iz komfor zone. Na murale gledam kao na cjeloživotnu izložbu. Dok god traje zgrada ili grad, traje i mural. Vidjeti svoj murali na trafostanici i sličnim mjestima gdje je velik protok ljudi, satisfakcija je za svakog umjetnika. Čini mi se da se upravo događa sve veće muraliziranje grada. Art park Ribnjak, zidovi kod Dolca, trafostanice… Pa napuštena sveučilišna bolnica koja praktički funkcionira kao muzej ulične umjetnosti.

 

*Hostel Dubiozo

*Ilustracije za knjigu “Gong” Miljenka Jerkovića

 

Na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu završila si preddiplomski studij na Odsjeku za animirani film i nove medije, a u Velikoj Britaniji, na Sveučilištu u Falmouthu, studij ilustracije. Kako bi usporedila studiranje u Hrvatskoj i u Velikoj Britaniji?

Klara Rusan: Prije svega, valja biti pošten, pa reći da se tamo obrazovanje dobro naplaćuje, dok je kod nas, barem u mome slučaju, ono bilo besplatno.

Odsjek za animirani film i nove medije nije zapravo bio za mene. Kasnije sam shvatila da zapravo želim ići u smjeru ilustracije, a ne novih medija ili animiranog filma.

Na sveučilištu u Falmouthu imaju puno više novca, pa samim time imaju više fizičkog materijala za rad. No, mislim da je ključna stvar što se tamo puno više radi sa studentima. Na predavanja dolaze umjetnici, postoji radionica pisanja koju vode uspješni pisci, slušaju se studenti i uvažavaju se njihova mišljenja. Sve je puno fokusiranije, više su otvoreni i na kraju te pripreme za tržište rada. Svejedno, od akademije u Zagrebu izvukla sam najviše što sam mogla, upoznala neke divne profesore koji su mi promijenili pogled na umjetnost.

 

*Poster za Neighbours Burning Neighbours (lijevo); ilustracija za projekt “Bratoljub” (desno)

 

► Pripremaš novi strip? O kojim projektima sada razmišljaš?

Klara Rusan: Uvijek razmišljam o novim ilustracijama i novim pričama. Kada završim rad, on počne živjeti neki svoj život, neovisan o meni.

Kao i kod većine ljudi, kod mene ideje uvijek nekako dođu spontano. Novi projekt još uvijek razvijam u glavi. Radni naziv je ADHD Comics, a zamišljam ga kao strip koji se sastoji od niza kratkih priča. Ideje će se tu preslikavati jedne u druge, moći će se gledati zasebno kao ilustracije ili čitati kao dio šire priče. Naprimjer, žena prolazi pokraj televizora na kojem vidimo kako se odvija neka scena u koju ulazimo. Zatim tu priča ide dalje. No, kada uistinu krenem crtati, moguće i da sve ispadne potpuno drugačije.

 

► Jesi li otvorena za suradnju sa scenaristom na nekom sljedećem projektu? Ili i dalje želiš sama podnijeti sav teret?

Klara Rusan: Nisam baš raspoložena za suradnju na vlastitom autorskom projektu. Osjećam kako on mora biti u potpunosti moja kreacija. Zato toliko i patim dok radim veće, kompleksnije radove. Nemam problema raditi na tuđem projektu i raditi s drugim ljudima na projektima u kojima ne prevladava moja vizija, ali kad je u pitanju moj projekt, onda sam tvrdoglava i nabrijana da bude sve kako sam zamislila. Volim da stvari budu epske, volim velike, ambiciozne projekte. Želim da mi je život kao film. Zabavan, romantičan, pun rizika… Pa onda da i cijeli proces stvaranja stripa bude takav. Okružena kemikalijama, udaljena od svijeta, dok su mi ruke pune rana od rezanja materijala, kao u Neutrogeninoj reklami.

 

*Klara Rusan / foto: Mislav Mironović 

 

 

 

Razgovarao: Luka Fišić

 

 

 

Zahvaljujemo Klari Rusan na ustupljenim vizualnim materijalima.

Klarin strip Where do people go after they die? možete pogledati ovdje.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Danas cijeli svijet može biti publika appeared first on vizkultura.hr.

Arhitektonski optimizam Bangladeša

$
0
0

Adnan Zillur Morshed arhitekt je i povjesničar arhitekture posvećen povijesti i teoriji moderne arhitekture i urbanizma, svjetskoj povijesti, urbanom siromaštvu i njegovoj prostornoj distribuciji, historiografiji odnosa vode i arhitekture te ekološkom urbanizmu zemalja u razvoju. Diplomirao je i doktorirao arhitekturu na MIT-u, preddoktorski studij završio na Centru za napredne studije u vizualnim umjetnostima (Center for Advanced Study in the Visual Arts – CASVA) pri Nacionalnoj umjetničkoj galeriji, a postdoktorski uz stipendiju Verville pri National Air and Space Museum u Washingtonu, DC.

Morshed je autor nekoliko knjiga među kojima su Impossible Heights: Skyscrapers, Flight, and the Master Builder, u kojoj istražuje američku fascinaciju neboderima i avionima u kontekstu općeprihvaćenog kulturnog fenomena – estetike uspinjanja – koja karakterizira međuratni period. Jedna od njegovih knjiga je i DAC, Dhaka through Twenty-Five Buildings /Dhaka u 25 zgrada. Profesor je na Školi za arhitekturu i urbanizam pri Catholic University of America u Washingtonu, DC.

Adnan Morshed uključen je i u lokalne i međunarodne inicijative za očuvanje modernističkog arhitektonskog nasljeđa Bangladeša. Razgovaramo s njim povodom aktualnog međunarodnog apela da se spriječi rušenje Željezničkog kolodvora Kamalapur u Dhaki. Intervju je dio serije u suradnji projekta Motel Trogir i portala Vizkultura.

 

*Adnan Morshed

 

► Dragulju modernističkog pokreta u Južnoj Aziji, Željeznički kolodvor Kamalapur u Dhaki koju su projektirali Daniel Dunham i Robert Boughey u šezdesetima 20. stoljeća, planiranim širenjem linije gradske podzemne željeznice prijeti rušenje i zamjena novom infrastrukturom umjesto adaptacije. Zbog čega je značajna ta građevina i koji je njezin trenutni status?

Adnan Morshed: Željeznički kolodvor Kamalapur spada u rijetke moderne željezničke stanice u Južnoj Aziji. Preuzela je estetski vokabular tropskog modernizma javne arhitekture na način koji nikad prije nije viđen u regiji. Modernistička arhitektura kolodvora raskida veze s kolonijalnim prethodnicama, i onima imperijalističkog središta i onima na potkontinentu. U londonskom kolodvoru St. Pancras (1863. – 76.) opredmećene su moderne vrijednosti mobilnosti i razmjene, dok su terminal Chhatrapati Shivaji (ranije terminal Victoria, izgrađen 1888. godina i sada na listi Svjetske baštine UNESCO-a) u Mumbaiju i kolodvor Howrah (1906.) u Kalkuti funkcionirali kao simboli imperijalne hegemonije.

U Južnoj su Aziji povijesti kolonijalizma i željezničke infrastrukture duboko isprepletene. Godine 1862. prvu je prugu otvorila Eastern Bengal Railway Company u regiji čije ime nosi. Povezujući Kalkutu i grad Kushtia u zapadnom Bangladešu, to je proširenje željezničkih veza označavalo novu fazu rasta istočnobengalske kolonijalne ekonomije. Zahtjevno prevladavanje terena delte odgodilo je dolazak željeznice u Dhaku do idućeg stoljeća, kada se grad ekonomski razvio i godine 1947. postao sjedište tadašnje pokrajine Istočni Pakistan. Vlada je 1958. godine odobrila izgradnju novog željezničkog spremišta koje je desetljeće kasnije postalo Željeznički kolodvor Kamalapur. Osim što je bio jedan od najvećih modernih željezničkih kolodvora u Južnoj Aziji, otjelovio je i promjenjive koncepte moderniteta, inkorporirajući mobilnost željezničkog prometa 19. stoljeća i visoki modernitet definiran u šezdesetima 20. stoljeća.

 

*Željeznički kolodvor Kamalapur u Dhaki

*Željeznički kolodvor Kamalapur u Dhaki / foto: Docomomo

 

► Rušenje prijeti i zgradi Teacher-Student Center (TSC) Sveučilišta u Dhaki grčkog arhitekta Constantinosa Doxiadisa (inače i glavnog urbanista Islamabada) iz ranih šezdesetih. Ta je struktura sjajan primjer promišljenog prostornog odgovora modernističke arhitekture na uvjete tropske klime. Oblikovan kao kupola s praznim prostorima uokolo, TSC je postao ikonički orijentir ne samo unutar kampusa Sveučilišta u Dhaki, već i šireg urbanog krajolika. Jeste li optimistični u vezi s njegovom budućnošću i koji je status modernističkog nasljeđa Bangladeša općenito?

Adnan Morshed: Zabrinut sam za arhitekturu 20. stoljeća u Bangladešu zbog načina na koji se pojam razvojapretpostavlja okolišu, povijesti, a općenito i kvaliteti života. Mnoge će zgrade uskoro završiti pod bagerima. Među njima je i TSC. Smješten u povijesnom središtu Sveučilišta u Dhaki, TSC je primjer tropskog modernizma gdje se stapaju lokalne graditeljske tradicije oblikovanja prostora – naročito kontinuitet otvorenog-zatvorenog i stvaranje prostora oko dvorišta – s apstraktnim idiomom Internacionalnog stila. Kompleks je projektirao grčki arhitekt, planer i teoretičar Constantinos Apostolos Doxiadis (1913. – 1975.) u ranim šezdesetima. Bilo je to turbulentno vrijeme obilježeno konfliktnim strujanjima političke napetosti i arhitektonskog optimizma u području tadašnjeg Istočnog Pakistana, danas Bangladeša. S jedne strane, dva krila postkolonijalnog Pakistana bila su u sukobu zbog političke dominacije vojne hunte s uporištem u Zapadnom Pakistanu nad Istočnim Pakistanom. S druge strane, pojavile su se mnoge prilike za arhitekturu u Istočnom Pakistanu uz tehničku podršku Amerikanaca. Sjedinjene Države sklopile su u Južnoj Aziji savez s Pakistanom u nastojanju da u kontekstu hladnoratovske vanjske politike stvore geostratešku tampon-zonu prema socijalističkom bloku Sovjetskog saveza i Indije. U djelokrugu programa tehničke pomoći, Agencija Sjedinjenih Država za međunarodni razvoj i Fondacija Ford podržavale su obrazovne i civilne institucije za graditeljstvo u Istočnom Pakistanu. S obzirom na manjak iskusnih arhitekata u Istočnom Pakistanu u šezdesetima, vlada je prepustila projektiranje mnogim američkim i europskim arhitektima. Doxiadis je bio jedan od njih.

TSC je ujedno i demonstracija Doxiadisove ideje ekistike, što je za njega značio objektivan, sveobuhvatan i integrativan pristup svim principima i teorijama ljudskih naselja. Kritizirajući planerski model odozgo-prema-dolje koji je po njegovu mišljenju bio središnji problem modernizma, Doxiadis je ideju ekistike uveo da bi promovirao multidisciplinaran, inkluzivan pristup odozdo-prema-gore. Nadao se tom metodom stvoriti sinergiju lokalnih i globalnih utjecaja, čime bi se moglo uspješno stopiti planerske teorije temeljene na podacima, univerzalne vrijednosti harmoničnog života i kulturalne morfologije specifične za određeno mjesto.

U tom nastojanju, Doxaidis je postavio sklop zgrada TSC-a na os istok-zapad kako bi iskoristio pogodnosti uobičajenih strujanja vjetra s juga i sjevera. Trokatna Student Union Building ima “dvostruki krov” čime se umanjuje zagrijavanje jer zrak struji između dvije strehe. Ta se genijalna značajka postavila kao trend, a samo je jedna među brojnim inovacijama kompleksa. U periodu nakon stjecanja nezavisnosti, TSC je postao epicentar političkih agitacija u Bangladešu, služeći i kao kulisa demonstracijama.

 

*TSC / foto: Fasiha Binte Zaman (Wikipedia)

 

► Pionir modernističke bangladeške arhitekture, Mazharul Islam, započeo je karijeru u pedesetima. Rođen 1923. godine, arhitekturu je studirao u Sjedinjenim Državama, a zatim se vratio u Bangladeš. Zajedno s učiteljem Louisom Kahnom, u Bangladeš je doveo i Paula Rudolpha i Stanleya Tigermana, a njih su trojica postala poznata kao Američki trio. Osim Tria, od pedesetih nadalje stilom bangladeške arhitekture dominirao je Islam. Koje je njegovo nasljeđe u arhitekturi Dhake?

Adnan Morshed: Ne samo da je Mazharul Islam bio pionir bangladeške modernističke arhitekture, bio je i aktivistički projektant koji je na arhitekturu gledao kao učinkoviti medij društvene promjene. Njegovi rani radovi pokazuju koliko je arhitektura duboko utkana u politike nakon odcjepljenja.

Razmotrimo njegovo “remek-djelo”, Akademiju likovnih umjetnosti (1953. – 56.) u četvrti Shahbagh u Dhaki. Na prvi pogled, prikazuje nam se slika zgrade internacionalnog stila koja nenametljivo prati arhitektonske uvjete tropskog Bengala. Međutim, detaljnije proučavanje sprječava nas u eurocentričnom porivu da „modernost“ određene građevine mjerimo isključivo kroz „Zapadnu“ prizmu. Mnogobrojne sofisticirane arhitektonske modulacije i prilagodbe okolišu otkrivaju kako rad Mazharula Islama međusobno križa humanizirajući, modernistički arhitektonski jezik sa sviješću o klimatskim potrebama i lokalnim građevinskim materijalima.

U literaturi o modernoj arhitekturi Južne Azije, Akademija likovnih umjetnosti obično se smatra pretečom bengalskog modernizma, sintetizirajući moderni arhitektonski rječnik i projektantske programe odgovarajuće klimi i terenu. Ono neistraženo u toj ikoničkoj zgradi način je koji Islamov rad pruža i uvid u pristupe koji su njegove arhitektonske eksperimente s modernističkom estetikom činili dijelom njegovih studija promjenjivih politika bengalskog nacionalističkog aktivizma.

Muzharul Islam interpretirao je dominantne političke uvjete u domovini kao sudbinski konflikt između sekularnog humanističkog etosa Bengala i stranog islamističkog identiteta koji je i kroz korištenje urdua nametala vladajuća klasa Zapadnog Pakistana. Turbulentna politika u kojoj se zatekao utjecala je i na njegov pogled na svijet, kao i na njegovu početničku profesionalnu karijeru. Mladi je arhitekt svoj projektantski posao započeo u kontekstu gorko podijeljenih pojmova nacionalnog podrijetla i sudbine, a njegov će rad odražavati tu političku raspravu. Osjećao je potrebu artikulirati identitet domovine na etno-kulturalnim osnovama, a ne na nadreligijskim koje su nametali zapadnopakistanski moćnici. Mazharul Islamova Akademija likovnih umjetnosti utjelovljuje ta promišljanja.

Svojom ikonoklastičnom građevinom, Islam je nastojao postići dva određena cilja. Prvo, njome je uveo estetske izraze modernističke arhitekture u Istočni Pakistan. Za mnoge, njegov je projekt označio radikalan raskid s prevladavajućim arhitektonskim jezikom javnih zgrada u zemlji. Te su zgrade bile projektirane ili kao arhitektonski hibrid mogulskih i britanskih kolonijalnih tradicija, popularno zvan indo-saracenski, ili kao utilitarne hodnik-i-soba građevne jedinice kakve je projektirao Ured za komunikacije, zgrade i navodnjavanje pokrajinske vlade. Akademija likovnih umjetnosti bila je nedvojbeni odmak od kolonijalističkog Curzon Halla (1904. – 1908.) Sveučilišta u Dhaki, na pješačkoj udaljenosti od Islamove zgrade, i Holy Family Hospital (1953; danas Holy Family Red Crescent Medical College Hospital).

Drugo, modernistički minimalizam Akademije likovnih umjetnosti – odbacujući sve ornamentalne reference na mogulsku i indo-saracensku arhitekturu – bio je svjesna kritika politizirane verzije islama koja je postala državni alat za stvaranje specifične, na religiji utemeljene slike postkolonijalnog Pakistana. Čisteći svoj projekt kroz modernistički vizualni izraz, Mazharul Islam nastojao je očistiti arhitekturu od onoga što je smatrao političkom vezom s instrumentaliziranom religijom.

 

*Akademija likovnih umjetnosti u Dhaki / foto: Wikipedia

 

► Međunarodno je vjerojatno najpoznatija modernistička struktura u Bangladešu kompleks Nacionalnog parlamenta koji su projektirali Louis Kahn i suradnici. Izgradnja je počela 1964. godine, u dekadi koju danas znamo kao “razvojnu dekadu Bangladeša”, i u vrijeme kada je Dhaka bila drugi glavni grad Pakistana. Govoreći općenito o arhitekturi, Mazharul Islam utvrdio je da su “praktični aspekti arhitekture mjerljivi – poput praktičnih zahtjeva, klimatskih uvjeta, prednosti i ograničenja terena itd. – ali da humanistički aspekti nisu mjerljivi”. Ti aspekti čitaju se kada arhitekt napusti zgradu i ona počne svoj život. Kako je ovaj proslavljeni kompleks postao dio nacionalnog identiteta i kako je njegova arhitektura utjecala na kulturu u širem smislu?

Adnan Morshed: Zgrada parlamenta u Dhaki američkog arhitekta Louisa Isadorea Khana smatra se jednom od arhitektonskih ikona dvadesetog stoljeća. Zanimljivo, Khan nije bio prvi izbor za taj projekt. Nakon što su dva velikana, Le Corbusier i Alvar Aalto, odbili poziv pakistanske vlade, megaprojekt je dopao filadelfijskom arhitektu. Nakon višestrukih iteracija projekta i brojnih birokratskih zavrzlama, građenje je započelo u listopadu 1964. godine u četvrti Sher-e-Bangla Nagar.

Khan je prvi put posjetio Dhaku u ožujku 1963. godine, nakon što je dobio narudžbu da projektira kompleks parlamenta za Istočni Pakistan. Pet godina ranije, zapovjednik pakistanske vojske Mohammad Ayub Khan preuzeo je kontrolu nad vladom vojnim udarom i u listopadu 1958. godine nametnuo vojnu diktaturu. Godine 1960. “izabran” je za predsjednika na pet godina. Novi pakistanski Ustav iz 1962. godine određivao je da “demokratski” izbori budu održani 1965. Šezdesete su bile buran politički period u Istočnom Pakistanu. Bengalci su se osjećali iskorišteno i ignorirano od vojnog režima Zapadnog Pakistana i, posljedično, sanjali o neovisnosti od političke geografije na koju su bili osuđeni, s nacijom podijeljenom u dvije jedinice razdvojene 1 000 milja.

 

*Parlament Bangladeša u Dhaki / foto: Yes, Louis Kahn

 

Adnan Morshed: Svjesne političke i ekonomske nejednakosti dvije polovice Pakistana i zabrinuta za vlastiti reizbor, Ayub Khanova administracija dosjetila se političke strategije kojom bi ublažila nezadovoljstvo Bengalaca.

Ideja “drugog glavnog grada” za Istočni Pakistan rođena je u tom kontekstu. Taj primjerni glavni grad trebao je, tako su se nadali, “povezati Istočni Pakistan čvršće s nacijom provodeći nacionalne politike polovicu svake godine”. Politička drama koja je uslijedila objašnjava kako je zgrada parlamenta, začeta kao „mito“ za Bengalce, postepeno preuzela potpuno novi identitet kao simbol narodne borbe za samoodređenje. S rudimentarnim konstruktivnim alatima i skelama od bambusa povezanim grubim jutenim konopima, otprilike 2 000 građevinskih radnika odjevenih u tradicionalnu odjeću podiglo je monumentalnu vladinu zgradu. Polako, ali čvrsto, oni su nenamjerno utjelovili širi otpor nacije koja se bunila protiv ekonomske i društvene nepravde. Ako je Shahid Minar simbolizirao jezični pokret tijekom pedesetih, tijekom šezdesetih je zgrada parlamenta portretirala uzdizanje bengalske želje za nezavisnošću.

Khan je inspiraciju tražio u bengalskoj delti, njezinim rijekama, pastorali, prostranim krajolicima, imanjima na povišenim terenima i geografiji vode i zemlje. Netom nakon što je prvi put došao u Dhaku, otišao je na izlet brodom na rijeku Buriganga i skicirao prizore da bi razumio život u toj tropskoj zemlji. Nije imao nikakvih problema s uklapanjem bengalskih vernakularnih impresija s onima klasične grčko-rimske i egipatske arhitekture koje je studirao tijekom pedesetih. Kada je 1971. godine izbio rat, Khanov terenski ured u Istočnom Pakistanu brzo se zatvorio i građevinski su radovi prekinuti. Tijekom rata za oslobođenje, uporno se ponavljala anegdota da pakistanski piloti nisu bombardirali građevinu smatrajući je ruševinom! Ta “ruševina” konačno je postala nacionalni amblem, reseći novčanice, poštanske marke, rikše, reklame, službene brošure itd. Kada je bila gotovo potpuno dovršena 1983. godine – više od desetljeća nakon što je Istočni Pakistan – kasnije Bangladeš, postao nova nacionalna država i 9 godina nakon što je Khan neočekivano preminuo u New Yorku – kompleks parlamenta simbolizirao je političku odiseju naroda ka državi.

 

*Parlament Bangladeša u Dhaki / foto: Yes, Louis Kahn

 

► Suvremena transformacija Dhake vrlo je dramatična. Koja biste značajna arhitektonska postignuća u današnjima Dhaki i Bangladešu istaknuli?

Adnan Morshed: Arhitektonska scena u Bangladešu već otprilike dva desetljeća cvate s „novom“ energijom. Bangladeški arhitekti eksperimentirali su s formom, materijalima, estetikama i, najvažnije, idejom odnosa arhitekture spram povijesti, društva i zemljišta. Njihovi su raznoliki eksperimenti u fokus doveli kolektivni osjećaj da se nešto događa u ovoj napučenoj južnoazijskoj zemlji. Teško je biti siguran gdje je izvor toj nemirnoj energiji! Je li to rastuća ekonomija?  Uzdizanje nove srednje klase s dubljim džepovima? Je li to estetski izraz društva u tranziciji? Je li susret estetike s politikom razvoja?

Što god da jest, angažirani promatrač mogao bi to nazvati nezaključenom potragom za nekom vrstom „lokalne“ modernosti. Bangladeški arhitekti slavljeni su diljem svijeta za plejadu arhitektonskih projekata. Razvikani nacionalni arhitektonski natječaji stvorili su novu vrstu projektantskog poduzetništva, potičući intrigantna zdanja. Arhitekti su proširili i razumijevanje arhitektonske prakse uključujući se u projekte u siromašnim zajednicama i stvarajući ekonomična skloništa za obespravljene. Tradicionalno obrazovani da projektiraju samostojeće građevine, arhitekti se sve više bave izazovima planiranja gradova s visokom kvalitetom života.

Ako govorimo o arhitekturi, u Bangladešu je neupitno uzbudljivo, iako su ulice u velikim gradovima paralizirane prometnim gužvama i prevladavajućom atmosferom urbanog kaosa. Usred paklene urbanizacije diljem zemlje, ukorijenila se arhitektonska kultura sa svim svojim obećanjima i opasnostima, provocirajući žučne debate o svojem podrijetlu, prirodi i budućnosti.

Arhitektonski, osamdesete su bile zanimljivo vrijeme kada su se različite ideje počele širiti arhitektonskim promišljanjima. Treba spomenuti tri narativa. “Avangardna” arhitektonska grupa nazvana Chetona (što znači svjesnost) nastojala je uvesti kritičko razmišljanje kao ključni dio arhitektonske prakse. Mnogi arhitekti, stari i mladi – razočarani naglašenom ulogom arhitekture kao prvenstveno profesionalne prakse bez šire društvene vizije i povezanosti s poviješću i kulturom – naginjali su Chetoni, nalazeći se u u arhitektonskom birou Mazharula Islama, Bastukalabidu, u Pribaghu. Ikonoklazam studijske grupe vrtio se oko čitanja kritičke literature o arhitekturi, kritiziranja aktualnih pedagoških metoda u arhitektonskom obrazovanju i propitivanja arhitekture kao tehničke discipline. Njihov popis literature protezao se od Rabindrantha Tagorea (koji 1926. godine boravi i u Zagrebu, o.p. S.Š.) preko francusko-švicarskog arhitekta Le Corbusiera do norveškog teoretičara arhitekture Norberga-Schulza.

Utjecaj nagrade Aga Khan Award for Architecture (AKAA) koju je ustanovio Aga Khan IV. godine 1977, također se snažno osjećao tijekom osamdesetih. Nagrađivali su se regionalno određeni, lokalno utemeljeni i kulturno osjetljivi arhitektonski poticaji u islamskim društvima. Među nagradama su bile one za suvremene projekte, društveno stanovanje, razvoj zajednica, restauraciju, reprogramiranje postojećih struktura i krajobraznu arhitekturu. Arhitekte se poticalo da traže „duh mjesta“. Regionalizam je bio u modi.

Vodeći časopis kojim se promovirala nagrada AKAA, Mimar: Architecture in Development, počeo se objavljivati 1981. godine i potaknuo je na mnoge bangladeške arhitekte i studente arhitekture da počnu razmišljati izvan zapadnjačkog modernizma i estetskih konvencija koje je navodno stvorio. U svom začetku, Mimar (riječ znači arhitekt, o.p.S.Š.) je bio jedini međunarodni časopis posvećen arhitekturi zemalja u razvoju. U nizu aspekata, slavljenje “lokalnog” u magazinu proširilo se s arhitektonske prakse i potaklo nove težnje među arhitektima koji su željeli istraživati organske korijene arhitekture.

 

*Džamija Bait Ur Rouf u Dhaki arhitektice Marine Tabassum, dobitnice Nagrade Aga Khan 2016.

 

Ta nova stremljenja u arhitekturi koincidirala su s rapidnom urbanizacijom Bangladeša i osnaživanjem urbane srednje klase koja je iznjedrila bogatu kulturu pokroviteljstva nad arhitektima. Povijesno poljoprivredna zemlja, Bangladeš se počeo ubrzano urbanizirati u kasnim osamdesetima. Nacionalnih skromnih 7,7 % populacije u urbanim područjima u sedamdesetima naraslo je do 31,1 % do 2010. godine. Osiromašeni ruralni migranti počeli su dolaziti u velike gradove, naročito Dhaku, tražeći posao i bolji život. Njezin broj stanovnika naglo je skočio s 1,8 milijuna stanovnika u 1974. na više od 6 milijuna 1991. godine do gotovo 18 milijuna danas. Ogroman rast broja stanovnika glavnog grada stvorio je neodrživ pritisak na urbano područje čime se podigla vrijednost zemljišta.

Tijekom prijelaznog perioda, investitori su postali moćni ekonomski akteri u Dhaki i šire, stječući vodeću ulogu u zamjeni tradicionalnih jednoobiteljskih kuća višekatnim stambenim kompleksima. U međuvremenu, ulaganje u stanovanje javnog sektora nije moglo zadovoljiti potrebe i u tom su vakuumu cvale privatne nekretninske kompanije. Kako su privatni investitori postali ključni akteri na tržištu stambenih nekretnina, pojavila se potreba za regulacijom nekretninskog sektora od strane trgovačkih društava, a pokušala se osigurati i fer tržišna utakmica među sudionicima. Rast privatnih investicija u stratosferu ukazivao je da postoji golemo tržište za izgradnju velike gustoće i višeobiteljsko stanovanje, iako je cjenovna pristupačnost ostala glavni problem. Mnogi su arhitekti eksperimentirali s materijalima, oblicima, prostornom organizacijom, konstrukcijama, estetskim izrazima i odnosima pojedinačne građevne parcele sa susjedstvom.

Pojavila se buržoaska klasa urbanih poduzetnika – koji su se obogatili na izvozno orijentiranoj industriji tekstila, proizvodnji i transportu, građevnoj industriji i trgovini – kao nova generacija pokrovitelja arhitekture, izdašno investirajući u svoje reprezentativne obiteljske kuće i druge projekte, uključujući stambene komplekse, bolnice, trgovačke centre, privatne škole i sveučilišta, tvornice, svetišta itd.

Arhitekti su sretno prihvatili značajan porast narudžbi od sredine devedesetih. Korištenje usluga arhitekata bilo je do ranih devedesetih ograničeno na nekoliko arhitektonskih biroa. Ubrzo su nove, manje tvrtke, vođene od mlađih arhitekata, počele preoblikovati tradicionalnu praksu arhitektonskog projektiranja u zemlji.

Liberalizacija tržišta, pojava snažnog privatnog sektora, ubrzana urbanizacija, rezultirale su potrebom za širokim spektrom arhitektonskih tipologija i s njima povezanih projektantskih usluga. U javnom sektoru, vladine organizacije počele su procjenjivati društvenu i komercijalnu vrijednost estetskog izraza te upošljavale arhitektonske biroe da se natječu na tržištu nekretnina. Sve su te promjene pružile arhitektima vitalnu i dinamičnu priliku za arhitektonske eksperimente. Posljednje dvije dekade, u Bangladešu svjedočimo uzbudljivoj bitci arhitektonskih ideja. Raniji stavovi prema ortodoksnom modernizmu ili regionalizmu u arhitekturi proširili su se u raznovrsnije krajolike estetske apstrakcije.

 

*Naslovnica knjige

 

► Većim dijelom suvremene povijesti, gradovi su rasli iz bogatstva. Čak i u relativno nedavno razvijenim zemljama, poput Kine ili Koreje, slijevanje stanovništva u gradove uglavnom prati rast prihoda. No, zadnje su dekade donijele globalni trend “urbanizacije siromašnih zemalja”, riječima ekonomista Edwarda Glaesera s Harvardskog sveučilišta: “s naglim rastom megagradova s niskim prihodima”. Dhaka je primjer takvog grada koji se asinkrono razvija i koji je silno narastao. Može li planiranje urbanog razvoja uopće dotaći probleme u takvim okolnostima?

Adnan Morshed: Dok je arhitektura rasla i prosperirala kao praksa projektiranja individualnih parcela i samostojećih zgrada, gradovi u cjelini – Dhaka kao upadljiv primjer – tonuli su u nepodnošljiv kaos. U ekstremnim slučajevima, najreprezentativnije građevine rasle su uz prenatrpana smetlišta. Privatne oaze i raskošne kavane gledale su na getoizirani svijet slamova. Dok su arhitekti tražili bengalske korijene i globalnu slavu svojim radovima, uglavnom su promašivali promovirati „etičke“ poglede na to kako bi grad trebao funkcionirati i ponašati se prema svim svojim građanima.

I dok je globalizacija nastavila sa svojom bespoštednom konzumerističkom i neoliberalnom agendom, od čega je profitirala arhitektonska produkcija, društvena nejednakost nemjerljivo je porasla. Arhitekti kao da su bili zbunjeni oko načina na koji bi arhitektura mogla ili trebala imati regulirajuću ulogu po pitanju socijalne pravde. Slamovi bi gorjeli i arhitekti bi žurili na poprišta s naivnim, površnim estetskim rješenjima bez pokušaja da razumiju iskorištavajuće ekonomske i političke sustave koji su uzrokovali društveni problem. Osjećaj da je „arhitektura sjajna, ali grad truli“ nekada je porazan.

Hodajući nekim dhakinim ulicama s ekskluzivnim fasadama, promatrač bi se mogao zapitati kako arhitektura može prikazati uznositu figuru zemlje u razvoju, istovremeno promašujući ulogu da je izgradi društveno pravednom.

 

_

 

Autor zahvaljuje Diani Magdić za prijevod intervjua s engleskog.

Originalnu verziju na engleskom jeziku potražite ovdje.

 

_

 

 

Razgovarao: Saša Šimpraga / sve tekstove ovog autora za Vizkulturu pročitajte na linku

 

Fotografije: arhivske, Docomomo, Yes, Louis Kahn, Wikipedia

 

Intervju je nastao u sklopu aktivnosti projekta Motel Trogir i Mediteranske mreže modernizma moteltrogir.tumblr.com

 

Motel Trogir je projekt Udruge za suvremene umjetničke prakse – Slobodne veze iz Zagreba.

 

Ostale intervjue nastale u sklopu suradnje projekta Motel Trogir i Vizkulture pročitajte ovdje:
vizkultura.hr/pravo-na-stan-kao-glavni-izazov/
vizkultura.hr/moderna-arhitektura-maroka/
vizkultura.hr/africki-i-azijski-opusi-hrvatskih-arhitekata/
vizkultura.hr/intervju-ivan-prtenjak/
vizkultura.hr/intervju-emin-turki/
vizkultura.hr/hrvatski-arhitekt-u-juznoafrickoj-republici/
vizkultura.hr/stanje-je-alarmantno/
vizkultura.hr/arhitektura-u-skromnim-uvjetima/
vizkultura.hr/urbanizam-susreta-slobostina/
vizkultura.hr/intervju-borislav-doklestic/
vizkultura.hr/politika-je-omogucila-projekte/
vizkultura.hr/intervju-martina-ivanus/
vizkultura.hr/intervju-kana/
vizkultura.hr/intervju-bozo-benic/
vizkultura.hr/intervju-vlatko-caksiran/
https://vizkultura.hr/grad-nafte/

 

The post Arhitektonski optimizam Bangladeša appeared first on vizkultura.hr.

Mjerenje potencijala

$
0
0

Malešnica je posljednji cjeloviti projekt stambenog kvarta izgrađenog u Zagrebu prije raspada Jugoslavije i primjer je kvalitetnog urbanističkog planiranja tadašnje periferije. Rad na izvedenom planu započeo je 1986., a dovršen 1987. godine da bi većina izgradnje bila dovršena do početka 1990-ih. Plan Stenjevca i Malešnice, uz niz ograničenja koja su pretvorena u nove prostorne kvalitete, označio je i u niz momenata specifične iskorake u dotadašnjoj praksi, ali ujedno i kraj jedne epohe odnosa prema gradogradnji koja je dokinuta promjenom političkog sustava. O nastanku Malešnice i Malešnici danas, drugim novim cjelovitim naseljima nastalim u vremenu Druge republike, ali i drugim zagrebačkim urbanističkim temama govori arhitekt i urbanist Ratko Miličević, s Damirom Rubešom glavni autor plana Malešnice.

Intervju je dio serije u suradnji Vizkulture i projekta Motel Trogir.

 

*Stenjevec-Malešnica, ortofoto, 1998.

 

► U vašem tekstu o Malešnici objavljenom u časopisu „Čovjek i prostor“ u vrijeme izgradnje kvarta, navodite da se takvi zahvati ne bi trebali nazivati – naseljem, već da trebamo i kroz terminologiju, način razmišljanja, prihvatiti da se gradi – grad. Možete li to dodatno elaborirati, odnosno reći koja su bila vaša polazišta u definiranju urbanističkog plana tog prostora?   

Ratko Miličević: Prostor obuhvata novog urbanističkog plana zadan je Provedbenim urbanističkim planom (PUP) iz 1976. godine. Novi PUP izrađuje se deset godina kasnije, 1986. godine.

Na prostoru obuhvata plana bila je u tijeku priprema zemljišta prema Srednjoročnom urbanističkom planu (SPP) iz 1975. – 1980. godine, prije početka izrade izmjena i dopuna PUP-a iz 1976.  Na prostoru postojeće niske stambene izgradnje na Malešnici cijelo vrijeme bila je u tijeku izgradnja obiteljskih kuća. Područje stare jezgre Stenjevca, iako dijelom pod arheološkom zaštitom, najvećim je dijelom planom bilo predviđeno za rušenje. Novim planom trebalo je povećati izgrađenost prostora predviđenog  za novu višestambenu izgradnju, dakle povećati broj stanova u odnosu na stari plan. To je značilo  smanjiti broj zgrada predviđenih za rušenje, i time postići ekonomičan odnos rušenja i nove izgradnje. Kako bi se omogućila etapna izgradnja većih poslovnih i javnih sadržaja urbanističkim rješenjem trebalo je te namjene razdvojiti i svakoj osigurati samostalnost u izgradnji.

Prostornim rješenjem nova izgradnje nadogradila je postojeću izgradnju Malešnice i Španskog, stvarajući oblikovno i funkcionalno prepoznatljive nove javne prostore izraženih oblikovnih karakteristika. Grad se gradi tako da se nova izgradnja „naslanja“ ili integrira na ili u postojeće izgrađeno urbano tkivo, a ne da se „preskaču“ prazni ili izgrađeni prostori grada kao što je bio slučaj kod izgradnje Prečkog, preskakanjem velikog dijela Trešnjevke, onako kako je Novi Zagreb preskočio Trnje, itd.

Na osnovi ovih polazišta i sugestija mjesnih zajednica, ostvarena je racionalizacija izgradnje i prostorno jedinstvenog urbanističkog rješenja.

 

 

Vremenska distanca od objavljivanja teksta koji navodite prevelika je i puno toga se promijenilo, stoga danas odgovoriti znači vratiti se unatrag 40 godina. To je nemoguće, ali izrečeno tada vrijedi i danas – voditi računa o kontekstu, o prostoru u kojem planirate novu izgradnju. Naselja se više ne grade. Sva nova naselja i novi gradovi planirani su na istim planerskim pretpostavkama i slične su urbane morfologije i tipologije, slične ili iste matrice organizacije novih prostora tog vremena. Ovdje govorimo o Zagrebu, ali na istim pretpostavkama su planirana nova naselja Ljubljane, Beograda, Sarajeva, Novog Sada čija organizacijska shema podrazumijeva rješenje pojedinih „naselja“ ili kazeta bez međusobnog prostornog, oblikovnog i funkcionalnog odnosa. Naselja se, u pravilu, programiraju kao samodovoljne cjeline s osnovnim sadržajem neophodnim za svakodnevni život kao što su vrtić, osnovna škola, poneki dućan, metri kvadratni zelenila po stanovniku. Naselja su programirana na 10.000 stanovnika. Između naselja su dilatacije širokih prometnica koje, doslovce, naselja dijele. Stanovnici pojedinih naselja, u pravilu, nemaju razloga otići u susjedno naselje. Danas se taj odnos promijenio izgradnjom trgovačkih centara multifunkcionalnog sadržaja kao što su kino, trgovina, ugostiteljstvo itd. U pravilu, razlozi odlaska u nova naselja su veliki trgovački centri koji rade svaki dan, nedjeljom i praznikom. Druge točke interesa ne postoje. U Zagrebu su unatrag pedeset godina realizirana dva nova značajna javna prostora, Jarun i Bundek. Novi javni objekti nisu primjereno smješteni poštujući „princip Lenucijeve potkove“ i smješteni su na vrlo neuglednim mjestima neuglednog okoliša. To je nedovoljno. I uređenju postojećih javnih prostora pristupa se tek povremeno, npr. za Univerzijadu, ali taj se urbani zahvat odnosi isključivo na centar grada. Pritom je naglasak na postojeći, ali to nije toliko značajno kao što bi bila gradnja novih javnih prostora.

 

► Kako je koncipiran urbanistički plan Malešnice?

Ratko Miličević: Polazne odrednice plana od kojih je povećanje izgradnje bilo najveći upitnik i problem, rezultat su dale tek nakon definiranog urbanističkog rješenja. Na urbanističko rješenje utjecalo je niz činjenica:
Staru jezgru Stenjevca treba nadograditi, a ne rušiti.
Novo naselje Špansko je realnost koju treba respektirati.
Buduća Moskovska ulica, današnja Ivane Brlić Mažuranić, je planska granica naselja, ali i spoj postojećeg i novog.
Niska izgradnja Malešnice je urbanistički definiran prostor koji je uz neke moguće korekcije moguće dograditi.

 

*Provedbeni urbanistički plan Malešnica, Urbanistički zavod grada Zagreba, siječanj 1977.

*Urbanistički projekt Malešnica, Interinžinjering, veljača 1979.

*“Bijela karta”, zadatak za novi provedbeni plan

 

Na početku rada postavili smo i razne odrednice:
Visine zgrada bit će približno iste, kao i u već izgrađenim okolnim naseljima, P+4 do P+5 uz napomenu da su moguća odstupanja.
Sve namjene koje po svoj funkciji zahtijevaju samostalan objekt uvijek će se planirati na zasebnoj parceli.
Važni javni prostori i objekti naselja oblikovat će se onim javnim i stambenim objektima koji će u sagledivo vrijeme, za pet do deset godina, biti realizirani.
Svi javni objekti za koje se u trenutku izrade plana ne zna buduća potreba, a ni namjena, kao ni vrijeme realizacije, mogu se graditi u planiranim parkovima i ostalim javnim površinama za koje je osigurana parcela.
Kod izrade projekata i urbanističkog rješenja osobito treba voditi računa o izgrađenosti i uređenju parka.
U mom rječniku taj način planiranja neizvjesne budućnost urbanistički definiranih prostora, koji neće biti ugrožen novom izgradnjom, zovem „poučak Lenucijeve potkove“ i planiranje regulacijskih osnova.
Arhitektonsko rješenje stambenih zgrada u blokovima zadano je isključivo programskim parametrima.
Oblikovanja dvorišta su posebni projekti.
Poslovni prostor planiran je u prizemljima stambenih objekata pretežno uz važne ulične poteze i uglove objekata.

Koncepcija rješenja tj. izvod iz Provedbenog urbanističkog plana „Stenjevec-Malešnica navodi da polazne odrednice plana određuju generalnu programsku i prostornu koncepciju. Urbanističkim rješenjem treba stvoriti prostorne specifičnosti ovog dijela grada kako u pogledu „općih slika“, tako i u detaljima.

Opću sliku karakteriziraju sljedeći prostori:
– Moskovska ulica/ Ivane Brlić Mažuranić,  s budućim parkom između postojećeg naselja Špansko i Malešnice
– Novi trgovi čine specifične javne prostore
– Mramoračka ulica/ Ante Topića Mimare je linearni prostor koji spaja groblje u Stenjevcu, trgove, postojeću obiteljsku i novu višestambenu izgradnju Malešnice
– Stara jezgra Stenjevca oblikovat će se novom izgradnjom, uređenjem groblja i alejama koje Stenjevec spajaju s novom izgradnjom

Specifičnu sliku prostora karakteriziraju sljedeći detalji:
– Različito oblikovanje dvorišta blokova
– Ulični drvoredi i mali zeleni otoci
– Društveni i trgovački centar
– Prostor postojeće izgradnje Malešnice dopunjen uličnom mrežom
– Poslovni prostor u prizemlju stambenih objekata duž ulice Ivane Brlić Mažuranić

Sve navedene specifičnosti integrirane su u urbanističko rješenje i nastojalo ih se „vezati“ u jednu prostornu sliku kojoj se ništa ne može oduzeti bez ozbiljnog nedostatka po cijelo rješenje.

Na taj način nije stvorena samo slika novog naselja, niti se taj termin upotrebljava, već se govori o dijelu grada dovoljno velikom da posjeduje svoje urbane, oblikovne i druge specifičnosti.

 

► Kako je došlo do vašeg angažmana na urbanističkom planu Malešnice?   

Ratko Miličević: U to vrijeme način i organizacija izgradnje grada bili su značajno drukčiji. Politiku nikad ne treba zanemariti, ali dvije institucije su imale presudnu ulogu u urbanističkom planiranju i izgradnji Zagreba. U planiranju to je bio Urbanistički zavod Grada Zagreba (UZGZ), a u organizaciji izgradnje Zavod za izgradnju Grada Zagreba. Kad su Zavod za izgradnju Grada i Općina Susedgrad donijeli odluku o izmjeni važećeg plana „Stenjevec-Malešnica“, radio sam u Urbanističkom zavodu Grada Zagreba kao koordinator zadužen za prostor Općine Susedgrad. Koordinacija je podrazumijevala stalnu suradnju u rješavanju svih urbanističkih potreba i problema u tom prostoru i ukazivanju na nove probleme. Moje radno mjesto je „po defaultu“ značilo da ću ja voditi izradu plana. Imenovan sam voditeljem tj. nosiocem izrade novog plana. Izgradnja na području Malešnice, a prije toga Španskog, određena je Srednjoročnim prostornim planom (SPP) 1975. – 1980. godine, temeljem sveobuhvatne analize mogućnosti izgradnje na području svih deset gradskih općina. Parametri kojima se ocjenjivala povoljnost i izbor pravca izgradnje i predlaganje prostora na kojem će se graditi bili su troškovi izgradnje prometnica, komunalna infrastruktura, troškovi rušenja postojećih objekata, odnos rušenja i nove izgradnje, broj novih stanova, itd.

 

*Koncepcija/nastajanje rješenja

 

► Tko su bili glavni suradnici na projektu?

Ratko Miličević: Internom odlukom kolegija i stručne komisije UZGZ-a prije početka izrade plana imenuje se nosilac zadatka tj. voditelj plana i stručni tim. Imenovanje tima određuje rukovodstvo Zavoda, a u tom imenovanju sudjeluje već imenovani nosilac zadatka. Na izradi plana radilo je 14 ljudi zaduženih za pojedine dijelove/sektore plana kao što su promet, infrastruktura, vodoprivreda, sociolog, hortikultura, proračun troškova izgradnje, itd.

Autori koncepcije urbanističkog rješenja bili smo arhitekt Damir Rubeša i ja kao voditelj izrade plana. Izradu plana koordinira voditelj izrade plana.

Osim navedenih profila stručnjaka UZGZ-a, u izradi plana sudjelovala su komunalna poduzeća odnosno njihovi projektni biroi, Zavod za zaštitu spomenika, Arheološki muzej u Zagrebu, Zavod za katastar i geodetske poslove Grada Zagreba, „Zagreb projekt“, itd. Plan je izrađen 1987. godine. Naručilac plana bila je Skupština općine Susedgrad – Komitet za građevinarstvo, stambene i komunalne poslove. U izradi, a posebno u provedbi tj. izgradnji posebna podrška i suradnja ostvarena je zahvaljujući općinskoj upravi, a posebno tadašnjem sekretaru Komiteta za građevinarstvo, stambene i komunalne poslove gospodinu Petroviću i predsjedniku Izvršnog vijeća Općine Susedgrad gospodinu Tunukoviću. U realizaciji plana izuzetno dobra suradnja ostvarena je s projektim biroom „Osnova“ i Zavodom za katastar Grada Zagreba na izradi kotnog plana kao osnovnog tehničkog projekta temeljem kojeg je koordinirana cjelokupna izgradnja Malešnice.

 

*Provjera zamišljenih prostora usporednom analizom – analogijama

 

► Malešnica ne nastaje na praznom prostoru, već na prostoru stare jezgre Stenjevca. Kako ste se odnosili prema zatečenom i što smo time dobili? 

Ratko Miličević: Urbanističko rješenje Malešnice ne nastaje na praznom prostoru ako se pod imenom Malešnica misli na prostor nove višestambene izgradnje, izgrađene na površini oko 37 hektara. Plan urbanistički rješava višetruko veće područje i izuzetno je teško govoriti o nekoj zajedničkoj niti koja povezuje taj veliki prostor. Mali dio stare jezgre Stenjevca obuhvaćen je tim planom. Prostor Stenjevca nema nikakav utjecaj na cjelovito urbanističko rješenje Malešnice. Mislim da ne bi imalo smisla govoriti o staroj jezgri Stenjevca kao nekoj urbanoj dragocjenosti jer je taj prostor ispred crkve nastao slučajno, što se vidi iz raspoloživih geodetskih karata. Taj mali prostor, ostatak ceste presječene izgradnjom nove prometnice na sjeveru i željezničke pruge, shvatili smo kao potencijal koji može oblikovati novu urbanu jezgru. Donji dio ceste zove se Stenjevec, gornji dio ceste preko pruge je Gospodska ulica. Novim urbanističkim rješenjem moguće je postići novu kvalitetu urbane jezgre i trg ispred crkve. Urbanistički plan „Stenjevec – Malešnica“ obuhvaća prostor veličine oko 106 hektara. Predodžbe radi, usporedili smo prostor našeg zadatka s poznatim gradskim prostorima. Između ostalog, kao „uzorak“ po površini može se uzeti bilo koji gradski prostor slične površine svima poznat. U ovoj usporedbi površina zahvata plana odgovara prostoru obodno omeđenom Draškovićevom, Vlaškom, Kvaternikovim trgom, Tuškanovom i Branimirovom. Tu metodu usporedbi, heurističku igru, koristio sam još od sredine 1970-ih i zovem je „mjerenjem potencijala“. Imao sam sreću upoznati profesora Bogdana Bogdanovića, više puta slušati njegova predavanja i biti njegov gost u njegovoj školi u Popovićima. Heuristička igra kao pomoć savladavanju prostora velikih dimenzija rodila se na tim predavanjima, razgovorima, na tim susretima. Heuristička je igra po svom značenju mogućnost istraživanja i samostalnog zaključivanja. Mjerenja potencijala mogu svaki put rezultirati različitim gledanjima na iskrsli problem.

Na primjer, u nekoj fazi rješenja postaviš neko urbanističko rješenje, nisi zadovoljan, stao si pred zid. Nešto ne valja. Ako tad počneš mjeriti potencijal prostora za koji radiš urbanističko rješenje, odjednom vidiš razlog zašto si nezadovoljan, možeš konstatirati da je rješenje sterilno, urbanistički nezanimljivo, bez identiteta, nema javnog prostora, itd. Ali ako „izbrišeš“ rješenje na svom stolu i počneš se igrati i mjeriti potencijal tog prostora, počet će se otvarati nove spoznaje, a time i rješenja. „Savladati i  urbanistički artikulirati“ veliki prostor koji „sa zemlje“ ne možete sagledati, uspostaviti mjerilo izuzetan je problem koji rješavate na stolu na karti nekog mjerila.

Na prostoru na kojem smo trebali izraditi urbanistički plan već je uvelike započela priprema za novu izgradnju. Naime, srušen je najveći dio postojeće obiteljske izgradnje na prostoru predviđenom za novu izgradnju, započela je izgradnja magistralne komunalne infrastrukture: kanalizacije, plinovoda, vrelovoda. Sve te činjenice odredile su polazišta za planiranje nove izgradnje.

 

*Provedbeni urbanistički plan “Stenjevec Malešnica” – izmjene i dopune, Urbanistički zavod grada Zagreba, prosinac 1986.

 

► Koji su bili najveći izazovi u odnosu na naručitelje, odnosno zahtjeve gradske uprave? Na koje ste kompromise morali pristati vi, na koje su pristali oni? Na koje ste probleme nailazili?

Ratko Miličević: 1980-ih nije postojala gradska, već općinska uprava koja je djelovala samostalno na svom administrativnom teritoriju. U Zagrebu je bilo deset gradskih općina. Novu stambenu izgradnju, izgradnju magistralne komunalne infrastrukture, važnih gradskih prometnica i javnog prometa na cijelom prostoru tih deset općina objedinjavali su Urbanistički zavod Grada Zagreba i Zavod za izgradnju Grada Zagreba i to temeljem GUP-a kao strateškog plana. Izvori financiranja i organizacija financiranja bila je određena zakonom. Realizacija planskih pretpostavki GUP-a provodila se izradom SPP-a tj srednjoročnog prostornog plana i detaljnih urbanističkih planova.

Pritom je najznačajniji planerski dokument bio Srednjoročni prostorni plan (SPP) koji je određivao pravce razvoja Zagreba objedinjavajući svu buduću izgradnju u idućih pet, odnosno deset godina. Izgradnja Malešnice započela je temeljem srednjoročnog plana na osnovu urbanističkog plana iz 1976. Ukratko, analiza srednjoročnog plana predlaže novu izgradnju temeljem analize cijelog gradskog prostora.

Razlozi, ili kako vi kažete u svom pitanju – zahtjevi, proistječu iz analize SPP-a kojim su konstatirani oni zbog kojih je trebalo za Malešnicu izraditi novi urbanistički plan:
– U analizama započete nove stambene izgradnje na tom prostoru u odnosu na kapacitet nove izgradnje, zaključeno je da je izgradnja broja stanova predviđenog planom potkapacitirana u odnosu na troškove pripreme zemljišta – rušenje postojećih objekata i broj zamjenskih stanova, trošak izgradnje i neiskorišten kapacitet magistralnog vrelovoda, plinovoda itd.
– Važeći plan izrađen 1976. godine predviđao je, gotovo u cijelosti, rušenje područja starog Stenjevca.
– Centralni dio naselja koncipiran je kao stambeno-poslovni centar na nivou „pješačke ploče“ – primjer za ilustraciju je Siget izveden znatno kasnije. Predloženi koncept ocijenjen je kao neprovediv.
– Predviđena izgradnja javnih garaža kao zasebnih objekata odbačena je kao loše rješenje provjereno kroz praksu.
– Povećati broj novih stanova u odnosu na plan iz 1976. godine zbog nepovoljnog odnosa troškova rušenja i planiranog broja stanova jer je odnos broja srušenih u odnosu na broj novih stanova neracionalan. Novim urbanističkim planom broj stanova povećan je za otprilike 40 posto.

O problemima koje je novi plan trebao riješiti postignuto je suglasje svih sudionika. Sve navedene analize odredile su zadatak na osnovi kojeg smo postavili premise za budući plan kojim je nastale probleme trebalo riješiti.

U tijeku rada na urbanističkom rješenju Malešnice podnosili smo izvještaje o realizaciji glavnih smjernica koje su bile zadane, a urbanističko, funkcionalno i oblikovno rješenje nikad nisu bili predmet rasprava, a pogotovo sporenja. U tom radu smo bili autonomni i samostalni bez bilo kakvih ujecaja politike. Moram napomenuti da se ne sjećam ozbiljnijeg utjecaja ili pritiska politike prilikom izrade detaljnih urbanističkih planova koji su u to vrijeme izrađeni u Urbanističkom zavodu Grada Zagreba.

 

► Spomenuli ste da su i mjesne zajednice imale ulogu u planiranju.

Ratko Miličević: U tijeku rada na urbanističkom planu „Stenjevec – Malešnica“ uspostavljena je dobra suradnja s mjesnim zajednicama „Stenjevec“ i „Donje Vrapče“, a prijedlozi i stavovi mjesnih zajednica, gotovo u cijelosti, ugrađeni su u urbanistički plan. Mjesne zajednice su predlagale izgradnju manje katnosti tj. četiri do pet katova, zadržavanje postojeće individualne izgradnje, izgradnju svih vrsta pratećih sadržaja, rekreacionu zonu, pažljiv odnos prema zatečenom stanju, itd.

Možda je potrebno napomenuti da je multidisciplinarni pristup izradi urbanističkih planova bio norma bez koje se nije izradio niti jedan urbanistički plan u Urbanističkom zavodu Grada Zagreba od početka 1970-ih do 1990-ih. Sociolozi, ekolozi itd. sastavni su dio svakog tima, pogotovo kod izrade plana na područjima gdje je bilo postojeće izgradnje.

 

► Koliki obuhvat naselja je zamišljen? Što je od toga izvedeno, a što nije? Je li i koliko bilo odstupanja od plana?  

Ratko Miličević: U određivanju zona zahvata bilo kojeg detaljnog urbanističkog plana uvijek se nastojalo obuhvatiti prostornu cjelinu. Prostor za koji će se izraditi detaljan plan nije bio, kao danas, zadan GUP-om, nego se određivao Odlukom o izradi plana. U ovom slučaju obuhvat je bio zadan detaljnim planom izrađenim 1976. godine u prostorno logičnim granicama. Obaveza izrade detaljnih planova nije bila određena GUP-om, nego je izrada detaljnih planova bila zakonska obaveza kao preduvijet bilo koje nove izgradnje. Gradilo se temeljem detaljnog plana.

U pravilu, može se reći da u realizaciji nije bilo bitnih odstupanja od Provedbenog urbanističkog plana „Stenjevec – Malešnica“. Ako govorimo o Malešnici, sva nova višestambena izgradnja izgrađena je prema odrednicama plana. Javni prostori i njihova namjena bili su i ostali definirani kako je planom predviđeno. Prostor na kojem se gradi otprilike 3 600 stanova, a obuhvat plana je 106 hektara, ne nastaje „u jednom dahu“. Zato su realizacije i oblikovanje javnih prostora uz Ulicu Ivane Brlić Mažuranić i nekih dvorišta izmakli nadzoru isključivo zbog neadekvatnog i lošeg kadra tadašnjeg Zavoda za izgradnju Grada zaduženog za izgradnju parkova, drvoreda, itd. Iz tog razloga, za prostor uz Ulicu Ivane Brlić Mažuranić nikad nije izrađeno hortikulturno rješenje, odnosno nije postao park nego malo livade i nasumce posađena stabla. Park uz Ulicu Ivane Brlić Mažuranić još nema ime. Ni prostor na kojem je izgrađen Park hrvatskih pavlina ne bi se izgradio da arhitekt Vladimir Mattioni i ja nismo izradili idejna rješenja javnih prostora kao dio strategije izgradnje javnih prostora na području Malešnice, Stenjevca i Španskog. Izradili smo četiri idejna rješenja za četiri trga/parka. Od predloženih idejnih rješenja izveden je Trg hrvatskih pavlina. Prijedlozi za trg ispred crkve u Stenjevcu i park u Španskom nisu realizirani. Strategija izgradnje javnih prostora dio je studije naziva “Zagreb intra muros“ nastale kao strategija Zavoda za planiranje 1994. godine.

 

► Ima li bitnijih odstupanja u novije vrijeme? 

Ratko Miličević: Dugo nisam bio na Malešnici pa ne mogu sa sigurnošću reći je li se u međuvremenu izgradilo nešto kontra plana. Za sve građanske inicijative koje uoče nedostatke u prostoru, ili misle da su to nedostatci, bilo bi učinkovitije da posao oko uređenja, po njima naizgled nedovršenih prostora, provode u suradnji sa strukom, a naročito hortikulturna rješenja. Vidio sam da je izgrađena crkva, ali se nisam dugo zadržavao da procijenim je li postojalo i bolje mjesto za izgradnju crkve na nekom drugom prostoru na Malešnici.

Danas se, gotovo u pravilu, pokušava „utrpati“ što veće volumene na tzv. „praznine“ u naseljima izgrađenima i u potpunosti dovršenima prema urbanističkim planovima. Zašto se takvo naselje ne tretira kao dovršena gradska cjelina kojoj se ništa novo ne može dodati i izgrađeno oduzeti?

Ipak, posebno mi je zadovoljstvo vidjeti plan realiziran gotovo u cijelosti. Prolaziti ulicama s drvoredima, parkom i dvorištima gdje su stabla stara 30 i više godina dosegla svoju punu visinu, krošnje punu širinu, a boje krošnji u proljeće i jesen mijenjaju krajolik.

 

 

► Planski građen dio naselja Malešnica čine stambeni blokovi s unutarnjim parkovima. Pristup temi bloka u Zagrebu se kroz povijest mijenjao s različitim pristupima urbanizaciji. Što je uvjetovalo vaš pristup i što ga karakterizira? 

Ratko Miličević: Stambeni blok je poznata tipologija određena regulacijskim planovima gdje ulice definiraju prostor bloka i mogućnosti izgradnje. Stambeni blok, u pravilu, karakterizira kontinuirana izgradnja po obodu svih ulica koje definiraju regulaciju bloka. U Zagrebu je to izgradnja na regulacijskoj liniji. Dvorišta bloka starih regulacija 18. i 19. stoljeća, u početku nisu planirana za izgradnju unutar bloka. Zagrebački blokovi nastali temeljem urbanističkih planova i regulacija dobrih su prostornih odnosa. Pamtim iz djetinjstva nekoliko izuzetno kvalitetnih blokova u Zagrebu: blok u Dalmatinskoj ulici, „Velerov vrt“ u Palmotićevoj ulici, blok u Šubićevoj ulici, blok u bivšoj ulici Božidara Adžije, blok „Vatikan“ Vlaška – Martićeva itd.

 

*Unutrašnjost bloka / foto: Zvonimir Atletić

 

Kako bi se današnjom terminologijom reklo, blokovi Malešnice su dekonstrukcija donjogradskog bloka. Blokovi Malešnice nisu pravokutnog formata, već su „razrezani“ u smjeru istok – zapad. Na taj način taj razrezani blok omogućuje poveznicu dvorišta pješačkom šetnicom između Ulice Ivane Brlić Mažuranić i Ulice Ante Topića Mimare. Plan je predviđao da svako dvorište bude drukčije hortikulturno oblikovano što bi i ponudilo dodatni motiv šetnje kroz dvorišta/parkove i stvorilo jedan kontinuirani park.

Urbanističko rješenje Malešnice je regulacijski plan u kojem svaka namjena ima svoje mjesto. Na temelju urbanističkog plana izrađen je kotni plan i urbanistički projekt. Navedenim projektima definirani su svi tehnički elementi prometnica, njihovo oblikovanje, sva komunalna infrastruktura. Na taj način definirane su „parcele blokova“, kao i svi građevinski pravci i regulacijske linije. Planom je programirana sadržajna struktura svakog bloka i određeni svi ostali parametri – izgrađenost parcele, broj i veličina stanova, visina zgrada, itd. I to je urbanistički plan.

 

*Radna skica – detalji manjih prostornih jedinica

 

► Kako je došlo do toga da su uglovi blokova rješavani manje uobičajeno tj. svaki različito? Čini se da je Malešnica jedinstveni primjer takve prakse u Zagrebu.  

Ratko Miličević: U razvoju projekta/plana Malešnice od početka su bili postavljeni ciljevi stvaranja urbanog identiteta Malešnice. Prostorni prikaz cijele Malešnice – kako bi danas rekli 3D – izrađen je da bi svim sudionicima u izgradnji „preveo“ tekstualne odrednice plana u razumljiv grafički jezik. Prostornim prikazom prikazuju se smjernice, hijerarhija i važnost pojedinih zahtjeva planskih postavki, naglašenost javnih prostora, raznolikost uređenja dvorišta itd. Arhitekti koji su projektirali pojedine blokove davali su različita rješenja uličnih uglova bez mojih sugestija ili bilo kakvih konzultacija.

Možda je ipak potrebno naglasiti da je javni prostor oblikovno artikulirana premisa plana i urbanističkog rješenja. U realizaciji plana moja osnovna preokupacija bila je što je više moguće kontrolirati realizaciju javnog prostora-dvorišta, ulica i drvoreda, parkova i trgova. Arhitektura stambenih zgrada bila je u domeni projektanta svake zgrade bez sugestija autora plana. Zgrade su bile određene svim potrebnim parametrima tako da nije bilo nikakvih nejasnoća, odnosno svatko je imao svoje polje djelovanja i za njega bio odgovoran.

 

*Stambeni objekt KC-4, arh. Darko Stiperski / foto: Registar moderne i postmoderne zagrebačke arhitekture 

 

► U realizaciji Malešnice je sudjelovalo desetak arhitekata i nekoliko građevinskih firmi. To je doprinijelo diversifikaciji arhitekture, odnosno izbjegnuto je umnažanje tipskog pristupa koji karakterizira niz novih, pa i susjednih, naselja toga vremena. Možete li to dodatno elaborirati i koja bi ostvarenja izdvojili?  

Ratko Miličević: Uvijek je postojala želja urbanista da nova naselja nisu ponavljanje dva-tri tipa stambenih zgrada, čega su primjeri Zapruđe, Sopot, itd. Odmah na početku treba reći da učešće desetak projektanata nije zasluga autora plana, već se to dogodilo slučajno. Nastupila je ekonomska kriza. Na prostoru Malešnice novim planom predviđena je izgradnja oko 3.200 stanova umjesto 2.600 stanova predviđenih starim planom iz 1976. godine. Predviđena je izgradnja osnovne škole, srednje škole, dječje ustanove i socijalne ustanove. Treba napomenuti da je u to vrijeme bila tržišna izgradnja i da su izgradnju stanova većinom financirale građevinske tvrtke. Počela je ozbiljna ekonomska kriza i više nije bilo građevinske tvrtke koja bi sama mogla izgraditi veliki broj stanova i snositi rizik realizacije.

Planom predviđena izgradnja Malešnice dogovorom s Općinom Susedgrad i Zavodom za izgradnju Grada, raspodijena je između zagrebačkih građevinskih poduzeća „Novogradnja“, „Tempo“, „Industrogradnja“, „Vladimir Gortan“, stambenih zadruga „Manduševac“, „Zagreb stan“, GP „Moslavina“ te slovenskih poduzeća „Pionir“, „Vegrad“. Svaka od tih građevinskih tvrtki imala je svoje projektante. I tako je postignuta raznolikost!

 

► Kako je tekao proces izgradnje naselja od plana do dobivanja građevinske dozvole?

Ratko Miličević: Projektantima pojedinih zgrada ili blokova prije početka izrade idejnog projekta bili su na raspolaganju grafičke i tekstualne odredbe iz planske dokumentacije/program izgradnje i izvod iz kotnog plana koji je određivao kako će se zgrade pozicionirati u odnosu na zadane građevinske pravce i regulacijske linije, visinske kote itd. Izrađeni idejni projekt za građevinsku dozvolu prolazio je dvostruku kontrolu. U Zavodu za katastar je izvršena kontrola je li zgrada smještena na planom određenom mjestu, građevinskom pravcu s eventualnim tolerantnim odstupanjima. Nakon navedene kontrole, projekt je kontrolirao autor plana, je li projekt izrađen u skladu sa zadanim programom i jesu li eventualna odstupanja u granicama tolerancije. Samo na temelju tih kontrola i završnog izvješća autora, odnosno Urbanističkog zavoda Grada Zagreba, mogla se izdati građevinska dozvola, a izvješće je bilo sastavni dio projekta za građevinsku dozvolu.

 

► Za koga je građena Malešnica i kakav tip stanova je tamo nastao?

Ratko Miličević: Stambena izgradnja na Malešnici tržišna je izgradnja i građena je za nepoznatog kupca s uobičajenom strukturom stanova u odnosu na sobnost i površinu. Broj stanova za svaku stambenu zgradu određen je urbanističkim planom.

 

 

► Neke od urbanističkih specifičnosti naselja su širi javni prostori u Draganićevoj ulici, odnosno Trg hrvatskih pavlina koji je ciljano otprilike veličine Trga žrtava fašizma. Možete li reći nešto više o tome?

Ratko Miličević: Trg hrvatskih pavlina je proizvod početnih premisa kojima se tražio odgovor kako postići upečatljiv identitet naselja. Razvojem projekta određen je prostor budućeg parka, njegov oblik i pozicioniranje u naselju. U prvoj fazi prostorno je definiran urbanističkim rješenjem Malešnice. Trokutastog je oblika, a na vrhu trokuta je planirana srednja škola, danas gimnazija „Lucijan Vranjanin“, autora arhitekta Andrije Mutnjakovića. Takvom prostornom odnosu gimnazije i parka pridonosi asocijacija na gimnazije i Roosveltovo trg.  Sam prostor budućeg parka je definiran urbanističkim planom, osigurana je njegova parcela, ali planom nije detaljno oblikovan. Prostor predviđen za trg/park smjernicama plana otvoren je različitim mogućim oblikovanjima, ali je planom osiguran javni prostor koji je jedan od nositelja identiteta Malešnice. Zahvaljujući izložbi u Galeriji Mala na kojoj su prikazana idejna urbanistička rješenja trgova kojima je zajednički nazivnik „Reurbanizacija periferije“ među kojim i „Zelena katedrala“ gradonačelnik Branko Mikša, koji je bio na izložbi, predložio je da se projekt trga u Malešnici relizira. Arhitekt Vladimir Mattioni i ja izradili smo idejni projekt trga, a izvedbeni projekt je pod autorskom kontrolom izradio projektni biro „Arhitektonski studio“. Prostor je kasnije dobio ime Park hrvatskih pavlina. Park je izgrađen u vrlo kratkom roku. Za trg u Stenjevcu također smo izradili idejni projekt, ali projekt nikad nije realiziran.

 

*Trg hrvatskih pavlina / foto: Zvonimir Atletić

*”Zelena katedrala” od jablanova, Trg hrvatskih pavlina / foto: Zvonimir Atletić

 

► Malešnicu i Špansko-sjever razdvaja Ulica Ivane Brlić Mažuranić koja po svom karakteru odudara od npr. novozagrebačkih obodnih ulica koje su razdjelnica tamošnjih kvartova ili kako ste rekli ona je umjesto prometnice pretvorena u ulicu. Sa sjeverne strane je definirana fronta zgrada dok ste s južne smjestili najveći kvartovski park, koji je veličine Ribnjaka. Taj je park do danas krajobrazno nedovršen, ali održavan kao kultivirana površina. Takva urbanistička odluka ujedno doslovno gradi ili doprinosi dvama kvartovima, a sa središnjom osi Španskog čini i osebujni urbanistički moment. Možete li malo elaborirati tu odluku o ulici koja spaja, a ne razdvaja i odnosu koji je stvoren između dvaju kvartova?

Ratko Miličević: Javni prostori su nosioci identiteta svakog dijela grada. Ulica Ivane Brlić Mažuranić, Park hrvatskih pavlina i ulični drvoredi su javni gradski prostori, nositelji identiteta ovog dijela grada. Urbani kontekst tih prostora i njihovo oblikovanje su reperi po kojima se pamti taj dio grada koji se proteže od potoka Vrapčaka do Stenjevca, od Španskog do Samoborske ceste. Zelena dvorišta blokova su prostori stanovnika Malešnice, bolje rečeno okolnih zgrada.

U samom početku rada uočeni su problemi stare aglomeracije Stenjevca koja je većim dijelom planom iz 1976. godine predviđena za rušenje. Postojeće naselje obiteljskih kuća Malešnice i prostor Španskog, „stisnuli“ su prostor određen za novu višestambenu izgradnju. U tom sagledavanju prostornog konteksta i budućeg urbanističkog rješenja prostor između Španskog i Malešnice, u dužini skoro dva kilometra, bilo je evidentno da je taj prostor bitan za rješavanje međuodnosa tih dvaju naselja, ali i same nove izgradnje Malešnice. Od početka rada, kao da je bilo „gotovo“ urbanističko rješenje tog prostora. „Čvrsta“ sjeverna fasada ulice dužine dva kilometra na sjevernoj strani, a park na južnoj strani. „Fasada s pogledom na more“, u ovom slučaju park. Park, dvostruki ulični drvoredi oblikuju identitet obaju naselja, a za stanovnike zgrada na sjevernoj strani ulice južna fasada je atraktivna vizura. Na žalost, park nikad nije dobio onaj izgled koji smo zamišljali, već je sve posađeno nasumce. Mislim da nije kasno popraviti taj nedostatak, ali uz uvjet da nema nikakve gradnje u parku. Nikakvih paviljona, nadstrešnica, slavoluka, itd, doslovce ništa. Park traži isključivo hortikulturno, a ne arhitektonsko-urbanističko rješenje. Ako biste mene pitali, odgovor bi bio – arhitekti u hortikulturnom rješenju parka nemaju što tražiti.

 

► Još od vremena nastanka Malešnice, za ulicu Ivane Brlić Mažuranić planirana je tramvajska veza. No, to se do danas nije dogodilo. Kako komentirate da prije gotovo 40 godina planski izgrađeno naselje do danas nije dio tramvajske mreže?  

Ratko Miličević: Današnja Ulica Ivane Brlić Mažuranić mijenjala je „radna imena“, Moskovska i produžena Krapinska. GUP-om iz 1971. godine i tom je ulicom predviđen tramvaj/šinsko vozilo i produženje prometnice preko Save. Mislim da je danas sigurno da se ta ideja neće realizirati i tu planersku postavku treba zaboraviti jer i kad je planirana, bila je upitna. Da se izgradnja tog područja razvijala približno slično kao prostor na Trešnjevci od mosta Mladosti pa sve do Prečkog uz i oko Horvaćanske ulice, izgradnja tramvaja bila bi realizirana. Špansko sjever i jug, kao i Malešnica, nastali su preskakanjem velikog gradskog teritorija. Danas planiranje šinskog vozila, izuzev upotrebe gradske željeznice, nema smisla. Javni promet u tom dijelu grada treba organizirati u odnosu na gradsku željeznicu. Udaljenost gradske željeznice od Ulice Ivane Brlić Mažuranić je oko 550 metara, a od Ulice Gustava Krkleca oko 1100 metara.

 

► Crkva je u naselju došla poslije neovisnosti. U nekim su naseljima takvi sadržaji umetani vrlo agresivno, npr. u Travnom. Bilo je ozbiljnih pokušaja uništavanja definiranog parka i na Savici. Kako ocjenjujete taj zahvat na Malešnici s urbanističkog gledišta? 

Ratko Miličević: Crkvu koja je izgrađena na Malešnici vidio sam prošle jeseni kad je moj prijatelj fotograf Zvonimir Atletić fotografirao cijelu Malešnicu. Crkva je izgrađena na prostoru predviđenom za socijalnu ustanovu/starački dom i smještena je „u bloku“ tako da njezina izgradnja ne narušava urbanističko rješenje Malešnice. Izgradnja crkve je pokazatelj da su planom stvorene urbanističke pretpostavke, regulacija, koja dozvoljava izgradnju drugih sadržaja. Moja zamjerka je da je smještena periferno i ne doprinosi urbanom identitetu Malešnice. Mislim da je trebalo provjeriti i druge mogućnosti za smještaj crkve.

Drugi primjeri izgradnje vjerskih objekata koje navodite, Travno, Utrine, pokušaj izgradnje u parku na Savici itd., ozbiljni su urbanistički promašaji koji novom izgradnjom na neizgrađenim ili parkovnim površinama narušavaju kvalitetu života stanovnika tih dijelova grada. Ako se već spominje izgradnja na zelenim, uređenim dijelovima naselja, koja je razlika između gradnje crkve i investitorske profitne izgradnje? Prostor je potrošen.

 

► Jeste li i kako tretirali odnos prema potoku? Vidite li tu neke mogućnosti koje bi dodatno stopile, potencirale taj odnos naselja i uređene šetnice uz potok? Kako općenito gledate na temu potoka koji danas otvorenim tokovima i šetnicama povezuju Medvednicu i Savu? 

Ratko Miličević: Potok Vrapčak nije bio u prostornom obuhvatu za koji je trebalo izraditi urbanistički plan Malešnice tako da nije bilo moguće za taj prostor predlagati urbanističko rješenje. Oko uređenja sljemenskih potoka, njihovih regulacija i prostora uz sljemenske potoke u cijelom njihovom tijeku uvijek su se vodile polemike. U Urbanističkom zavodu prevladavao je stav da vodotoci trebaju u što većem broju biti otvoreni i uređeni što je provedeno u urbanističkom planu naselja Jarun. Kao i za mnoga druga urbanistička rješenja važećih planova, treba ispitati mogućnosti uređenja sljemenskih potoka duž cijelog vodotoka.

 

► Koje su najveće kvalitete naselja Malešnica?

Ratko Miličević: Jedino što mogu reći je da sam zadovoljan rezultatom jer su osnovne postavke plana realizirane.

 

► Koje su najveće slabosti naselja Malešnica?

Ratko Miličević: Slabosti, bolje rečeno nedostatci Malešnice, rezultat su prekida projektiranja i dovršenja vanjskih prostora naselja. Izostala je bilo kakva koordinacija, a naknadne realizacije su improvizacije za koje ne znam tko ih je vodio i rješavao. Međutim, mislim da ti nedostatci ne utječu na osnovnu urbanističku koncepciju i da se danas mogu nadograditi.

 

► S odmakom od nekoliko desetljeća života naselja, biste li što mijenjali? 

Ratko Miličević: Kao prvo, ne bih mijenjao urbanističko rješenje, a realizacija nikad nije bila u rukama projektanata. Uvijek barem malo izmakne kontroli. Mislim, koliko god sam zadovoljan projektom Malešnica, imao sam veliku sreću da je Malešnica realizirana u skladu s projektom. Kad kažem sreća, mislim na sve ljude koji su sudjelovali u izradi plana, a naročito u realizaciji. Nikad u svom radnom vijeku nisam imao toliko slobode i podrške u izradi projekta, a i samoj realizaciji.

 

► Malešnica je mjestimično krajobrazno nedovršena, od glavnog parka koji ste spomenuli do nekih zelenih površina unutar blokova. Recentna građanska inicijativa cilja na sadnju stabala na livadi u Rangerovoj ulici. Što je u tom bloku najuputnije napraviti?  

Ratko Miličević:Sadnja je dobra ideja. Taj prostor nije hortikulturno dovršen ali u treba imati mjeru. Nužno bi bilo ukinuti cestu koja dijeli prostor na dva dijela i osmisliti cjelinu. To je prostor velikog formata i pruža puno mogućnosti. Možda bih danas ostavio livadu, a u sredini zasadio dva hrasta ili lipe koji će narasti do veličine bloka, a ostavio livadu da djeca trče, leže na suncu, odrasli peku roštilj itd. Uvijek se nađe prostora za poboljšanja, ali te intervencije treba pažljivo planirati. Dvorišta se može dovršiti na razne načine, park uz Ulicu Ivane Brlić Mažuranić konačno hortikulturno oblikovati. U Parku hrvatskih pavlina trebalo bi izmijeniti i zasaditi neka nova stabla. U blokovima je najuputnije ne dozvoliti parkiranje osobnih automobila kao i automobilski prolaz kroz blok. U bloku automobilski pristup imaju samo vatrogasna vozila i o tome treba voditi računa.

 

► GUP predviđa veliki sportski centar sa zapadne strane naselja što je i važan dio infrastrukture čitave zone. Kako je to tretirano u trenutku planiranja naselja? Treba li izgradnja upravo takvog sadržaja na toj lokaciji biti nekakav prioritet za taj dio grada? Što je danas urbanistički prioritet Malešnice i toga dijela grada? 

Ratko Miličević: Planom Malešnice predviđen je rekreacijski centar, a GUP iz 1986. godine je to „prepisao“ kao namjenu površina što je dobro jer je na taj način sačuvana površina centra. Planiranje takvog rekreacijskog centra nastalo je kao GUP-ova norma za cijeli zahvat od otprilike 106 hektara, a ne samo za novu Malešnicu. Plan je stvorio pretpostavke, a program gradnje će se definirati u skladu s potrebama i financijskim mogućnostima. Koji prioriteti su danas u tom dijelu grada ne znam jer sam iz Zavoda za planiranje otišao prije dvadeset godina.

 

► Svaka usporedba vašeg projekta Malešnice, potom Španskog – sjever Miroslava Kollenza ili Špansko – jug Borislava Doklestića, u usporedbi s obližnjim novogradnjama, osobito oko Šoljanove ulice, već na prvi pogled nameću sliku dubokog pada u urbanističkom planiranju i očekivanjima. Kako komentirate takav novi tip urbanizacije, gradogradnje, tj. očiti i značajni odmak od dosegnutoga standarda?

Ratko Miličević: Novi tip izgradnje parcele po parcele nije gradogradnja i to nije planiranje, nije urbanizam, a time ni urbanizacija. To je moj jedini komentar.

 

► Recentno ste predložili ponovnu uspostavu Urbanističkog zavoda Grada Zagreba. Možete li to obrazložiti?    

Ratko Miličević: Pod uspostavom „novog“ Urbanističkog zavoda Grada Zagreba podrazumijevam objediniti današnja dva ureda jer je postojeća organizacija „protuprirodna“ i nepotrebna. Postojeća organizacija dovodi do stanja koje se može nazvati shizofreničnim, odnosno u skladu s poslovicom „jedni drumom drugi šumom“. Ne može se strategija voditi mimo planiranja i izmišljati nepotrebne poslove. Neka novi ured postane ozbiljna planerska i urbanistička institucija koja se bavi strategijom, planiranjem i urbanizmom. Vraćanje starog imena ima smisla kao naglasak na povijesnu činjenicu kontinuiteta institucije struke i urbanizma u Zagrebu koja ove godine slavi 65 godina od osnivanja Urbanističkog zavoda Grada Zagreba. Naime, Urbanistički zavod Grada Zagreba osnovan je rješenjem Narodnog odbora Kotara Zagreb 14. studenoga 1956. godine, kao ustanova sa samostalnim financiranjem. Započeo je s radom u siječnju 1957. godine. U siječnju 2021. godine, navršena je 70. obljetnica Zavoda za urbanizam Narodnog odbora Kotara Zagreb, a u studenom 2021. godine će biti 65. godišnjica osnutka Urbanističkog zavoda Grada Zagreba.

Godine 1949. donesena je Savezna uredba o Generalnom urbanističkom planu koja dovodi do osnivanja Zavoda za urbanizam Narodnog odbora Kotara Zagreb. Svrha osnivanja je organiziranje stručnih poslova urbanističkog planiranja, a zadatak izrada regulacijskih i regionalnih planova Zagreba. Kratko vrijeme, tijekom 1951. godine djelovao je kao „Biro za urbanizam“ koji se ukida 27. studenoga 1951. godine. U Zavodu za urbanizam je 1953. godine izrađena Direktivna regulatorna osnova grada Zagreba (Vlado Antolić, 1949. – 1953.).

Nažalost, Urbanistički zavod Grada Zagreba prestao je postojati 1990. godine s onom svrhom i funkcijom zbog čega je osnovan, a to je izrada urbanističkih planova Zagreba što znači – prestala je postojati urbanistička ustanova od interesa za Grad Zagreb.

Pod istim imenom, Urbanistički zavod Grada Zagreba, opstala je privatna tvrtka koja nije bila u funkciji kao gradska institucija, već je kao privatna tvrtka izrađivala urbanističke planove i projekte na tržištu, sve do stečaja 2020. godine kada se briše iz registra Trgovačkog suda u Zagrebu.

Godine 1990., političkom odlukom, ukida se status gradske institucije Urbanističkom zavodu Grada Zagreba i osniva nova planerska institucija po imenom Zavod za planiranje razvoja i zaštitu čovjekova okoliša koja postaje planerskom institucijom od interesa za Zagreb koja pod tim imenom traje 10-ak godina. Mijenjaju se imena, stvaraju paralelne institucije, ali Grad Zagreb nema Urbanistički zavod s onim ingerencijama koje je imao svojim osnivanjem 1956. godine. Posebno je značajna rečenica – kao ustanova sa samostalnim financiranjem.

U tom „raspadu“, Zavod se raspada na dva dijela u smislu ljudstva. Raspada se i nestaje dragocjena arhiva stvorena mukotrpnim radom i brigom gospodina Andrije Pejkovića, nestaje izuzetna stručna biblioteka i raspada se jedna iskusna i dobro organizirana institucija u kojoj niti jedan urbanistički plan nije mogao izaći iz Zavoda, a da nije prošao njegovu stručnu komisiju.

Početkom 90-ih svi važeći urbanistički planovi, izuzev GUP-a, stavljeni su van snage, a GUP je modificiran na način da zamjenjuje sve urbanističke planove. Po hodnicima gradskih institucija vukle su se gomile planova koje je „Unija odvozila“ na otpad. Slično Fahrenheitu 451, ali nije se palilo.

Stari planovi su bačeni, novi nisu izrađeni. Nastaje nova era urbanističkog planiranja „iz parcele“, izravno iz GUP-a.

Urbanistički planovi bili su zakonska obveza i ishodište im je bio strateški plan – GUP. Urbanističkim planovima oblikovan budući Zagreb u cjelini i velikim dijelom izgrađen kao urbanističke cjeline, bilo nove bilo one koje su integrirale staro i novo. Bilo je nezamislivo graditi kao danas, iz GUP-a ili UPU-a. Sada sve zamjenjuje Generalni urbanistički /detaljni/ plan i nemušti plan koji se zove UPU/urbanistički plan uređenja/ koji s urbanizmom nema dodirnih točaka.

Predlažem današnjem i budućem gradonačelniku i Gradskoj skupštini da se postojeće zagrebačke urbanističke institucije, iz čijih se naziva ne može pročitati čime se te institucije bave, integriraju u jednu gradsku urbanističku instituciju od interesa za grad, pod imenom Urbanistički zavod Grada Zagreba. Bilo bi vrijeme da se iz imena institucije čita čime se ta institucija bavi i kome služi, a ne da se mora opisivati njezina funkcija.

Za provedbu predložene promjene imena više nema ni prepreka budući da je stečajem privatne tvrtke koja se zvala Urbanistički zavod Grada Zagreba prestalo važiti vlasništvo nad imenom tvrtke.

 

► Kako ocjenjujete planski građena naselja nakon neovisnosti, ona poput Novog Jelkovca, Oranica i Podbrežja? Koje su glavne razlike u urbanizmu tih novijih i cjelovito planiranih naselja od onih koja su građena u Zagrebu otprilike kad i Malešnica?  

Ratko Miličević: Sudjelovao sam na dvama natječajima, Oranice, 2. nagrada i Podbrežje, 3. nagrada. Prošao sam kroz Novi Jelkovec i Oranice, a Pobrežje je u gradnji. Nije na meni da uspoređujem planove i realizacije u razmaku skoro pedeset godina. U svakom natječaju, kao i realizaciji, zadani problem, urbanistički plan, rješavao sam u skladu s istim stavom kao i za Malešnicu.

 

*Novi Jelkovec, foto: Katarina Zlatec

 

► Što vidite da je urbanistički najvažnije za buduću aktivaciju prostora bivše tvornice Gredelj kao strateške točke razvoja Zagreba u 21. stoljeću? 

Ratko Miličević: Prostor tvornice „Janko Gredelj“ je bitna i strateška točka budućeg razvoja Zagreba na kontaktnom prostoru s Donjim Gradom, ali ne može se govoriti o prioritetu bez valorizacije potreba i ekonomskih mogućnosti Zagreba na cijelom teritoriju Grada.

 

► Vidite li lokacije Zagrepčanke, tj. bivše klaonice (južni dio parcele) i Gredelja kao lokacije za nekakav smisleni program društvene stanogradnje? Dakle, da uz sve druge sadržaje tamo mjesta bude i za gradske stanove, odnosno možda i domove umirovljenika i studentske domove? Takva gradnja ne bi isključila i drugu, a time bi se doprinijelo npr. smanjenju trendova gentrifikacije.  

Ratko Miličević: Sve što navodite su mogući sadržaji tih prostora. Treba pažljivo osmisliti programe izgradnje, ali i pažljivo razmotriti financijske mogućnosti Grada. Sve kombinacije privatnog i javno-privatnog su moguće, ali osobitu pažnju treba posvetiti javnim programima i javnim prostorima. Mislim da treba ponoviti tipologiju novih naselja, privatna parcela je samo pod zgradom, a sav ostali prostor je, uključujući prometnice, javni prostor. Samo da se ne ponovi farsa javne garaže i javnog prostora na projektu „Cvjetni“.

 

► Možete li izdvojiti jednu točku u gradu koju vidite kao urbanistički prioritet Zagreba?

Ratko Miličević: Gradnja novih zgrada nije jedini „građevinski materijal“ za izgradnju Grada. Kako povezati prostor Zagreba koji je prepun „rupa“, otoka, praznina, ne znam. Jedino sam siguran da se to ne može postići isključivo novom izgradnjom stanova koja čini barem 90 % ukupne izgradnje. Nemam nikakvu sugestiju koja bi bilo koji dio Zagreba istaknula kao prioritet. Do prioriteta treba doći novom urbanističkom strategijom, ali i precizno osmišljenim planovima i projektima, uzimajući u obzir sve ograničavajuće faktore, novac, vrijeme realizacije, opravdanost itd.

„Zeleni Zagreb“ nije moje otkriće, taj termin je već korišten, ali mislim da bi se tim konceptom mogla postići potrebna kohezija i jedno novo lice Zagreba. Ali ne preko noći.

Prije dvadeset godina Zavod za planiranje Grada Zagreba organizirao je seminare pod naslovom „Okviri Metropole“. U okviru seminara održavale su se radionice, rezultati seminara su publicirani. Između ostalih tema, bio je seminar na temu praznina, ostataka prostora, prostora koji preobrazbom mogu postati novi nosioci urbaniteta kvarta ili šireg prostora. Možda i grada. Ti radovi su zaboravljeni i nitko ih ne spominje, čak ni u literaturi kad radi nešto gotovo identično, ali pod drugim imenom – akupunktura.

 

► Koji vam je vaš projekt najdraži i zašto?

Ratko Miličević: Diplomirao sam 1973. godine i imam 50 godina radnog staža i još uvijek radim. Najdraži su mi projekti na kojima sam radio kao suradnik, koautor ili autor u Majstorskoj radionici profesora Drage Galića u JAZU-u, u razdoblju od 1975. do 1985. godine. To su radovi „Pješakov kilometar“, „Vrbici“, „Grad za rušenje“, studija pod naslovom „Prenosiva jedinica“, studije pod naslovom „Urbana obnova“ koje su izrađene za potrebe pripremnih radova za GUP 1986.

Izdvojo bi urbanističko rješenje Malešnice u kojem je realizirana ideja novog javnog prostora urbanistički artikuliranog prostora parka uz Ulicu Ivane Brlić Mažuranić i Park hrvatskih pavlina i dvorišta međusobno povezana u linearni park.

U pedeset godina rada bilo je još studija, natječaja i realizacija koje smatram dobrim urbanističkim rješenjima, a u svakom od tih urbanističkih rješenja središnja tema je javni prostor i identitet.

 

 

_

 

Obilazak Malešnice uz stručno vodstvo Ratka Miličevića i uz gostovanje Damira Rubeše dogodit će se u nedjelju, 27. lipnja 2021., s početkom u 19 sati na Trgu hrvatskih pavlina.

Sve ture planirane u 2021. godini u sklopu projekta Motel Trogir potražite ovdje.

 

_

 

Razgovarao: Saša Šimpraga / sve tekstove ovog autora za Vizkulturu pročitajte na linku

 

Fotografije: Zvonimir Atletić, Ratko Miličević, Katarina Zlatec 

 

Intervju je nastao u sklopu aktivnosti projekta Motel Trogir

Motel Trogir je projekt Udruge za suvremene umjetničke prakse – Slobodne veze iz Zagreba.

 

_

 

Razgovor o zagrebačkom naselju Sloboština potražite ovdje.

 

 

The post Mjerenje potencijala appeared first on vizkultura.hr.

Dijalozi s baštinom koja je obilježila stoljeće

$
0
0

Vjenceslav Richter, “humani istraživač likovnih galaksija” (kako ga je zvao Marijan Susovski, dugogodišnji ravnatelj Muzeja suvremene umjetnosti u Zagrebu i njegove prethodnice – Galerije suvremene umjetnosti), jedna je od najvećih figura hrvatske i jugoslavenske suvremene povijesti arhitekture i umjetnosti a njegov opus zasigurno ostavlja bitan trag i u globalnom kontekstu arhitektonskog i umjetničkog stvaralaštva. Suosnivač grupe EXAT 51, aktivan sudionik međunarodnog pokreta Novih tendencija, autor brojnih projekata javne i stambene namjene, idejnih rješenja u polju urbanizma, pionir teorije sinteznog i interdisciplinarnog pristupa arhitekturi, urbanizmu i likovnosti, Vjenceslav Richter ostavio nam je neprocjenjivo nasljeđe koje nadahnjuje jednako arhitekte kao i umjetnike, ukazujući na neophodnost multidisciplinarnosti promišljanja prostora i svijeta.

Već pri završetku studija Richter radi izložbene paviljone za sajmove u Trstu (1947) i Milanu (1948) u suradnji sa Zvonimirom Fajstom. Zajedno s Ivanom Piceljem i Aleksandrom Srnecom radi Izložbu knjiga NR Hrvatske (1948), a 1950. godine tom snažnom timu pridružuje se i Zvonimir Radić te svi potpisuju Izložbu autoputa Bratstvo i jedinstvo koja je bitno osnažila vizije jugoslavenske socijalističke modernosti. Jugoslavenska socijalistička modernost počivala je tada na idejama bratstva i jedinstva jugoslavenskih naroda i narodnosti, radničkom samoupravljanju a uskoro i na politici nesvrstanosti. Toj izložbi prethodili su izložbeni paviljoni u Parizu i Beču, Hannoveru, Stockholmu i Chicagu. Već na tim projektima Richter gradi specifičan status slobodnog umjetnika te stvara kroz danas toliko sveprisutno umrežavanje s kolegama, pa tako i nastaje kolektiv EXAT 51. Njegov sintetski, interdisciplinarni i istraživački pristup prostoru i likovnosti oblikuje se već tijekom angažmana na Arhitektonskom odsjeku Akademije primijenjenih umjetnosti u Zagrebu u razdoblju od 1949. do 1955. godine, a prvi arhitektonski projekti nastaju u periodu od 1954. do 1958. godine u suradnji sa Zdravkom Bregovcem, također članom grupe EXAT 51. Već 1954. godine Richter piše didaktički teorijski traktat Prognoza životne i likovne sinteze kao izraza naše epohe, a tekst je objavljen 1964. godine u knjizi Sinturbanizam, što je, prema Maroju Mrduljašu, “najkompletnija teorija oblikovanja ikad napisana u Hrvatskoj”.

Sinturbanizam je koncept koji promovira intiman spoj autentične prirode s visokom urbanizacijom koja se očituje u ziguratovskim jedinicama za 10000 ljudi koji u istima žive, rade i rekreiraju se. Richter polazi od socijalističkog principa u kojem živi, pri čemu socijalizam ne smatra samo praktičnim pitanjem preuzimanja vlasti već i pitanjem uređenja svijeta koje je povijesno postavljeno razvitkom proizvodnih snaga. Život tako nije određen nomenklaturom naših potreba, već ovisi i o konceptu tih potreba (upravo je koncept potreba, po mom mišljenju, ono u čemu je jugoslavenski socijalizam podbacio, oslonivši se na tržišnu privredu i hiperprodukciju virtualnih a ne stvarnih potreba pojedinca i kolektiva u socijalističkom društvu).

Polazeći tako od koncepta političkog, Richter promišlja konstrukciju kao ne samo kao arhitektonsko-tehnički, već i prostorni, plastični, pa i slikarski element. Zigurat, osnovna jedinica sinturbanističke prostorne organizacije, prema Richteru, omogućava efikasnu organizaciju života u socijalizmu kojeg vidi kao društveno kretanje koje omogućava harmoničan odnos između pojedinca i kolektiva.

Na tragu koncepta Sinturbanizma, ali i u dijalogu s cjelokupnim opusom Vjenceslava Richtera, kao i u dijalogu s prostorom u kojem je smještena zbirka, pa i zbirkom samom, nastaje projekt SintArt za čiji je postanak i projektnu dinamiku najzaslužnija voditeljica Zbirke Richter – Vesna Meštrić.

 

*Vesna Meštrić / foto: Damir Žižić

 

► Recite nam najprije nešto o samoj Zbirci, kako je nastala te zašto se danas nalazi upravo u Richterovoj kući na Vrhovcu?

Vesna Meštrić: Zbirka Richter, punim nazivom Zbirka Vjenceslava Richtera i Nade Kareš Richter donacija Grada Zagreba, nekadašnji je životni i radni prostor arhitekta i umjetnika Vjenceslava Richtera i njegove supruge u kojem su proveli cijeli život. Richter je 1956. godine projektirao, a 1957. izgradio jednokatnu obiteljsku vilu koja je bila L tlocrta i čiji je unutarnji i vanjski prostor u potpunosti oblikovan prema zahtjevima i potrebama njihovog profesionalnog i privatnog života.

Današnji tlocrt u osnovi četvrtastog oblika rezultat je nekoliko proširenja koja su uslijedila šezdesetih i sedamdesetih godina, no izvorna organizacija unutarnjeg prostora nije mijenjana. U prizemlju, a danas izložbenom prostoru, nekada se nalazio radni prostor, dok je prvi kat bio namijenjen stanovanju i ovaj ambijent unazad dvije godine posjetitelji mogu razgledati prilikom posjeta Zbirci. Sačuvana dokumentacija o izgradnji kuće pokazuje kako Richter već sredinom šezdesetih godina razmišlja o prenamjeni obiteljske kuće u javni prostor, i predlaže osnivanje centra za istraživanje EXAT-a i Novih tendencija, koje će može biti i poticaj u radu novim generacijama umjetnika i arhitekata. Ove ideje, Richter će vremenom staviti u “realnije okvire” (što je često pratilo i realizacije njegovih projekata) i 1980. godine supruga i on poklanjaju gradu Zagrebu obiteljsku kuću i umjetničke radove kako bi proširili kulturne sadržaje izvan gradskog središta, obogatili svakodnevni život sugrađana novim sadržajem u ovom dijelu grada, a poseban je naglasak bio na poticanje rada s mladim umjetnicima i lokalnom zajednicom. U to vrijeme u ovom dijelu grada kulturne točke bila su i  danas aktivna mjesta, Čitaonica i Galerija Vladimir Nazor Centar za kulturu i film “August Cesarec”,  te kino  “August Cesarec” koje je preuređeno u kazalište EXIT. U tom smislu Richterova donacija gradu Zagrebu i inicijativa o formiranju novog sadržaja bila itekako važna i vrijedna pažnje uzmemo li u obzir činjenicu kako tek unazad desetak godina pratimo oživljavanje kulturnih sadržaja u ovom dijelu grada godina u kojem danas između ostalih uspješno djeluju Lauba, Galerija Greta (nažalost, nije više aktivna u Ilici, op.aut.), Institut Tomislav Gotovac, koji obrađuje i promovira umjetničku ostavštinu multimedijskog umjetnika Tomislava Gotovca. Prema tome, na određen način otvorenje Zbirke Richter 2000., može se smatrati i početkom ostvarenja Richterove vizije o širenju kulturnih sadržaja izvan gradskog središta. Prenamjeni obiteljske vile u javni, muzejski prostor i otvaranju Zbirke za javnosti prethodile su godine intenzivne suradnje Richtera i kustosa Marijana Susovskog osamdesetih i devedesetih i kada je 1998. Grad Zagreb predao Zbirku na upravljanje Muzeju suvremene umjetnosti i u sljedeće dvije godine i uz podršku g. Veljka Mihalića, stručnog savjetnika za donacije Gradskog ureda za kulturu, prizemlje je preuređeno u izložbeni prostor u kojem je prezentiran stalni postav umjetničkih radova. Od 2000. dakle prizemlje kuće i park skultpura otvoren je za javnost i do kraja života Richter je proširivao donaciju novim umjetničkim radovima. To je zaista kratka priča o povijesti ove kuće, koja je vremenom postala Zbirka i čiji je prostor sačuvao posebnu stvaralačku energiju i atmosferu koja je danas poticajna ne samo umjetnicima, arhitektima, istraživačima, kustosima, nego i mnogim posjetiteljima.

 

*Zbirka Richter / foto: Saša Pjanić

*Zbirka Richter / foto: Vanja Šolin

 

► Kako je došlo do inicijacije projekta SintArt 2010. godine i što je prethodilo toj inicijativi?

Vesna Meštrić: Projekt SintArt je zapravo proizašao iz Richterovih ideja o otvorenosti ovog prostora eksperimentiranju, istraživanju u područjima arhitekture i vizualnih umjetnosti. U arhivu postoji jedan zanimljiv idejni nacrt kompleksa parka skulptura kojim je sredinom osamdesetih godina Richter predlagao izložbeni prostor na otvorenom, ukopan u zemlju i natkriven razvedenim šatorastim krovištem, u kojem bi se održavale izložbe mladih autora čiji je stvaralački interes vezan za nasljeđe EXAT-a, Novih tendencija i konstruktivne umjetnosti. Naime, nakon otvorenja Zbirke za javnost jedan od ključnih trenutaka bio je 2007. kada je Nada Kareš Richter poklonila rukopisnu građu, nacrte, skice, fotografije, stručnu biblioteku i time proširila donaciju iznimno važnom građom za istraživanja bogatog opusa V. Richtera i vremena u kojem je stvarao. Tako su sačuvani i projekti idejnih rješenja rekonstrukcije i prilagodbe obiteljske kuće u muzejski prostor, prijedlozi uređenja parka skulptura, ali i planovi o različitim aktivnostima Zbirke u kojima je Richter često naglašavao važnost suradnje s umjetnicima i otvorenost prostora novim izričajima. Na tom tragu projekt povremenih izložbi SintArt osmišljen je sa ciljem aktualizacije i interpretacije širokog područja Richterovog djelovanja kroz radove gostujućih umjetnika i umjetnica koji nastaju u procesu istraživanja određene teme prema vlastitom izboru.

 

*SintArt: Ivana Franke / foto: Ana Opalić

 

► Osim Vas, kustosi unutar projekta SintArt bili su i Leila Topić (rad Richterov pogled, umjetnici Tomislav Šmider i Bojan Gagić, 2013.), Jasna Jakšić (rad Mogući stupnjevi slobode, umjetnica Ivana Franke, 2015.; 2018. Maja Marković osmišljava Gradilište forme kroz istraživanje povijesti i forenziku osnovnih oblika koje Richter koristi), Snježana Pintarić (2010. godine, vidi u nastavku), Nataša Ivančević (rad Gravitacija, umjetnik Alem Korkut inspirirao se tzv. Richterovim gravitacijskim slikama, 2017.), Martina Munivrana (2015-2016. godine Duje Jurić, nadahnut skulpturom Triennalski signal, stvara u prostoru Zbirke fantastičan slikarski imerzivni totalni ambijent pod nazivom Nevidljiva prisutnost), dakle drugi djelatnici muzeja, ali i vanjski suradnici poput Une Popović, kustosice Muzeja savremene umetnosti u Beogradu (rad Man standing in a Museum looking at something, umjetnik Marko Tadić, 2017.) uskoro slijedi suradnja s mladim kustosom Lovrom Japundžićem…Kako biste opisali osnovne postavke kustoskog rada unutar projekta SintArt i odabir kustosa-suradnika?

Vesna Meštrić: U osnovi SintArta je umjetničko istraživanje i u tom procesu neizostavna je suradnja umjetnika / umjetnica i kustosa koja započinje početnim impulsom umjetnika, a nastavlja se u definiranju tematskog okvira istraživanja. Kustoski rad ostvaruje se u većem ili manjem intenzitetu u kontinuiranoj komunikaciji s autorom / autoricom tijekom procesa umjetničkog istraživanja koje vodi prema realizaciji rada. U tom trenutku važna je uloga kustosa u izboru radova Vjenceslava Richtera koji se dovode u dijalog sa site-specific instalacijom gostujućeg umjetnika / umjetnice. Od početka projekta smatrala sam važnim poticati i uključivati druge kustose u projekt koji su svojim pristupima i interpretacijama doprinijeli kvaliteti SintArt. Različiti su načini uspostavljanja suradnje, no najčešće kolegice i kolege kustosi predlažu gostujuće autore / autorice, ili pak jednostavno kroz razgovor s gostujućim umjetnikom odlučimo pozvati kustosa.

 

*SintArt: Duje Jurić / foto: Ana Opalić

 

► U više od 10 godina djelovanja, unutar SintArta radili su brojni umjetnici. Godine 2010., ujedno i prve godine to je bila grupa ABS, koja je ponovo dovela u funkciju boćarsko igralište ispred kuće; Božena K.Badurina u suradnji s arhitektom Seadom Nanićem osmislila je Mjesto bez zvuka, svojevrsnu gluhu komoru s prozirnim krovom koja bi trebala biti smještena na vrhu osnovne sinturbanističke jedinice – zigurata, Viktor Popović provokativno je citirao Platona (“Koji je neuk u geometriji, neka ne ulazi”) a Davor Sanvincenti a.k.a. Messmatic izveo je meditativni optički reljef. Dakle, prve godine imali smo jednu grupu i 3 umjetnika, dok su kasnija izdanja reducirana na produkciju rada jednog umjetnika ili jedne umjetnice, eventualno dva – što je razlog toj redukciji?

Vesna Meštrić: Danas kada s vremenskim odmakom promatram početak projekta, prva izložba prema kustoskoj koncepciji Snježane Pintarić pokazala je svu širinu i potencijal izbora tema u rasponu od arhitektonskih projekata, umjetničkih radova, teorijskih tekstova, pa sve do Zbirke kao kulturnog i povijesnog nasljeđa. Radovi gostujućih umjetnika Božene Končić Badurina, Davora Sanvincenti, Viktora Popović, Grupe ABS nastali istraživanjem Richterove ostavštine, pokazali su i uvijek zanimljivu raznovrsnost u izboru medija, od tradicionalnih tehnika do digitalnih tehnologija umjetničkih intervencija. Dobro ste primijetili kako je svako sljedeće izdanje SintArta imalo jednog umjetnicu ili umjetnicu i taj format se dugoročno pokazao odgovarajućim prilikom drugog izdanja SintArta u kojem je gostovao David Maljković. Iako je njegov rad Images with Their Own Shadows nastao ranije, smatrala sam važnim predstaviti ga u prostoru Zbirke, jer se bavi Richterovim nasljeđem i konačno sniman je u ovom ambijentu. Images With Their Own Shadows je filmska instalacija, međutim David je izložbeni prostor Zbirke Richter transformirao u site-specific instalaciju u kojoj su umjetnički radovi V. Richtera postali njen sastavni dio. Takav koncept SintArta, u kojem imamo jednog gostujućeg umjetnika za sada mislim da je dobar način, no nije nemoguće da će se u bližoj budućnosti razviti zanimljiva umjetnička suradnja između više autora.

 

*SintArt: David Maljković / foto: Ana Opalić

*SintArt: Maja Marković / foto: Ana Opalić

 

► Osvrnimo se na umjetničke radove koje ste Vi kurirali. Sljedeće, 2011. godine David Maljković inspirira se Richterovim Slikama s vlastitom sjenom te proizvodi rad istog naziva i oblikuje ga kao filmsku instalaciju. Potom, Silvio Vujičić inspirira se Richterovim djelom Moj misaoni prostor te oblikuje site-specific instalaciju Destrudo; 2017-2018. godine Ksenija Turčić stvara Procjepe, nadovezujući se na promišljanje prostora kao trodimenzionalne slike; 2019. Kristijan Kožul kreira Sisyphus Exalted. Excercising Repetition, svojevrstan utopijski (možda i distopijski) hibridni pejzaž biomorfnih objekata izrađenih od industrijskih materijala; 2019-2020 Toni Meštrović komponira 5 kompozicija koje slijede ritam, liniju i oblik odabranih skulptura pri čemu nastaje prostorno-zvučna instalacija 12.1 po Richteru; posljednji rad u nizu je Od odozgo do odozdo Ištvana Išta Huzjana, inspiriran njegovim rođakom vatrogascem Matijom Jovičićem Katedralcem…

Dakle, radi se o nizu vrlo kvalitetnih ali i vrlo raznolikih radova. Otkrijte nam neke tajne umjetničko-kustoskog dijaloga koji vode ka tako uspješnim i nipošto uniformnim produkcijama. Također, koja je sudbina tih umjetničkih radova koji nastaju u okviru projekta SintArt – ostaju li u fundusu MSU-a, imaju li svoj vlastiti život i neke daljnje razvojne trajektorije…?

Vesna Meštrić: I nakon više od deset godina, ovaj projekt i dalje mi je jednako zanimljiv, poticajan i uzbudljiv kao i na početku. Vjerojatno se tu događa jedinstven spoj stvaralačkog impulsa i kreativnog procesa, spoj izuzetno važan za daljnji razvoj istraživanja i procesa realizacije umjetničkog rada koji često traje dvije, pa čak i tri godine. U tom procesu, iz kustoske pozicije, osobito je zanimljivo pratiti kako se umjetnički rad razvija, vremenom mijenja i vi zapravo često ne znate kako će na kraju rad izgledati, ali imate kao kustos tu privilegiju pratiti stvaralački proces i sudjelovati u pojedinim njegovim fazama. Pojedini radovi dio su fundusa MSU, pojedini su na našoj otkupnoj listi, međutim, iako se na prvi pogled može činiti kako su neodvojivo vezani za ambijent Zbirke Richter, radovi Viktora Popovića, Davora Sanvincentija, Ivane Franke, Silvija Vujičića, Marka Tadića i Ištvana Išt Huzjana nerijetko su izlagani na domaćim i međunarodnim problemskim izložbama. Umjetnički rad Davida Maljkovića, iako nije nastao kao dio projekta SintArt, često je izlagan i nalazi se u zbirci Tate Moderna u Londonu.

 

*SintArt: Silvio Vujičić / foto: Damir Žižić

*SintArt: Kristijan Kožul / foto: Damir Žižić

*SintArt: Toni Meštrović / foto: Damir Žižić

*SintArt: Ištvan Išt Huzjan / foto: Damir Žižić

 

► Vratimo se još malo na Richtera samog i internacionalni odjek njegovog rada. Ako stavimo sa strane internacionalni naboj pokreta Nove tendencije, o 1964. godini kada Richter objavljuje svoj Sinturbanizam Reyner Banham npr. govori kao o “megayear”, godini u kojoj je promišljanje megastruktura širom svijeta doseglo vrhunac. Nadalje, Sinturbanizam je predstavljen, kako navode Vladimir Kulić i Maroje Mrduljaš, “na brojnim međunarodnim manifestacijama, na trima kontinentima i s obiju strana željezne zavjese”, ustanovljena je neprikosnovena veza s progresivnim snagama francuskog urbanizma… Promišljate li ili priželjkujete li neku internacionalnu suradnju koja bi reafirmirala Richterov značaj u globalnom kontekstu? Vidite li mogućnost i nekih gostovanja i rezidencija stranih umjetnika/ca koji bi stupali u dijalog s Richterovim nasljeđem?

Vesna Meštrić: U protekle četiri godine organizirano je nekoliko ključnih izložbi koje su revalorizirale Richterov arhitektonski i umjetnički opus, a tome su prethodila intenzivna arhivska istraživanja koja traju više od deset godina i u kojima su sudjelovali i teoretičari arhitekture i povjesničari umjetnosti. Jedan dio tih istraživanja objavljen je u publikaciji uz retrospektivu izložbu koja je održana 2017. u Muzeju suvremene umjetnosti (riječ je o opsežnom katalogu izložbe pod nazivom “Richter. Buntovnik s vizijom”, MSU, Zagreb, 2017., na koji višekratno referiramo i u ovom intervjuu, op.aut.).

Nakon Zagreba Richter je retrospektivnom predstavljen austrijskoj publici 2018. godine u Neue Galerie u Grazu. Nadalje, jedan od zanimljivijih projekata bila je izložba u belgijskom gradiću Wevelgemu, u nekadašnjem slavnom jugoslavenskom paviljonu kojeg je Richter projektirao za svjetsku izložbu u Briselu 1958. godine. Danas je taj paviljon prenamijenjen u školu i zaštićeno je kulturno dobro Belgije. I konačno, u godini koju je obilježila pandemija realizirana je u izložba V. Richtera u BOZAR-u koju sam pripremala u suradnji s kustosima Iwanom Strauwenom i Francelle Cane. Dio izložbe bio je posvećen suvremenosti Richterovih ideja, tako je između ostalog prikazan rad Marka Tadića Man standing in a Museum looking at something. I konačno sustavna istraživanja Richterovog opusa koja su proveli Maroje Mrduljaš i Vladimir Kulić imala su svoj vrhunac na izložbi Toward a Concrete Utopia Architecture in Yugoslavia, 1948–1980, u MoMA-i 2019. godine, gdje je izdvojena dionica posvećena Vjenceslavu Richteru prikazala izbor ključnih projekata, među kojima su bili jugoslavenski paviljoni za međunarodne sajmove, projekt Sinturbanizam i konačno Reljefometar, te tako i inventivnost njegovog stvaralaštva utemeljenog na sinteznom principu. Na toj izložbi uvršteni su radovi suvremenih autora i autorica koji se bave modernističkim idejama nekadašnjeg socijalističkog društva, tako je u Richterova dionica prikazan rad slovenske umjetnice Jasmine Cibic Nada 1 čiji je glavni motiv projekt jugoslavenskog paviljona za svjetsku izložbu u Briselu 1958. godine.

Prije nekoliko godina s kolegama u Italiji planirali smo izložbu kojom bi predstavili Richterovo stvaralaštvo ali i radove umjetnika ciklusa SintArta. Nadam kako će doći pravi trenutak i za taj projekt, važno je planirati, zar ne? Jednako tako, postupno pokušavam uključiti strane umjetnike/umjetnice u SintArt, i zapravo jedna od prvih realiziranih suradnji je upravo prošlogodišnja izložba slovenskog umjetnika Ištvana Išt Huzjana. Naravno, u umjetničkim istraživanjima jezična barijera nije nužno ograničavajući faktor i uloga kustosa tu može biti od velike pomoći. Takvi projekti mogu biti kompleksniji za realizaciju, i to je jedan od novih izazova, kao što je svake godine izazovno s nedostatnim budžetom realizirati uspješne projekte. Unazad dvije godine planirana je u suradnji s talijanskim partnerima izložba Francesce Pasquali, i vjerujem kada se prilike stabiliziraju da ćemo uspjeti realizirati njezino sudjelovanje u projektu SintArt.

 

*SintArt: Marko Tadić / foto: Damir Žižić

*Zbirka Richter, interijer / foto: Saša Pjanić

 

► Richter je adaptirao niz zagrebačkih gradskih lokala: knjižare “Naprijed” (1958/59) i “Znanje” (1965), Knjižnicu i čitaonicu “Bogdan Ogrizović” (1961), Centar za kulturu i informacije (1966) i Galeriju “Forum” (1968), prodavaonicu “Jugoton” (1964), poslovne prostore “Jadrolinije” i “Astre” (1969)…Uz iznimku Centra za kulturu i informacije (danas Kulturno-informativni centar) i pokušaja reafirmacije, ovi prostori izbrisani su ne samo iz gradskog tkiva već i sjećanja grada…Mislite li da je moguće uspostaviti i tu vrstu dijaloga s Richterovim nasljeđem, upućujući mlade umjetnike, dizajnere i arhitekte na tu potisnutu kulturu oblikovanja gradskih lokala?

Vesna Meštrić: Prostore koje navodite danas su nam poznati iz fotografija i zaista je nevjerojatno koliko smo spremni dozvoliti da ambijenti iz naše bliže povijesti jednostavno nestanu. S druge strane, mislim ne da je moguće, već da je nužno nove generacije umjetnika, arhitekata, dizajnera poučavati o modernističkoj baštini koja je obilježila vizure i ambijente našeg grada u polovici 20. st. i u tome sasvim sigurno ključnu ulogu imaju obrazovne institucije. Tu vidim veliki potencijal kroz projekte suradnje između muzeja, fakulteta i strukovnih udruženja.

 

*interijer knjižare Naprijed, 1958.

*interijer Knjižnice Bogdana Ogrizovića, 1961.

*interijer prodavaonice Jugoton, 1964.

 

► U svom osvrtu na postignuća SintArta, Leila Topić citira Ješu Denegrija koji upućuje na fatalne posljedice “nedostatka intenzivnijih i izravnijih dodira s pokretima historijskih avangardi”. Postoji li interes za suradnju sa zagrebačkim institucijama kao što su Arhitektonski fakultet , Akademija likovnih umjetnosti, Škola primijenjenih umjetnosti…? Je li moguće zamisliti suradnju s akademijama, školama i fakultetima u Splitu, Rijeci ili Puli, ili čak internacionalnu suradnju s obrazovnim institucijama? Kakvi su potencijali Richterova nasljeđa u odnosu na obrazovanje ka sintezi prostornog, likovnog i političkog?

Vesna Meštrić: Unazad nekoliko godina kroz različite projekte ostvarujemo suradnje sa Školom primijenjene umjetnosti i dizajna, Akademijom likovnih umjetnosti, Tekstilno tehnološkim fakultetom, Studijem dizajna, kroz seminarsku nastavu, predavanja, radionice. Jedan od zapaženijih projekata bio je povezivanje Škole primijenjene umjetnosti i dizajna i Akademije likovnih umjetnosti u kojoj su studenti ALU održavali praksu u Zbirci Richter održavajući nastavu učenicima ŠPUD-a, koristeći Richterovo stvaralaštvo kao polazište. Prije nekoliko godina u Zbirci Richter održavani su nastavni sati povijesti, matematike, engleskog jezika i naravno likovne kulture za osnovne škole, međutim za takav oblik suradnje u kojem se Richterovo stvaralaštvo koristi za određenu nastavnu jedinicu potrebna dodatna priprema nastavnika. Pandemija nam je dovela studente arhitekture i kolegij Radionice arhitektonskog projektiranja 3 koji se pod mentorstvom Idis Turata održava već drugi semestar, a vjerujem da će se i nastaviti. I konačno smatram kako je važno poticati umrežavanje i u tome vidim mogućnost i potencijal suradnje na nacionalnoj i međunarodnoj razini: s obrazovnim institucijama.

 

*radionice ŠPUD-a u Zbirci Richter

*Zbirka Richter / foto: Saša Pjanić

 

 

 

Razgovarala: Sonja Leboš / tekstove ove autorice za Vizkulturu potražite na linku

 

 

Zahvaljujemo Vesni Meštrić na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Dijalozi s baštinom koja je obilježila stoljeće appeared first on vizkultura.hr.

Ulazak u doba promjena

$
0
0

Jedna od značajnijih domaćih fotografkinja današnjice Sandra Vitaljić nedavno je napustila mjesto profesorice iz područja umjetničke fotografije na preddiplomskom i poslijediplomskom studiju snimanja Akademije dramske umjetnosti u Zagrebu i preselila se u Stockholm. Kretanje, život, rad i istraživanje u drugim zemljama za nju nisu novost. Sandra je diplomirala, magistrirala i doktorirala na čuvenom Fakultetu za film i televiziju (FAMU) u Pragu te svoja znanja više od 15 godina prenosila mladim generacijama. U svom radu usredotočena je na socijalna pitanja i bavi se temama obiteljskog nasilja, kolektivnog pamćenja i konstrukcijama nacionalnog identiteta. U teorijskom i kustoskom radu propituje fotografiju sukoba i etiku fotografskog prikazivanja koji akcent stavlja na ulogu fotografa u suvremenom društvu danas. Povod našem razgovoru Sandrina je aktualna izložba I Just Greet Back u Galeriji Spot u Zagrebu, u kojoj prenosi iskustva iz svog švedskog života, svakodnevice koju oblikuje susret s migrantkinjama s kojima dijeli sličnu poziciju.

 

*Sandra Vitaljić / foto: Ana Šolić

 

► Zagrebačkoj publici upravo se predstavljate izložbom I Just Greet Back u Galeriji Spot. U toj seriji fotografija bavite se temom migracija, ali iz nešto drugačijeg ugla – umjesto politiziranih narativa koji se fokusiraju na tragične događaje i dehumanizaciju izbjeglica, ovdje ulazite u dijalog s onima koji odlaze vlastitim izborom.

Sandra Vitaljić: Moj rad I Just Greet Back inspiriran je vlastitim iskustvom i počela sam raditi na njemu nedugo nakon što sam s obitelji preselila u Švedsku. Odjednom sam shvatila da sam postala imigrantica i da se i na mene odnose svi stereotipi vezani za taj pojam. Konotacije pojma imigrant isključivo su negativne. U našoj regiji koja ima dugu tradiciju iseljavanja, termin koji koristimo je gastarbajter. U zapadnoeuropskim zemljama to je imigrant ili novije, migrant. Postala sam svjesna koliko je ta pozicija imigrantice ranjiva i nestabilna i koliko utječe na vlastito poimanje sebe i koliko određuje reakciju okoline. Svoju sam poziciju željela istražiti u kontekstu opće društvene situacije i tako sam počela prikupljati iskustva žena različitog porijekla koje su, kao i ja, doselile u Švedsku. Činilo mi se važnim zabilježiti te sasvim obične, ponekad čak i banalne priče o svakodnevnim borbama za dostojanstvo u novoj sredini. Te priče reflektiraju situaciju u društvu i kako tržište rada tretira imigrantice, ali i psihološke i kulturološke barijere u nama samima. Razbija i konstruiranu sliku Švedske kao “obećane zemlje” u kojoj su prava i mogućnosti jednaka za sve. Moj rad nije priča samo o imigranticama u Švedskoj već univerzalna priča. Možda se zakonske regulative razlikuju od zemlje do zemlje, ali je reakcija društva uvijek slična pa tako i iskustva imigranata.

 

*”I Just Greet Back”

 

► U okviru izložbe izložen je i rječnik osnovnih pojmova koji se vežu uz određene poslove (npr. čišćenje) ili zanimanja, kao i narativi žene imigrantica koje ostaju anonimne. Možete li nam reći nešto više o fotografskom pristupu i dijalogu teksta i predstavljenih prizora?

Sandra Vitaljić: Odluka koju sam u samom početku rada donijela bila je da neću portretirati žene s kojima razgovaram. Ponudila sam im potpunu anonimnost, ne navodim njihova imena niti dob. U nekim se tekstovima samo spominje zemlja iz koje dolaze ako je važno za razumijevanje konteksta.  Na taj sam način željela pažnju potpuno usmjeriti na ono o čemu govore bez da gledatelju pružim vizualnu podlogu da procjenjuju njihov izgled, imovinsko stanje i slično. Činilo mi se da čak i navođenje imena može ponuditi prostor za stereotipizaciju. Fotografije koje izlažem moj su vizualni dnevnik imigrantskog iskustva. U njima možete naći vizualne tragove onoga što se nalazi i u tekstovima – usamljenost, isključenost, nadu, radoznalost…Fotografije i tekstovi čine zajedno kolektivni dnevnik.

Rječnik koji predstavljam također je element koji govori o društvu iz pozicije tržišta rada. Navedene su riječi koje imigrantice prve uče kroz zanimanja namijenjena većinom njima. To su, bez obzira na obrazovanje s kojim dolaze, čistačica, njegovateljica, niža medicinska sestra. itd. Uz njih navodim rječnik koji je bio potreban meni kao umjetnici i u njemu se krije i društveni komentar.

Još jedan element koji koristim je herbarij. Prikupljala sam samoniklo bilje u svojoj okolini pokušavajući istražiti i upoznati svoje novo okruženje. Promatrala sam pejzaž, svjetlo, floru i faunu u jednakoj mjeri u kojoj sam pokušavala shvatiti društvo u koje sam došla.

Na neki način mi je to davalo osjećaj kontrole i moći jer je ta pozicija imigrantice izuzetno ranjiva. Postala sam ona koja istražuje i proučava, a ne ona koja čeka da bude prihvaćena.  Osim lokalnih biljaka u herbariju se nalaze i tzv. invazivne vrste npr. Lupinus Polyphyllus (Vučika). Jezik botanike zanimljiv je ako o njemu razmišljamo i izvan kategorizacije biljaka –  invazivne vrste koje su prijetnja autohtonim vrstama. Prikupljeni primjerci vrlo su nježni i krhki, a umjesto tekstualne klasifikacije biljaka  uz njih se nalaze ključne riječi imigrantskog iskustva prikupljene od žena s kojima sam razgovarala. To je bio pokušaj da se klasificira i sumira iskustvo i emocije s njim povezane.

 

*”I Just Greet Back”

 

► I sami ste se tijekom života kretali, od studija u Pragu, preko boravka na Fullbrightovoj stipendiji u Rochesteru, profesorskog posla na ADU u Zagrebu, a sada ste u Stockholmu. Kako gledate na mobilnost i migracije danas?

Sandra Vitaljić: Tijekom svog života, boravila sam u raznim zemljama kraće ili dulje vrijeme pa sam znala otprilike što me čeka, iako je situacija u kojoj sam odabrala graditi život u drugoj zemlji posve jedinstvena. Putovanja i upoznavanje različitih kultura za mene su uvijek bila imperativ i put osobnog razvoja, još od kad sam iz rodne Pule krenula na studij u Prag. Mobilnost je od pamtivijeka bila temelj razmjena informacija i znanja i pokretač društvenih promjena. Zato mi je posebno bolno i zabrinjavajuće ovo pandemijsko vrijeme u kojem je ta mobilnost naprasno zaustavljena. Naravno, zahvaljujući internetu razmjena informacija nije zaustavljena, međutim direktan ljudski kontakt jest; i tek ćemo vidjeti dugoročne posljedice “novog normalnog”.

Iako se u svom radu bavim iskustvima imigrantica koje su vlastitom voljom ili spletom životnih okolnosti odlučile živjeti u drugoj zemlji i u tome više-manje uspjele, vrlo sam svjesna strašnih sudbina svih onih kojima je pravo na kretanje uskraćeno i koji su u ovom trenutku zarobljeni na neodređeno vrijeme u limbu balkanskih ili drugih svjetskih distopija.

Oni su reducirani na tijela koja se doživljavaju isključivo kao prijetnja. Za razliku od tih muškaraca, žena i djece kojima je oduzeto pravo na ljudskost i koje kao divlje zvijeri progoni, ozljeđuje, ubija i ilegalno vraća odakle su došli hrvatska policija, imigranti koji stižu na svoje odredište, u neusporedivo su boljoj i privilegiranoj poziciji. Međutim i oni nisu osobe već postaju dio kolektivnog nediferenciranog tijela pod nazivom imigranti.

 

*”I Just Greet Back”

 

► Možemo li, kada govorimo o migracijama, govoriti o povijesti isključivanja?

Sandra Vitaljić: Apsolutno! Bilo mi je vrlo zanimljivo pročitati knjigu švedske novinarke, spisateljice i aktivistkinje Alexandre Pascalidou koja je kao dijete, sredinom 70-tih emigrirala s obitelji u Švedsku. U svojoj autobiografiji Bortom mammas gata opisuje svoj put od grčke djevojčice koja je morala lagati da ih je otac napustio kako bi obitelj imala više šanse dobiti dozvolu boravka, preko pohađanja elitne gimnazije u kojoj je svojim, većinom švedskim, privilegiranim kolegama lagala kako joj tata radi kao vozač autobusa jer je to zvučalo bolje nego čistač, pa sve do pozicije omiljene i utjecajne televizijske voditeljice koja je mijenjala sliku imigranata u švedskom društvu što je uzrokovalo napade i prijetnje švedskih neo-nacista zbog koji je u konačnici i izgubila posao umjesto da je dobila podršku i zaštitu. Iz te sam knjige imala priliku imati uvid o poziciju imigranata u Švedskoj u 80-tima. Mislim da je situacija danas mnogo bolja, a društvena svijest na višoj razini, međutim prisutan je i porast nezadovoljstva politikom imigracije u švedskom društvu i na pomolu je izglasavanje novog, mnogo restriktivnijeg zakona koji će znatno otežati regulaciju statusa za izbjeglice i tražitelje azila u Švedskoj. Istovremeno, u Švedskoj sam upoznala veliki broj Šveđana koji su u vlastite domove primili izbjeglice iz Sirije ili svojim volonterskim radu pomažu u integraciji imigranata. I sama sam sudjelovala u nekoliko programa i upoznala divne ljude koji nastoje pomoći.

 

► U Klovićevim dvorima ste 2013. imali samostalnu izložbu naziva Voljena u čijem se fokusu nalazi tema viktimizacije žena i ženskog tijela. Povjesničarka umjetnosti Leonida Kovač je za vašu fotografsku izvedbu rekla da se “fokusira na kulturalnu uporabu, ili preciznije, estetizaciju i diskurzivnu diseminaciju mrtvog ženskog tijela kao posljedice seksualno motiviranog zločina”. Možete li nam nešto više reći o ovom projektu?

Sandra Vitaljić: Rad Voljena nastao je nakon dugogodišnjeg prikupljanja novinskih članaka i policijskih izvješća o ubojstvima u partnerskim vezama, ali i kao potreba da iza sebe ostavim vlastito iskustvo. Centralna ideja rada je potreba za posjedovanjem koja generira svođenje voljene osobe na objekt. Zato su dijelovi tijela sa smrtonosnim ranama prezentirani kao dragocjeni objekti u galerijskom prostoru. Rad je do sada izlagan u Italiji, Bangladešu, Americi, Njemačkoj i Sloveniji i svagdje je izazvao pažnju publike jer je femicid prisutan u velikom broju u svim sredinama. Prisutan je čak i u Švedskoj, što zaista nisam očekivala s obzirom na visoku razinu društvene svijesti i rodne jednakosti u toj zemlji. Pandemija i zatvaranje u vlastite domove dodatno je uzrokovalo porast obiteljskog nasilja svagdje u svijetu a pomoć žrtvama je onemogućena zbog situacije.

 

*”Voljena”

 

► Ovu temu razvijate već dugi niz godina, a prošle ste godine u Galeriji Spot, u okviru projekta Arhivi umjetnica na mreži, govorili o reprezentaciji nasilja nad ženama, kao i etičkim pitanjima koja se nameću u radu s ranjivim skupinama. Na vašem Instagram profilu skrećete pažnju na femicid – navodeći podatke koliko je žena ubijeno u partnerskim vezama (npr. u Švedskoj). Pitanje je i dalje aktualno. Kako je izgledala radionica i nastavljate li raditi na ovoj seriji?

Sandra Vitaljić: Radionica se bavila temom etike fotografske reprezentacije i stremi podizanju vizualne pismenosti koju smatram ključnom za razumijevanje sveprisutne poplave slika. Etika fotografske reprezentacije tema je koja me zaokuplja niz godina još od bavljenje istraživanjem o ratnoj fotografiji. Danas i vlastitu umjetničku praksu promatram kroz prizmu etičnosti i društvene odgovornosti. Smatram da su i fotografi i umjetnici generalno često benevolentni prema svojim umjetničkim postupcima i izborima smatrajući da je umjetnost i dobra namjera ono što ih amnestira od odgovornosti prema temi i subjektu/objektu. Pitanja vezana za etiku reprezentacije i umjetničke prakse nisu ni popularna ni laka za odgovaranje i često je nemoguće naći jednoznačan odgovor. Međutim, mislim da je izuzetno važno postavljati ova pitanja i diskutirati o ovoj temi.

 

► Vaše fotografije bile su dio postava izložbe Prirodne povijesti. Tragovi političkog (Natural Histories. Traces of the Political), koja se 2017. godine održala u bečkom mumok-u (Museum Moderner Kunst). Tom prilikom predstavili ste četiri fotografije koje pripadaju dugogodišnjem projektu Neplodna tla. Možete li reći nešto više o tim krajolicima kao mjestima koja su svjedočila traumatičnim događajima i povijesnim ratnim zločinima?

Sandra Vitaljić: Neplodna tla je rad koji se bavi mjestima koja su imala važnu ulogu u povijesti Hrvatske i cijele regije. Problematizira odnos prema povijesti i pravo na mjesto u kolektivnom sjećanju. Neke su lokacije imale važno mjesto u kolektivnom sjećanju do 90-tih, a nakon toga se njihov status promijenio. Spomenici su uništavani, odnos prema događajima koje su obilježavali i komemorirali se promijenio. Istovremeno su neka druga mjesta postala važna. Huškački govori tijekom ratnih godina rado su se pozivali na prošle žrtve i obilato koristile povijesne traume za mobilizaciju i opravdanje svojih zločina. Zato sam imala potrebu posjetiti ta mjesta i pokušati sagledati samo mjesto, očišćeno od medijskih interpretacija. Vrlo važan aspekt rada je i otvaranje prostora sjećanja unutar prostora fotografije za sve one žrtve koje možda nikada neće dobiti mjesto u kolektivnom sjećanju i nikada spomen ploča možda neće trajno obilježavati mjesto na kojem su stradali. Takvo mjesto je primjerice Adolfovac na Sljemenu, mjesto smaknuća Aleksandre i Marije Zec ili lokacije u Sisku na kojima su mučeni, ubijani i u Savu bacani civili srpske nacionalnosti.

 

*”Neplodna tla” (Sisak)

*”Neplodna tla” (Adolfovac)

 

► Možemo li u tom kontekstu govoriti o geotraumi?

Sandra Vitaljić: Da, možemo govoriti o geotraumi kao centralnom motivu ovog rada jer se on bavi prostorom traume, društvenim odnosom prema tim mjestima i traumom na kolektivnom, a ne individualnom nivou.

 

► Dosad ste objavili tri knjige: Neplodna tla, Rat slikama. Suvremena ratna fotografija i Up Close and Personal: War in Croatia. Knjigu Rat slikama – suvremena ratna fotografija (objavljenu 2013.) čini analitički tekst, vaš praški doktorat koji je za ovu priliku prerađen, a dodani su i ekskluzivni intervjui s desetak istaknutih ratnih fotografa. Na koji ste način problematizirali reprezentaciju prizora s ratišta?

Sandra Vitaljić: Knjiga Rat slikama. Suvremena ratna fotografija bavi se čitavim nizom tema vezanih za ratnu fotografiju, od pitanja propagande i konstrukcije pozitivne slike rata kroz fotografije vojnika/heroja, trofejnih fotografija, etike foto-žurnalizma, cirkulacije slika i konstrukcije Drugog kroz njih, pa sve do ratnih fotografija koji svoje mjesto nalaze u galerijama  te se mogu promatrati kao estetizacija i komodifikacija patnje.

 

*”Neplodna tla” (Bučje)

*”Neplodna tla” (Jasenovac)

*”Neplodna tla” (Ključ Brdovečki)

 

► Kad govorimo o dokumentarnoj fotografiji, dekan na International Center of Photography School Fred Ritchin fotografe budućnosti vidi kao “komunikatore” koji bi trebali biti povezani s mnoštvom medija, i kao primatelji i kao proizvođači, pri čemu smatra da komunikacija postaje važnija nego singularnost fotografske vizije. Kako vi vidite ulogu dokumentarne fotografije danas?

Sandra Vitaljić: Za mene je ključan pomak prema doživljaju fotografa kao autora koji putem fotografija iznosi svoju informiranu interpretaciju događaja za razliku od ranije percepcije foto-reportera kao nezavisnog svjedoka. Smatram da je svaki autor određen nizom kulturoloških i osobnih faktora te da je reprezentacija događaja nužno njima određena. Činjenicu da vrlo visoki postotak foto-reportera u najutjecajnijim svjetskim medijima još uvijek čine bijeli muškarci iz zapadno-europskih zemalja treba uziti u obzir kada razmišljamo o tome koji su događaji i na koji način reprezentirani.

Općenito, posljednje dvije-tri godine porasla je svjesnost o nejednakosti, rasizmu i mizoginiji i u svijetu fotografije. Moji interesi trenutno su usmjereni na dekolonizaciju muzeja i umjetničkog svijeta općenito, pa tako i fotografije i fotografske povijesti. Želim gledati fotografiju i  slušati što imaju reći autorice i autori izvan svjetskih centara moći i utjecaja i oni koji govore vizualnim jezikom izvan dominantnih trendova. Isto tako želim da se omogući pristup umjetničkoj edukaciji i institucijama ljudima izvan privilegiranog kruga. Nadam se da smo nepovratno zagazili u vrijeme promjena.

 

*Sandra Vitaljić / foto: Ivana Tomanović

 

 

Razgovarala: Maja Broun / tekstove ove autorice za Vizkulturu potražite na linku.

 

 

Zahvaljujemo Sandri Vitaljić na ustupljenim vizualnim materijalima.

Izložba I Just Greet Back u Galeriji Spot u Zagrebu otvorena je do 23. srpnja (link).

 

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Ulazak u doba promjena appeared first on vizkultura.hr.

Poticanje kreativnosti u menadžmentu u kulturi

$
0
0

Razgovaramo s dizajnerom Markom Bausom o poziciji dizajna u Hrvatskoj danas, o njegovom profesionalnom iskustvu, kao i o upravo otvorenoj izložbi plakata njegovih studenata kulturnog menadžmenta pri Katedri za menadžment i produkciju u kulturi na Poslovnom veleučilištu Zagreb.

 

*Marko Baus

 

► Diplomirani ste dizajner jedne od prvih generacija zagrebačkog Studija dizajna pri Arhitektonskom fakultetu. Što mislite o statusu dizajnera danas u hrvatskom gospodarstvu?

Marko Baus: Danas je, u mnogim segmentima, situacija daleko bolja nego devedesetih kada su prve generacije diplomiranih dizajnera izlazile na tržište. Struka je etablirana, s više manje jasnom ulogom u proizvodnom procesu. Također, jasnije je cjenovno pozicionirana. Danas kolege ne moraju s klijentima prolaziti zamorne razgovore o svrsishodnosti i vrijednosti dizajna. S druge strane, danas je tržište zasićenije i pretpostavljam da se daleko teže etablirati nego prije dvadesetak godina kada smo bili pioniri struke.

 

*Izložba završnih studentskih radova iz kolegija Vizualnog identiteta na Poslovnom veleučilištu Zagreb

 

► Prije desetak godina ste s kolegom Igorom Stanišljevićem pobijedili na natječaju za vizualni identitet grada Pule, koji je kasnije dobio i međunarodne nagrade. Je li taj identitet zaživio i koliko on znači u građenju imidža grada?

Marko Baus: Projekt je zaživio u onoj domeni u kojoj je bio i planiran, kao turistički brend grada. U tom smislu je i dalje, u gotovo izvornom obliku, prisutan u turističkoj promociji destinacije. Ono što se nije dogodilo, a potajno smo priželjkivali je total dizajn destinacije. Više je razloga za to, ali je ključno da društvene zajednice, u odnosu na poslovne, drugačije reagiraju prema identitetu. Brendiranje je korporativna metoda, i kao takva zahtijeva značajnu prilagodbu kako bi se mogla primijeniti na destinacije. Tu je prije svega mislim na demokratičnost procesa.

 

► U posljednje vrijeme ste se orijentirali na poslove dizajnerskog konzultanta. Na kakvim projektima radite?

Marko Baus: Mislim da je to neka prirodna evolucija struke, gdje znanje i iskustvo transformiraju ponudu prema više strateškim oblicima promišljanja. U zadnje vrijeme sam uglavnom involviran u raznim razvojnim projektima u smislu operativnih planova razvoja turizma, marketinških strategija ili brendiranju destinacija. S druge strane vodim nekoliko startupova, od kojih je jedan u fazi komercijalizacije.

Jednom kada se apsolviraju osnovni principi dizajna moguće ih je primjeniti u raznim područjima, i to je ono što, za mene, dizajn čini jedinstvenom strukom.

 

*Izložba završnih studentskih radova iz kolegija Vizualnog identiteta na Poslovnom veleučilištu Zagreb

 

► Na Poslovnom veleučilištu Zagreb već trećoj generaciji studenata Kulturnog menadžmenta predajete kolegij Vizualni identitet projekta. Kako ste koncipirali nastavu, obzirom da se ne obraćate budućim dizajnerima?

Marko Baus: Pa, za početak, otkrio sam da me podučavanje zanima i da uživam u tome. Što se tiče nastave, s obzirom na to da nije namijenjena profesionalnim dizajnerima, koncipiranja je kao jedna vrsta team buldinga i samorazvoja. Studeniti se na lagan i zabavan način stavljaju u kontekst preispitivanja vlastite kreativnosti te se kroz niz vježbi vode prema artikuliranom vizalnom izražavanju. Velika pažnja je stavljena na proces, kojim se potiču stvaranje emotivne angažiranosti, autorefleksija i eksperimentiranje, kojim se pojedinačno i timski dostižu nivoi kvalitete za koje, većina studenata, nije vjerovala da ih ima.

 

*Izložba završnih studentskih radova iz kolegija Vizualnog identiteta na Poslovnom veleučilištu Zagreb

 

► Upravo ovih dana je otvorena izložba završnih studentskih radova – plakata koji su rezultat vježbi na vašem kolegiju. Kako kod studenata s vjerojatno različitim i ograničenim dizajnerskim predznanjem potičete kreativnost?

Marko Baus: U poznatoj zgradi POUZ-a, inače sjedištu Veleučilišta, u galeriji Bernardo Bernardi 5. srpnja je otvorena izložba završnih studentskih radova iz kolegija Vizualnog identiteta, uz projekciju filma iz kolegija Audio-vizualna produkcija. Na izložbi se (do kraja srpnja) mogu vidjeti vrlo interesantni radovi ove generacije. Pozivam Vaše čitatelje da je pogledaju. Kreativnost nam je svima imanentna, ono što je zabavno je potaknuti studente da se oslobode i upuste u stvaranje vizualnih djela. U tome koristimo najjednostavnije alate. Sve vježbe na kolegiju je moguće izvesti u Power Pointu. Počinje se od vježbi osnova kompozicije, te se uz malo teorije i dosta prakse, kompleksnost djela podiže do završnog projekta – plakata.

 

Za više informacija o studiju Menadžmenta i produkcije u kulturi kliknite na poveznicu: www.kulturameansbusiness.hr

 

The post <font size="2,1">Poticanje kreativnosti u menadžmentu u kulturi</font> appeared first on vizkultura.hr.

Sve kreće od ideje

$
0
0

Braća Milivoj i Veljko Popović značajni su autori domaćeg animiranog filma, a ističu se iznimnom produktivnošću, visokom dotjeranošću filmova, prisutnošću na međunarodnoj sceni, kolaboracijama s brojnim drugim umjetnicima, te angažmanom u edukativnoj sferi animacije. Obojica dolaze s akademija, Veljko je diplomirao na Slikarskom odsjeku Akademije likovnih umjetnosti u Zagrebu, Milivoj na Kiparskom odjelu Akademije likovnih umjetnosti u Splitu, a spojio ih je svijet animiranog filma. Suprotno potrebi da se sreća u ovoj financijski i tehnički zahtjevnoj niši potraži drugdje, u Zagrebu ili izvan granica Hrvatske, Popovići su ostali u Splitu živjeti i djelovati, te kroz brojne kolaboracije animirati lokalnu umjetničku zajednicu. Osnivači su studija za 2D i 3D grafiku i animaciju Lemonade 3d koji je kasnije postao Prime Render Studios. Njihovi filmovi su univerzalni po temi, napravljeni na tehnički visokoj izvedbenoj razini, te se vrlo često napajaju iz mediteranskog bazena uz koji su autorski silno vezani. Od svog prvijenca „Ona koja mjeri“ prisutni su na domaćim i stranim festivalima, pa je prateći njihov rad vidljivo kako grade specifičan stil, napreduju, ispituju različite forme i mogućnosti animacije i ne boje se eksperimenta.

Njihov posljednji film Dislocations – koji se bavi temom migracije, dislokacije i pitanjem identiteta – prikazan je na Annecyju, jednom od najvećih svjetskih festivala animiranog filma. Radi se o specifičnom, gotovo galerijskom VR iskustvu, kombinaciji 2D i 3D animacije. S braćom Popović razgovarali smo kako je spomenuti film prošao na tom festivalu, ali i kako izgleda realizacija animiranog filma s kreativne, kolaborativne i financijske strane, što im je inspiracija, koliko je aktivizma prisutno u njihovom radu, te  o fenomenu animiranog filma u Hrvatskoj koji je izbacio brojna značajna imena, filmske naslove i dočekao priznanja na mnogim festivalima.

 

*Veljko i Milivoj Popović

 

Pandemijska situacija nakratko je odgodila prikazivanje vašeg posljednjeg uratka Dislocation koji je napravljen u hrvatsko – francuskoj koprodukciji s Bagan Filmsom, no čini se kako je film ipak našao svoj put do publike, ponajviše zahvaljujući 45. međunarodnom festivalu animiranog filma u Annecyju gdje je prikazan u konkurenciji VR radova. Kakvo vam je bilo iskustvo na tom festivalu i kako je publika reagirala na vaš novi uradak?

Milivoj Popović: Veselili smo se kakvom-takvom povratku u normalu kada su festivali u pitanju, a posebno kada se radi o Annecyju, jednom od najvećih svjetskih festivala. Iako nije bio u punom izdanju zbog pandemijskih ograničenja, biti na tom festivalu, a pogotovo u službenoj konkurenciji, jedinstveno je iskustvo. Publika u Annecyju mi je jedna od najdražih, nikada nisu pasivni, poštuju animaciju i  projekcijske sale su uvijek pune! Naravno, stvar je malo drugačija kada je u pitanju VR film. To je intimno iskustvo koje predstavljate gledateljima pojedinačno. Iskreno, možemo reći da je ovo prvi puta da smo vidjeli ljude kako plaču nakon gledanja našeg filma. To nas je jako dirnulo jer nam je najveća želja i misao kod rađenja ovog filma bila upravo ta emotivna komponenta, povezivanje gledatelja s emocijom, osjećajem izbjegličke krize. Ponekad je teško ljude maknuti iznad tehnološkog začuđenja i noviteta koji je prisutan u mediju VR-a, uvesti ih u priču i iskustvo, pa nam je bilo izrazito drago vidjeti da smo to ipak uspjeli. Osim festivalskog dijela, Annecy je bila izvanredna prilika da se ponovno sretnemo uživo s našim partnerima i predstavimo im nove projekte na kojima radimo.

 

*”Dislocation”

 

U filmu surađujete s plesačem Alenom Čelićem, te koreografkinjom Nikolinom Dolfić. Prateći vaše radove primjetno je kako imate širok krug suradnika i kako ih pomno birate. Koliko su vam važni suradnici, kako ih odabirete i koliko je općenito suradnički element važan u izradi animiranog filma?

Veljko Popović: Suradnici su nam, naravno, iznimno važni. Izrada filma je timski posao, a njegov konačni izgled uvelike ovisi o kemiji i suradnji svih umjetnika uključenih u projekt. Često će upravo naše suradnje s vanjskim suradnicima uvelike odrediti smjer pojedinog projekta. Upravo je taj eksperiment i svježe ideje ono zbog čega volimo raditi s novim ljudima i novim suradnicima. Također, koristimo naše projekte da uđemo u suradnje s dragim ljudima i kolegama koje cijenimo, jer naši životi su produkcija i rad na projektima. Gotov film, premijere i prikazivanja traju samo trenutak, a onda smo opet nazad u studiju okruženi upravo našim suradnicima.

 

*”Dislocation” (instalacija)

 

Što se tiče vaše bratske suradnje, često spominjete kako se dobro slažete, nadopunjujete, što je osnova vaše uspješne karijere. Zanimalo bi me u čemu se braća Popović razlikuju, razilaze, pa onda kroz to posljedično i nadopunjavaju? Što je snaga jednog, a što drugog?

Veljko Popović: Naravno, često postoje kreativne razmirice i propitivanja koja rezultiraju dugotrajnim filozofskim raspravama, a ponekad završe s temperamentnim mahanjem ruku i neartikuliranim povicima. Veliki dio našeg rada u studiju događa se u onom prostoru između radnog stola i kuhinje, takoreći „u prolazu“, gdje filozofiramo i raspravljamo. U konačnici, tada se naše ideje stavljaju na kušnju, a kao rezultat tih rasprava imamo kvalitetniji projekt. U posljednje vrijeme najčešće se razilazimo u tome što ja picigin držim za savršenu razbibrigu, dok on favorizira, zamislite: basket!

 

U animiranom filmu velik je naglasak na tehnologiji, poznavanju kompleksnih načina koji vode do jednostavnog rješenja. Možete li reći kako iz te perspektive, kada radite na animiranom filmu, pristupate narativu, kako gradite priču? U kojoj je mjeri gradnja priče u animiranom filmu drugačija u odnosu na igrani film?

Milivoj Popović: Sve kreće od ideje. U srcu svakog našeg filma nalazi se početna ideja ili misao koja se želi istražiti i izraziti. Kod filma Ona koja mjeri bila je to jednostavna slika dvaju šoping kolica vezanih lancem jedna za drugo. Iz te ideje gradi se sinopsis, jedna stranica teksta koja kroz priču artikulira sve ono što je bitno za tu ideju. Iz sinopsisa se rađa scenarij koji predstavlja film u pisanoj formi. Sve je to tehnološki vrlo rudimentarno i za izradu traži samo komad papira i olovku. Jednom kada je gotov scenarij krećemo u izradu storyboarda. Koristeći grafičke tablete crtamo sličice koje predstavljaju svaki kadar. Tu, po prvi puta, riječi prelaze u slike. Ono što je tehnologija omogućila je da na brz i jednostavan način iz storyboarda dođete do Animatika, tj. pokrenute slike. Velika je prednost što tako rano u produkciji, s relativno malim trudom već možete vidjeti obrise vašega filma. Animatik ne ulazi u finese animacije i kadriranja, već na brz i efektivan način radite jednostavne animacije kako bi se mogao vidjeti tempo filma i pojedinih kadrova. Tehnologija pruža alate za produkciju filmova koji u dosta slučajeva znatno olakšavaju filmske procese.

 

*”Ona koja mjeri”

 

Često se zanemaruje koliko je truda potrebno za napraviti animirani film, kako s kreativne strane, tako i s financijske. Možete li se osvrnuti na taj aspekt, kako sklapate financijsku konstrukciju filma i koliko je vremenski potrebno da dovršite jedan vaš film?

Milivoj Popović: Izrada animiranog filma je izrazito skupa stvar. Sve što je u filmu mora se osmisliti, dizajnirati i izraditi: svaki kamen, svaka vlat trave, svaki lik i svaka scenografija. Onda se u sve to mora udahnuti život, anima, tj. animacija. Budžeti se za naše animirane filmove broje u stotinama tisuća kuna. Nemoguće je pričati o animaciji u Hrvatskoj, a da ne pričamo o Hrvatskom audiovizualnom centru. HAVC je glavni način financiranja umjetničke nezavisne animacije u Hrvatskoj. Imali smo veliku sreću što je HAVC prepoznao i podržao to što radimo, još od našeg debitantskog filma Ona koja mjeri iz 2008. godine. Van toga, izgradili smo i odlične partnerske odnose s producentima iz Francuske, od ARTE France, Bagan Films, Sacrebleu Productions i drugih koji nam pomažu da zatvorimo financijsku strukturu naših projekata kroz koprodukciju.

 

Umjetnost u sebi često sadržava aktivističku notu, reakciju na aktualne društvene i političke probleme, a od toga ni vi ne bježite, pogotovo u filmu Dislocation koji je prilično aktualna priča. Koji je vid aktivizma u tom smislu vama najbliži, koji najviše odgovara vašoj prirodi, te što vas najviše tišti u tom smislu da imate potrebu izraziti se i reagirati u tom smjeru?

Veljko Popović: Aktivizam je dio našeg odrastanja i našeg stila života. Kao klinci smo McDonalds gađali toaletnim papirom, borili se za prava životinja i kao dio anarho-punkerske scene pokretali fanzine i svirali u aktivističkim bendovima. Odrastanjem smo taj poriv za mijenjanjem društva i okoline kanalizirali kroz umjetnost, u nešto čime se bavimo profesionalno, a to su animirani filmovi. Aktivizmom se i dalje bavimo van našeg umjetničkog rada pa sam ja tako prije par godina organizirao prosvjed protiv nestručne sanacije odlagališta otpada Karepovac, a također sam dio ekološkog društva u svom kvartu na Bačvicama.

 

Radeći u sferi animiranog filma kreirate svjetove sa svakim novim projektom. Možete li malo približiti vaš kreativni proces od ideje do realizacije? Izlaze li ti svjetovi iz vaše mašte i snova ili pak nađete svoje mjesto, elemente sebe u tim svjetovima nakon što ih stvorite?

Veljko Popović: Od filma do filma, proces izrade je drugačiji. Ponekad film nastaje klasično od sinopsisa preko scenarija pa dalje, a ponekad je riječ o konceptu, slici, ideji koja pokrene cijeli film za sobom. Kao što smo rekli u našem debitantskom filmu Ona koja mjeri to su bila šoping kolica povezana lancima u koloni ispred supermarketa. Ta slika je osnova cijelog filma. Oko nje se izgradio cijeli narativ. U filmu kojeg upravo sada radimo u suradnji s Tisjom Kljaković Braić, film baziramo na njenoj knjizi U malu je uša đava i naravno da je cijeli proces izrade bitno drugačiji, klasičniji. Opet, kratki animirano-dokumentarni film Otac na kojem smo surađivali počivao je na suradnji petoro autora, redatelja koji su radili na filmu. E, to je tek bio jedinstven proces izrade filma.

 

*”U malu je uša đava” 

 

U svijet animiranog filma došli ste iz svijeta igara. Koliko vam je igra i zaigranost u najopćenitijem smislu važna u radu?

Milivoj Popović: Igra i zaigranost važna nam je ne samo u radu, nego i u životu. Čovjek uvijek treba njegovati dijete u sebi. Otvorenost, čuđenje, istraživački duh, kreativnost u djelovanju i optimizam samo su neke od kvaliteta koje krase taj duh i zato ga smatramo važnim njegovati.

 

U kojoj mjeri animirani film ovisi o tehnološkim inovacijama, o razvoju tehnologije i u kojem smjeru vidite njegov razvoj?

Milivoj Popović: Tehnologija je alat koji koristimo za kreativni izričaj. Slogan našeg studija Prime Render upravo je Inspired by Art, powered by technology. Naravno, tehnologija je samo sredstvo, a ne cilj. Animaciju možete raditi s komadom papira i olovkom (Flip Books) tako da ona svakako ne ovisi o tehnologiji, ali tehnologija je uvijek bila dijelom onoga što radimo u našem studiju, od samog početka, kada smo se bavili izradom igara. Tehnološke inovacije otvaraju nove mogućnosti i izazove, prilike za istraživanjem u umjetnosti i umjetničkom izričaju i to nas je uvijek privlačilo. Što se tiče najnovijih tehnoloških  trendova kao što su VR (virtualna stvarnost) i AR (proširena stvarnost), jako smo zainteresirani istražiti mogućnosti koje te tehnologije otvaraju. Tako je naš posljednji film Dislokacije upravo VR animirani film. Je li budućnost animacije virtualna, u to još nismo sigurni. Svakako s velikim zanimanjem pratimo razvoj na poljima VR i AR, i uvjeren sam da naš upliv u te tehnologije neće stati na Dislokacijama.

 

Veljko je profesor na splitskoj Akademiji, Milivoj je također suradnik, pa iz te perspektive kako procjenjujete studentsku scenu u Splitu, te kakve mogućnosti lokalna sredina pruža mladim umjetnicima u smislu afirmacije, ali i izgradnje umjetničkog identiteta?

Milivoj i Veljko Popović: Animacija u Splitu na nivou umjetničkog nezavisnog animiranog filma zapravo ne postoji. Talentirani pojedinci traže sreću u Zagrebu, kao recimo Natko Stipaničev ili Katrin Novaković, a poneki i van granica Hrvatske. U tom kontekstu, u Splitu baš i nema sreće. Centralizacija audiovizualnog sektora u Zagrebu je učinila svoje. Uprava grada Splita već dug niz godina propušta priliku da ojača audiovizualni sektor i tako pruži priliku mladim talentima da se razviju i ostanu u Splitu. U konačnici ovdje ostaju oni najtvrdoglaviji. Unatoč tome, mislim da van animiranog filma, Split ima jaku scenu umjetničkog videa, performansa, galerijskih video instalacija, a riječ je uglavnom o studentima s Umjetničke Akademije. Ja osobno nikada nisam imao želju da napustim Split i unatoč svemu nastavljam djelovati u svojoj lokalnoj sredini. Često u studiju kao pripravnike imamo bivše studente Akademije, podržavamo lokalne umjetnike i trudimo se biti aktivni dio umjetničke scene.

 

*”Snapshots”

 

Koliko su festivali važni u afirmaciji animiranog filma jer se nameću kao dominantni kanal kojim gledatelj može pogledati takav film? S druge strane, mora li gledatelj biti otvoreniji prema filmskoj formi da bi prihvatio i razumio svijet animiranog filma?

Milivoj Popović: Za umjetnički film festivali su izrazito važni. To su mjesta gdje se njeguje najviši standard u animaciji kao umjetničkoj formi, te mjesta gdje se autori susreću s publikom, publika s autorima, autori s autorima, studenti animacije s profesionalcima i tako dalje. To su mjesta gdje se rađaju novi projekti, ostvaruju suradnje i koprodukcije. Teško je zamisliti umjetnički animirani film bez festivala. Naravno da su tu i zahtjevi prema publici veći nego kada odete pogledati najnoviji uradak iz Pixarove produkcije. Umjetnost s velikim slovom „U“ uvijek je tražila trud od promatrača, angažiranost i promišljanje. Ali za onog promatrača koji je spreman uložiti taj trud nagrada je daleko veća od pasivnog konzumiranja plitke, zabavne, klišejizirane animacije koju susrećemo u svakodnevnom životu.

 

Ako se osvrnemo na lokalnu sredinu, primjerice na popularni Festival mediteranskog filma Split, možemo vidjeti kako je došlo do iznimnog vrednovanja animiranog filma zadnjih godina. Spomenimo vaš film Biciklisti koji je 2018. godine osvojio nagradu žirija, te druge pobjednike: Arka od Natka Stipaničeva i Sve te senzacije u mom trbuhu Marka Dješke koji je ovogodišnji pobjednik. U posljednje četiri godine čak su tri filma pobjednika u konkurenciji Ješke bili animirani filmovi. Mislite li da je došlo do značajnog pomaka u animiranom filmu i vrednovanju istog? Kako objašnjavate ovaj fenomen?

Veljko Popović: Hrvatska animacija je već dug niz godina nagrađivana i svjetski priznata. Naši kratki animirani filmovi redovno su dijelom svih najvažnijih smotri te filmske forme, a nerijetko i dobitnici nagrada. Hrvatski animatori i autori uspješno surađuju s najvažnijim producentskim kućama, a hrvatska animacija je priznata i poznata u Europi i svijetu. Pobjede na FMFS-u su dio tog dugogodišnjeg trenda.  Drago mi je vidjeti da hrvatski animatori nižu uspjehe, a čitatelje pozivam da otkriju svijet hrvatske animacije jer sigurno neće biti razočarani!

 

*”Biciklisti”

 

Koliko vam je važan Mediteran koji mi se čini prisutan u svim vašim djelima na neki način, kao da su sve teme kojima se bavite ili uronjene ili su izronile iz mediteranskog bazena? On je eksplicitno vidljiv u Biciklistima koji je baziran na likovima Vaska Lipovca, ali čak i u filmu Dislocation bavite se temom koja je iznimno značajna za Mediteran, a to su migracije i gubitak identiteta.

Milivoj Popović: Smatramo da je okoliš u kojem živite i odrastate neizbježno prisutan u svakom iskrenom izričaju i autentičnoj umjetnosti. To nije nešto planirano ili namjerno, to je organsko i instinktivno. Ali, također smatramo da je jednako bitno raširiti svoje obzore i razmišljanja, te dopustiti sebi da se maknete izvan okvira lokalne sredine i njenih problema. Putovanja i interakcije s ljudima iz raznih dijelova svijeta veliki su dio našeg života, a time i veliki dio našeg razmišljanja i umjetničkog djelovanja. Teme koje istražujemo su univerzalne i istinite bez obzira na geografsku lokaciju, ali neizbježno će ta razmišljanja i likovnost biti prožeta mediteranskim začinima.

 

*”Snovozemlje”

 

Kakvi su vam planovi za budućnost i možete li podijeliti na čemu sada radite? Spomenuli ste suradnju s Tisjom Kljaković Braić i animiranjem njene knjige U malu je uša đava čime se eto opet vraćate temi Mediterana.

Veljko Popović: Da, nakon podužeg perioda traženja financija za produkciju tog kratkog animiranog filma mogu reći da smo upravo nedavno krenuli s produkcijom. Osim toga u pred-produkciji smo dugometražnog animiranog filma Snovozemlje u suradnji sa španjolskim scenaristom Pedrom Riverom i kanadskim umjetnikom Dave Cooperom. Riječ je o do sada našem najambicioznijem projektu unutar kojeg smo uspjeli skupiti zaista ekipu svjetskog glasa i kvalitete. Osim toga naredni period provest ćemo predstavljajući publici naš VR doživljaj Dislokacije kojeg planiramo u koprodukciji sa Zagreb filmom i francuskim BAGAN Films pretvoriti i u klasičan 3D animirani film.

 

 

 

Razgovarao: Dario Dunatov / sve tekstove ovog autora čitajte na linku

 

 

 

Zahvaljujemo Milivoju i Veljku Popoviću na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Sve kreće od ideje appeared first on vizkultura.hr.


O identitetu, pripadanju i traženju mjesta

$
0
0

Kao što smo prethodno najavili,  u zagrebačkoj je Galeriji 90-60-90 prije nekoliko dana otvorena je izložba Sabine Mikelić pod nazivom Tražeći nju. U istoimenom projektu ova umjetnica bavi se osjećajem pripadanja mjestu kod žena koje su imigrirale u Nizozemsku. U projektu 7 žena nas vode na dva mjesta pripadanja, jedno je ono iz kojega inicijalno dolaze (Mauricijus, Finska, Mađarska, Gana /London, Pula (Hrvatska), Slovenija, Rab (Hrvatska) a drugo je ono koje stvaraju u novome gradu u koji su se doselile. Kroz priče žena putujemo jednom, novom, drugačijom mapom grada.

Sabina Mikelić rođena je 1981. u Rijeci. Godine 2013. magistrirala je animirani film i nove medije na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu, a potom je preselila u Nizozemsku gdje je 2018. diplomirala na Nizozemskoj filmskoj akademiji (Artistic Research in and Through Cinema) sa istraživanjem Filming Beyond koji se bavi odnosom redateljice i subjekta. Prije toga sudjelovala je na brojnim domaćim i međunarodnim izložbama, i filmskim festivalima. 2015 godine osvaja nagradu za najbolji pitch filma na Dokufestu, Kosovo, a 2019 godine nominirana je za prestižnu nagradu Radoslav Putar i izlaže rad Beyond the Choir u galeriji 90-60-90 u sklopu Subversive Festivala u suradnji sa MSU-om. Hrvatska publika ju pamti prije svega po filmovima nastalim na sjecištima dokumentarnog i eksperimentalnog filma (Dragi ja, prvo lice jednine, muški rod, Mula, skupina korijenja svezanih zajedno), u kojima je već pokazala vlastiti filmski rukopis igrajući se granicama filmskog medija.

Novootvorena izložba ujedno je i povod za nešto ekstenzivniji intervju nakon blic intervjua iz 2019. Razgovarale smo o temama koje Sabinu zaokupljaju u njenom umjetničkom radu, procesu stvaranja i aktualnoj izložbi u Galeriji 90-60-90.

 

*Sabina Mikelić

 

► U tvojim su radovima vrlo prisutne problematike bivanja u određenom prostoru, ali i  pitanja identiteta i obitelji. (Kućni broj 376, 2010., Mula, skupina korijenja svezanih zajedno, 2013., Oda radosti, 2019., Beyond the Choir, 2019., Tražeći nju, 2020.) Kako kroz svoje radove i umjetničko djelovanje polaziš od svog odrastanja i iskustva života na otoku Rabu te konteksta radničke obitelji iz koje dolaziš?

Sabina Mikelić: Obitelj je možda nekako prva jedinica u kojoj  mjeriš pripadnost. I meni se čini da je ta potreba da ja započnem radove koji se tiču odnosa unutar obitelji, upravo to neko moje preispitivanje pripadanja mojoj obitelji. Jer odrastajući na otoku, ako si imalo drugačiji, to se jako vidi. Tu se rodio prvi pokušaj da preispitam te odnose unutar obitelji, mene i otoka, mislim da je to neko polazište, traženje, preispitivanje pripadnosti, zašto sam ja drugačija od ostatka moje obitelji. To je kao kad si melankolična, nedostaje ti obitelj i kad dođeš doma shvatiš da žudiš za nekim ispunjenjem kojeg često tamo ni nema ili ga nije ni bilo.

 

*”Kućni broj 276″, 2010.

 

► Taj odnos pripadnosti i identiteta nalazi se u stalnoj mijeni, što se posebno ističe u tvom zadnjem radu Tražeći nju iz 2020. Što te u tvojoj umjetničkoj praksi toliko tangira oko tog odnosa i ideje identiteta?

Sabina Mikelić: Ja se bavim svojom umjetničkom praksom iz neke svoje nužnosti, a nekako na kraju ispada da se sve tiče teme identiteta. Često u rad ulazim intuitivno i tek mi u se u procesu kristalizira tema. Isto tako mislim da identitet nije nešto fiksno, identitet se mijenja i transformira. I ne vidim da je okruženje odvojeno od nas, već da mi formiramo našu okolinu koliko ona I nas. To je neki uzajaman odnos. Identitet grade stvari o kojima nekad ne promišljaš jer ih nikad ne preispituješ.  Često kad smo na jednom mjestu ništa nas ne suočava da sagledamo od čega smo sve sastavljeni. Koji su to sve naši dijelovi, koliko nas određuje obitelj, kultura, klima, političko uvjerenje, nešto naše treće … Mi smo sukus svega toga. Tako da je pitanje identiteta toliko slojevito da može biti neiscrpna tema, sa puno lica!

 

*”Tražeći nju”, izložba u Galeriji 60-90-60, 2021. / foto: Dario Radović

 

► Osjećaj nostalgije je onaj koji čini mi se ponajviše obilježava tvoj rad Mula, skupina korijenja svezanih zajedno iz 2013., kao i spomenuti Tražeći nju iz 2020. Međutim, imam dojam da nostalgija prožima i druge tvoje radove, pogotovo uzevši u obzir činjenicu da si živjela u Rabu, Rijeci, Zagrebu i danas i Nijmegenu. Kako promišljaš nostalgiju kao fenomen i kako se to odražava u tvojim radovima?

Sabina Mikelić: Mislim da je nostalgija jako kompleksan osjećaj. Ali mislim da u srži tog osjećaja zapravo nije niti nostalgija za mjestom, u potpunosti. Mislim da je to neko dublje pitanje a to je : “ Tko sam ja”? Možda duhovno pitanje, možda filozofsko,možda iskonsko pitanje o Bitku: što je čovjek, svijet, cijeli svemir. No, to su toliko velika i opsežna pitanja tako da se s tim ne bavim izravno , no mislim da taj osjećaj koji me vuče da stvaram ima veze s tim. Na kraju imam osjećaj da nikad ne možeš potpuno pripadati. I da je to nekako ok, ako shvatiš da na kraju pripadaš sebi. Zapravo je sve neki proces upoznavanja sebe. Nekad se znam uhvatiti u razmišljanju da je biti živ zaista pothvat. Rodiš se, moraš prohodati, naučiti govoriti. Možemo gledati čovjeka kao neku životinju koja se razvija, raste, i polako kopni i odlazi. I taj proces je jako intenzivan. To se sve nadovezuje na pitanje pripadanja, zadovoljstva ili jednostavno prihvaćanja ljudskog stanja koje je nesavršeno.

Zasad mi se pokazalo u životu da je najlakše i najbitnije ići iz mjesta u kojem si “sad”. Trenutno prolazim kroz proces integracije u Nizozemskoj, dosta toga  mi je izazov u tom procesu ali sam odlučila to okrenuti u svoju korist, a najprirodniji način za to je da taj proces iskanaliziram kroz svoju umjetničku praksu.  Pogledaš prepreku sa svih strana i kreiraš iz toga nešto novo, umjesto da si pasivna žrtva nekih životnih okolnosti.

 

 

*”Mula, skupina korijenja svezanih zajedno”, 2013.

 

► Kako si se počela baviti mjestima i prostorima?  Ono što sam zaključila gledajući tvoje filmove i videe jest da ti mjesta očito bude čitav sustav osjećaja, emocija, promišljanja i razmišljanja, zapravo sve što mjesta čine mjestima, a ne prostorima. Kako si došla na tu ideju u slučaju radova Beyond the Choir i Tražeći nju?

Sabina Mikelić: U radu s klapom u filmu Beyond the Choir me je svaki član klape sa otoka Raba odveo na mjesto na otoku sa kojim se osjeća povezano. U trenutku snimanja razgovaramo zašto smo na tom mjestu. Nisam htjela otkriti što ću ih pitati niti sam htjela znati gdje će me odvesti, te sam na neki sam način, htjela stvoriti neočekivanu atmosferu,  Htjela sam stvoriti neki moment začudnosti.

Fizička mjesta, krajolik na koji me osoba odvede promatram kao projekciju nutrine te osobe. A i pitanje mjesta, ukorjenjenosti i izmještenosti je bitno pitanje danas.

I otud mi je zapravo ostala ta ideja mjesta koja je prisutna i u radu Tražeći nju. Isto tako kada se negdje doseliš, kao ja u Nizozemsku, pred tobom je proces familijarizacije. Kako gradiš pripadnost? Tako da taj prostor usvojiš, da taj prostor postane tvoj i intiman. To je onaj osjećaj kad se preseliš u neki kvart i kad počneš osjećati da je to tvoj kvart. To se počinje događati u istom trenu kad se ti kreneš snalaziti po tom kvartu, kad znaš gdje ide koja ulica. To mi je bila motivacija u tim radovima, da kroz temu mjesta pričamo o pripadnosti. Da imamo nekakvu metodu pričanja o pripadnosti. Usto, htjela sam upoznati svoj grad, htjela sam upoznati prirodu oko svog grada Nijmegena. Pogotovo zato što je nizozemska priroda jako kontrolirana. Sve što oni nazivaju prirodom, sve je učinjeno ljudskom rukom. Svaka šuma, svako jezero, čak i dio mora, sve je napravljeno ljudskim radom još od rimskog doba. Nizozemci nemaju taj pojam divljine, nema te divlje prirode. Oni na to sve lijepo paze, ali sama ta ideja da ništa nije divlje mi je zazorna. Kako da ja zavolim tu prirodu kad mi je toliko strana?

 

*”Beyond the Choir”, 2019.

 

► Metoda kojom dolaziš do mjesta upoznavanja s pejzažom i osjećajem pripadnosti razvijala si tijekom master studija na Nizozemskoj filmskoj akademiji tijekom istraživanja Filming Beyond. Kako ona funkcionira?

Sabina Mikelić: Ta metoda je bila završni odgovor na dugi proces traženja. Istraživanje se mijenjalo kroz te dvije godine, ali se bavilo mojim odnosom sa subjektom. Ja iza kamere i osoba koja je ispred kamere. Kako mi u tom trenutku snimanja komuniciramo i što se događa u trenutku snimanja? Te lokacije na koje me ljudi odvode na neki način koristim kao pozornicu. Mi ćemo doći tamo, to mjesto nešto znači, ali ja to koristim kao pozornicu za ljudsko tijelo i osobu koja je pred kamerom. Čin postaje performativan gdje trenutak snimanja i sam kadar postaju mjesta izražavanja i vidljivosti I mene i osobe ispred kamere. U radu Tražeći nju, protagonistice su prvo leđima okrenute, ne gledaju u kameru, i mi slušamo njihov voice over i onda se one okreću prema kameri. Taj izbor ima dvojaku motivaciju, kao prvo htjela sam da gledatelj nema nikakvih distrakcija dok sluša i čita tekstove koje su žene napisale. Kao drugo, žensko je tijelo toliko dugo izloženo pogledu kroz povijest likovne i filmske umjetnosti da sam to htjela zakinuti i omogućiti okretanje kada one to žele, potpuno svjesne kontakta sa kamerom. Da, postaju izložene i vidljive ali nekako pod njihovim uvjetima. Igram se s tom prisutnošću pred kamerom i s nekim osjećajem ranjivosti pred kamerom. Umjesto da ja snimim neki sjajan kadar, ja želim pokazati tu neku nelagodnost čina filmskog snimanja. Volim razbijati filmsku formu, i na neki ju način otvarati i pružati drugačija čitanja.

 

*”Filming Beyond”

 

► Iako je polustrukturirana  i otvorena forma stvaralačkog procesa svojstvena dokumentarizmu, kod tebe je to iščekivanje neočekivanog i gubitak kontrole vrlo jasan i namjeran. Možda je za to najbolji primjer tvoj raniji rad Kućni broj  376 iz 2010. godine. Što te oko te neočekivanosti toliko zaokuplja?

Sabina Mikelić: Ja jako volim tu neočekivanost i gubitak kontrole. Uzimam kameru, odlazim na mjesto, ali zapravo ne znam što će se dogoditi. Mene raduje imati te neke neočekivane momente. I zapravo ono što se trudim jest stvoriti uvjete u kojima se može nešto dogoditi, neki moment koji ne mogu predvidjeti. Imam osjećaj da kad sve krene, kao da rad krene raditi sam, kao da ima neku svoju svijest i sve se poklopi. Usto, mislim da me taj gubitak kontrole čini jako prisutnom. Što manje znam, fokusiranija sam na trenutak i na osobu s kojom jesam.

 

*”Kućni broj 276″, 2010.

 

► S obzirom da je povod našeg razgovora tvoja aktualna izložba u Pogonu, vratimo se na nju. Na što se referira naslov izložbe Tražeći nju?

Sabina Mikelić: Ja  sam se ja prvo dobrim dijelom rada bavila traženjem protagonistica. To je proizašlo iz moje društvene izolacije u Nizozemskoj gdje sam imala par poznanica i taj proces traženja žena koje žele biti u projektu, gdje ih tražim preko jedne osobe, pa preko druge se uobličilo u ime rada …. Usto, ja sam dosta rano imala sliku u glavi, a što je vidljivo u instalaciji, da je u radu žena okrenuta leđima, gledatelju, meni i da ja zapravo i ne znam njen identitet.. To traženje u radu  je i traženje same sebe, jer sam ta ona –  i ja. Na otvorenju mi je bilo zanimljivo kako je jedna posjetiteljica rekla da joj je sjajan postav izložbe u tami, jer je bilo doista mračno i morala je tražiti te ekrane. Zanimljivo mi je to tapkanje u mraku, gdje ne znaš gdje si i ne znaš koja ti je pozicija. Tada vidiš nekog drugog u prostoru, pa se osjećaš malo sigurnije jer uviđaš da nisi sama. Nekako je to vrlo slično tom procesu kojeg sam ja prolazila u stvaranju rada.

 

► Sve sudionice filma – Maja, Polona, Tracey, Zsuszanna, Sannimari, Juhanne, pa čak i Andrea R. Gammon koja je napisala predgovor – dijele sudbinu žena koje su otišle u drugu zemlju radi ljubavi. S obzirom na uvjete u kojima si ih tražila, kako si uspjela naći žene u tako specifičnoj situaciji?

Sabina Mikelić: Zapravo nisam išla za tim, ali se zaista tako posložilo. Odlazak zbog ljubavi, napuštanje onog što znaš da bi ostvarila partnerski odnos. Mislim da to jesu odlasci koji su bili praćeni nadom i vjerom u neki novi početak. Ali stvari se uvijek zakompliciraju, nikad nije baš onako kao što si to zamisliš. Ne želim da se čini kao da je to priča o ženama koje žrtvuju svoju samostalnost, ali na kraju se to i događa. Sve mi jesmo došle u neku ranjiviju i slabiju poziciju od one što smo imale. Ako ništa drugo, nijedna nije ponovno imala posao kakav je imala prije nego što je došla u Nizozemsku. Ja sam sad dobila posao nakon pet godina, ali recimo Juhanne je bila profesorica Francuskog 15 godina i sad ne radi. Zsuzsanna je bila profesorica literature i sad ne radi neki drugi posao. Slično je i sa ostalim ženama. Svaka od nas je ostavila posao da bi počela nešto novo, često manje rangiran posao nego onaj koji smo imale. Zato što ne znaš jezik, ne možeš doći tamo i odmah biti profesorica npr. Kad smo imale ovu izložbu u Nizozemskoj Juhanne mi je rekla da joj se čini da su žene otpornije pa da smo možda i znale da ćemo se moći nositi sa izazovima. Nekako sam to razumjela iznutra.

 

*”Tražeći nju”, izložba u Galeriji 60-90-60, 2021. / foto: Dario Radović

 

► Kakav je bio proces rada sa svim ženama? Imam dojam je to bilo katarzično i iscjeljujuće iskustvo i za tebe i za njih na više razina.

Sabina Mikelić: Mislim da se ne trebam previše skrivati, ja koristim umjetnost u neke terapijske svrhe, slijedim poriv. Katarzično je i za mene i za njih i u smislu da se nešto dogodi kad svoju priču podijeliš s nekim. One su pisale svoje tekstove koje su kasnije izgovarale kao naracije u videima. Ja sam im postavila jedno pitanje i objasnila strukturu rada ( pisanje, rad sa arhivom, snimanje). Mislim da kad počneš pisati o sebi tu se nešto događa, počneš se sagledavati i artikulirati, i možda čak imati distancu od vlastitog iskustva. Ja sam to ostavila otvoreno njima jer me zanimalo kako će one ispričati svoju priču, kako će ju pokazati na van. I čini mi se da se nisu cenzurirale, ali da su se trudile to lijepo napisati, a ja to podržavam. Mene je mučio osjećaj neispunjenosti vlastitog potencijala i baš mi je bilo lijepo vidjeti kako su se žene dale u to pisanje, jer to i vole. I to je iscjeljujuće. Podijeliti svoju priču, biti spremna biti pred kamerom, biti spremna biti filmsko tijelo, izložena pogledima znajući da će te ljudi gledati i da je to pozicija koju više ne možeš kontrolirati. To je jako ranjiva pozicija.. Ja sam možda i nesvjesno njih htjela zaštiti. Sama ta pozicija bivanja imigranticom je inicijalno zahtjevna i nisam htjela ići direktno u proces na način kako inače radim a to je da direktno komuniciram i da koristim kameru za suočavanje. S njima sam baš imala želju da se pokažemo, ali da to bude mekano.. Nije svaka situacija ista i ne mogu svakoga tretirati na isti način.

 

► U svojim si filmovima ti uvijek prisutna, međutim u ovom si radu ti zaista na istoj ravni kao i tvoje protagonistice, dijeliš istu sudbinu kao i one. Kako je bilo raditi u toj poziciji jednakosti?

Sabina Mikelić: Istina, ja jesam jedna od njih. Činilo mi se da ako tražim te priče da je u redu i da se ja pokažem i da se stavim u istu poziciju, iako nikad nije potpuno ista jer ja imam kontrolu nad procesom. Ja gledam da smo mi jednake, da smo iste. Mi smo možda čak i jedno, jedan identitet s puno lica. Zapravo nije bilo niti potrebno da im postavljam direktna pitanja jer se osjećamo isto. Kad bismo razgovarale to bi izašlo na vidjelo. Razumijemo se na tom mjestu, dijelimo slično iskustvo. Zato mi je bilo draže da pronađu svoj put da ispričaju svoju priču bez mojih pretjeranih intervencija.

 

 

 

Razgovarala: Maja Flajsig / sve tekstove ove autorice čitajte na linku

 

 

 

Zahvaljujemo Sabini Mikelić na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post O identitetu, pripadanju i traženju mjesta appeared first on vizkultura.hr.

Prisutnost horizonta

$
0
0

Arhitektica Biserka Šavora iz Zagreba djelovala je u Nigeriji od 1973. do 1980. godine u sklopu tehničke pomoći Jugoslavije toj afričkoj zemlji. Ovaj intervju, dio serije koja nastaje u suradnji projekta Motel Trogir i Vizkulture, donosi i otkrića, stručnoj i kulturnoj javnosti do sada nepoznate informacije o realizacijama Biserke Šavora u Nigeriji te realiziranoj vili u Maroku, radu zagrebačkog arhitekta Raoula Melinčevića.

 

*Rezidencija tradicionalnog vladara, arh. Biserka Šavora, Kaduna, Nigerija, 1976. / foto: Biserka Šavora

 

► Kako je došlo do toga da ste otišli u Nigeriju?

Biserka Šavora: Godine 1972. osvanuo je natpis u Društvu arhitekata Zagreba: Traže se arhitekti za rad u Nigeriji. To sam vidjela i kako sam i ranije puno čitala o pomorcima, istraživanjima, Africi, Stanleyju i Livingstoneu, na to sam se prijavila. Na taj moj interes utjecala je i arhitektica Dragica Očko Crnković na čijem sam predavanju bila na Arhitektonskom faukltetu u Zagrebu, kada je govorila i pokazala dijapozitive o vlastitim afričkim epizodama. Na fakultetu sam shvatila i da, uz njemački i francuski, u školi stranih jezika moram upisati i engleski ako ikad želim otići u te zemlje. Tada nisam bog zna kako govorila engleski, ali na intervju sam otišla. U Ljubljanu nas je na intervju otišlo trideset, odabir su vršili Nigerijci, a samo je troje i potpisalo ugovor. To smo bili kolega Barišić, Drago Muvrin i ja. Malo ljudi je prihvatilo taj posao jer plaće nisu bile velike, čak su bile vrlo skromne, a računalo se da će trebati platiti stan i sve ostalo. No, nas troje je i otišlo u studenome 1973.

 

► Gdje ste išli u Nigeriji i kakav je bio vaš prvi dojam o toj zemlji?

Biserka Šavora: Imali smo mogućnost izbora rada u glavnom grad ili na sjeveru zemlje i ja sam odabrala sjever. Savjet da idem na sjever Nigerije dao mi je prijatelj mog oca, Teodor Wickerhauser, profesor na Veterinarskom fakultetu u Zagrebu koji je u Nigeriji proveo šest mjeseci sredinom 1960-ih. On nije tamo boravio u sklopu tehničke pomoći, već je bio poslan od Veterinarskog fakulteta da nauči o tropskim bolestima kako bi mogao to i predavati, budući da su tada u Jugoslaviju na studij dolazili i brojni studenti iz tropskih zemalja. On je bio tri mjeseca na sjeveru i tri na jugu zemlje. Rekao mi je dvije stvari. Prva da je klimatski bolje ići na sjever, budući da je na jugu jaka vlaga, a drugi da je jug jako napučen i ako nestanem, to nitko neće primjetiti, dok se na sjeveru svi bijelci međusobno znaju.

U Nigeriju sam otputovala s kolegom Barišićem, i to preko Rima. On je ostao u Kanou gdje je dobio zaposlenje (no, na kraju nije ostao dugo budući da mu je supruga tamo umrla od malarije, op. S. Š.), a ja sam dalje išla za Kadunu. Kaduna na njihovom jeziku znači Crocodile Town, ali oni više nemaju ni krokodila ni divljih životinja jer je sve istrebljeno, osim u nacionalnom parku.

Došli smo noću i to je bilo ugodno, osjeća se sasvim drugačija, tropska, klima. Već po tome znate da i arhitektura tu treba biti drugačija. Prvi aerodrom je bio moderan, a kad sam došla u Kadunu, gdje je aerodrom bio znatno manji, već se vidjelo da sam stigla u neku periferiju. Međutim, kako me taksi vozio u Ministarstvo radova gdje sam se trebala javiti, vidjelo se odmah da su to aleje. Englezi su ih postavili urbanistički.

Samo ministarstvo imalo je više odjela: građevinu, arhitekturu, strojarstvo i elektrotehniku. Tu sam se po dolasku prijavila, misleći da će me negdje dodijeliti, no oni su rekli da ostajem tu gdje jesam i da ću projektirati baš za ministarstvo. Kako sam kasnije saznala, u Nigeriji tada nisu nikome dali da kupi ni zemlju, ni objekte. Ministarstvo je gradilo i stambene i javne zgrade, i oni su te objekte povoljno iznamljivali.

Mi koji smo radili za Ministarstvo smještaj smo dobili besplatno. Imala sam sreću da sam živjela u jednoj kolonijalnoj kući s velikim trijemom. Prije dodjele tih kuća, smjestili su nas u hotele, a to je bilo zgodno jer su tamo bili i oni koji su odlazili i mi koji smo tek došli, pa su nam davali kojekakva uputstva i informacije.

 

► Koji je bio vaš prvi posao u Nigeriji, odnosno što ste tamo radili?

Biserka Šavora: S prvim poslom sam bila iznenađena. Podšef, koji je bio Egipćanin, donio mi je potpisanu odluku – sve je tamo išlo pismeno – da trebam projektirati vatrogasnu postaju u Kaduni.  Tu imate velika vatrogasna vozila i to mora biti i visoko i dugačko i široko. Tu sad nema starih elemenata, drvenih grednika, već mora biti korugirani ili naborani beton, ili ljuske. Nadvoji koji podnose velike ugibe itd. Stanica je trebala imati i toranj, mjesto za presvlačenje itd. Sve sam to  isprojektirala i predala, da bi me taj podšef, čim sam predala, odveo u toj istoj Kaduni u već izvedeni objekt vatrogasne stanice. I pokazao mi je da je to slični objekt; naime, to se bitno drugačije i nije moglo izvesti. I tu sam shvatila da njima taj moj projekt uopće nije trebao, nego da su me testirali i ja sam taj test prošla.

Onda sam počela raditi ono što im je trebalo. Bili su to pojedini niskobudžetni stambeni objekti za Kadunu ili gdje je bilo potrebno. Radilo se o nizovima zgrada za različito osoblje. Npr. Ministarstvo je bila zgrada od nekoliko krila, imala je veliki, široki trijem, i tu su pred svakom prostorijom sjedili messangeri. I ako je nešto trebalo, ne ideš ti, nego to rade messangeri. Ako treba ići u banku, u redu će stajat messanger itd. I to je imala svaka soba. Telefona nije bilo, ako je radio ponekad.

Jednom sam se jako iznenadila kada su me nazvali u Ministarstvo:
– Je li to Biserka Šavora?
– Da.
– Mi smo Điđi i Vojo iz Sarajeva, evo nas u Sokotu (gradić u saharskom dijelu Nigerije, op S. Š.).
Kolege su isto došli kao tehnička pomoć.

Messengera i drugih zaposlenika je bilo puno i ti objekti su bili za to i drugo osoblje. Kod tih projekata bitno ih je bilo prilagoditi klimi, a iz iskustva se pokazalo da su za to najpogodniji čipkasti zidovi, tj. oni sa šupljim betonskim blokovima i cross ventilacija, dvostrana prozračnost. Kuće su bile prizemnice ili katnice.

 

► Koliko je tih kuća izvedeno?

Biserka Šavora: Što je sve od toga izvedeno, ne znam. Naime, mi smo samo projektirali. I nakon što je projekt gotov, sve preuzima Quantity Serveyer, tj. troškovnik i statika i vi s tim više nemate ništa. Oni vas ne obavještavaju što se i kako gradi, pa i nisam znala što je sve od toga izgrađeno. I odgovornost je bila na drugima.

Od drugih projekata, radila sam i biroe za Ministarstvo edukacije. To je bila katnica s jedno dvadesetak ureda koja je potom i izvedena u blizini Ministarstva u Kaduni. Moram reći i da su Nigerijci općenito bili jako uslužni i imali puno poštovanja prema meni. Za usporedbu, kad me još u Zagrebu šef poslao iz biroa Lavoslava Horvata u Bijelo Polje u Crnu Goru da donesem projekte za neku nadogradnju pa sam tamo išla sa statičarem, doživjela sam da se lokalni inženjer meni uopće nije obraćao, nego statičaru i njega pitao, a statičar bi onda pitao mene koja sam stajala pored, pa bi mu prenio.

 

► U Kaduni ste radili i na projektima individualnog stanovanja. Kakve su to bile kuće?

Biserka Šavora: Poneki put su za posebne ljude tražili projekte za kuće. Na primjer, za američkog konzula koju je radio neki Englez. Povremeno su dolazili takvi zahtjevi i kuće nisu bile tipizirane. Nisam znala za koga se projektira, a projektirala sam ih pet, šest.

S tim Amerikancima sam si bila i dobra, a povezao me jedan Švicarac koji me upoznao i s dr. Petkovićem iz Beograda. Rekao mi je da ima jedna Amerikanka koja živi sama i priređuje filmske večeri. Amerikanci su inače imali bogato opremljene kuće, sve je dolazilo iz Amerike, čak i sva hrana. Imali su liste na kojima bi samo označili što im treba i to bi stiglo. Na toj listi je bilo i vina iz Jugoslavije, s otoka. Pozvali su me i otišla sam na tu projekciju kod Barbare Channon i tu večer pustila je film Fidler on the Roof/Guslač na krovu, sniman u Turopolju i ja se sva uzbuđena unesem u prepoznavanje lokacija gdje je snimano. Na kolegiju tradicionalne arhitekture na fakultetu u Zagrebu imala sam rad iz drvene turopoljske arhitekture i počela sam naglas prepoznavati Buševec, Lomnicu itd. Tu smo se jako sprijateljile.

 

*Rezidencija tradicionalnog vladara, arh. Biserka Šavora, Kaduna, Nigerija, 1976. / foto: Biserka Šavora

 

► Kako je došlo do narudžbe za rezidenciju lokalnih vladara – vašeg možda najznačajnijeg projekta u Nigeriji?

Biserka Šavora: Pozvao me šef, Australac, Mister Gullwel, koji je rekao da njihovi tradicionalni vladari dolaze nekoliko puta godišnje u Kadunu na pregovore s Vladom. To su razgovori oko otkupa zemlje budući da u Nigeriji tada zemlja nije pripadala pojedincu nego plemenu. Oni su dolazili s više žena i djece i to traje po nekoliko dana. Postalo je nezgodno da se oni smještaju u hotele jer ih potpuno zauzmu i plan je bio izgraditi kuće za svakoga od njih. To se radno zvalo Visiting House. Tih tradicionalnih vladara je u North Central Stateu bilo sedam. Dobila sam zadatak da napravim dva prijedloga i posjetim svakoga od njih da sami izaberu koju kuću žele i to će im se izgraditi.

Do tada mi je bilo poznato da se u tradicionalnoj arhitekturi u Nigeriji kuće rade od zemlje, iskopaju se jarci i unutar tog iskopanog prostora grade se ili okrugle ili četvrtaste kuće, ali oko unutarnjeg dvorišta. Tamo je vatra koja se seli tek za kišne sezone. Pritom se grade različiti objekti za žene, muškarce i za stoku. Razlika je i ako selo ima žitarice, a onda i silose. Većina je imala proso. Ulazi se kroz jedan prostor koji je zaseban, dakle ne ulazi se diretno u to unutrašnje dvorište, i tu se muškarci zadržavaju i razgovaraju.

Budući da se radilo o tradicionalnim vladarima, pretpostavila sam da bi njima takav neki koncept odgovarao. Napravila sam onda jedan projekt s takvim unutarnjim dvorištem, ali mi je došla i misao da su muški i žene odvojeni i da su to dva svijeta. I da je taj neki središnji dio taj gdje primaju pregovarače iz Vlade. I tako sam razradila dva kruga, a onda se još objekt spuštao od prvog kata prema nižem. To je bio jedan prijedlog, a drugi je bio oko untarnjeg dvorišta, sve zatvoreno.

Predstavila sam oba projekta svakome od njih sedam i njih svih sedam izabralo je taj moderni, ne oko unutarnjeg dvorišta, već s protočnim centralnim dijelom i zaokruženim dijelom za muške i ženske članove obitelji. I to je ispalo dobro. Međutim, tu su već polako u zemlji počinjala politička previranja. Bilo je to vrijeme vojne diktature generala Yakubua Gowona i vladao je mir, i sad najedanput prevrat.  Bilo je to 1975. godine i tada su odmah smjenjeni svi šefovi. Kuća na kat koja se trebala graditi zbog toga nije izgrađena. Novi šefovi, Pakistanac i Indijac, tražili su da objekte svedem na prizemlje, jer da neće graditi tako luksuzni objekt i to sam napravila.

 

*Tlocrt rezidencije tradicionalnog vladara, arh. Biserka Šavora, Kaduna, Nigerija, 1976.

 

► Gdje su te kuće u Kaduni?

Biserka Šavora: Nisu ih stavili zajedno, nego su trebale biti raspršene na način da je svaka od tih sedam trebala biti ili na teritoriju plemena ili je nova lokacija trebala graničila s njihovim teritorijem, ali sve je bilo u Kaduni. Ima razloga zašto nisu bile grupirane zajedno. Naime, Vlada – pregovarajući s njima – nije htjela da oni budu u dosluhu.

Ono što znam je da 1975/6. godine izveden jedan takav reducirani objekt, taj bez kata, tj. ja sam doživjela da je jedna kuća izvedena, a za druge ne znam. Na engleskom su se zvale Guest House for Head of State ili Guest House for Traditional Rulers. Kad sam čula da se to gradi, potajice sam morala doći fotografirati jer mi ministar nije dopuštao, budući da mi je jako zamjerio što sam tada već otišla iz Ministarstva na novi posao na Sveučilište.

 

► U vrijeme rada u Kaduni projektirali ste i jednu vilu, ali za Australiju. O čemu se radilo?

Biserka Šavora: Nakon što sam isprojektirala te kuće za tradicionalne vladare, pozvao me tadašnji šef, Mister Gulwell koji je time očito bio vrlo zadovoljan, i rekao mi da je on tradicionalni, staromodni arhitekt, a vidi da sam ja moderna arhitektica i da želi za sebe u Australiji izgraditi modernu kuću. Rekao je da se u dogledno vrijeme vraća u Brisbane, a to je otprilike slična klima kao u Kaduni. Rekao je da supruga i on nemaju djece i da im često dolaze prijatelji iz drugih gradova koje smještaju u Guest House. I bilo bi dobro da kuća ima bazen. I tako sam dobila narudžbu i napravila taj projekt.

Na zadanoj lokaciji je bilo puno prostora. Kuću sam koncipirala u segmentima koji čine krug, oko centralne točke koja je bio bazen. Bila je prizemna i s različitim visinama krova u odnosu na segmente. Tu je svjetlost prodirala s različitih strana.

Kako se nakon prevrata sve odvijalo jako brzo, on je brzo napustio Nigeriju, uzeo je te nacrte i ne znam je li ta kuća u konačnici i izgrađena. Bio je jako zadovoljan projektom, a meni je to bio zadnji projekt na kojem sam radila u Kaduni.

 

► Više projekata realizirali ste i za sveučilište u Zariji. Kako je došlo do vašeg preseljenja u Zariju i o čemu se sve radilo?

Biserka Šavora: Na projektu za Sveučilite Ahmadu Bello u Zariji, najvećem sveučilištu na sjeveru zemlje, počela sam raditi dok sam još radila u Kaduni i oni su me pozvali da dođem raditi za njih. Prvo sam imala ferje, a nakon toga sam napustila ministarstvo i preselila se u Zariju. To mi je ministar strašno zamjerio. Prvo mi nije dugo htio dati otpusno pismo, a ja sam već počela raditi za sveučilište. Dolazila sam barem šest i više mjeseci pod prijetnjom da će me poslati natrag u Europu ako ne reguliram status. No, on je strašno zamjerio to da sam otišla ne pitajući njega; međutim, nakon državnog udara mjesecima nisam dobivala nikakve poslove. Tek bi mjesečno dobivala dva, tri pisma. Mislila sam da ću dobiti otkaz ako ništa ne radim. A radilo se o tome da su oni sustav preorganizirali na način da su na pozicije došli oni vičniji korupciji pa su ti ljudi onda naručivali projekte (outsourcing, op. S. Š.) za Ministarstvo od vanjskih suradnika i na tome dobivali provizije, mito. Zato mi više nismo imali posla. Osjećala sam već kad je šef naručivao kuću za sebe da se nešto događa, moglo se osjetiti u zraku, ali ne znate dok se ne dogodi.

No, kao što smo sve radili za vladu, tako je i univerzitet, kad nije imao dovoljno svojih projektanata, projekte ponekad naručivao od Vlade i tako sam ja dobila narudžbu projektiranje otvorenog teatra (Student Theatre). Povezala sam sve te sadržaje unutar kruga, organski. To se danas nalazi u jednom dijelu kampusa, koji je inače bio sav moderan.

Bio je to početak moje suradnje sa sveučilištem, a njima sam spomenula da više nemamo baš projekata u ministarstvu, na što su oni rekli da bi mogla doći predavati kod njih, pa da ne moraju pozivati nekoga iz Europe. Dobila sam titulu predavača za projektiranje javnih zgrada. U Zariju, koja je sedamdesetak kilometara od Kadune, sam se tada i preselila.

 

*Studentsko kazalište, Sveučilište Ahmadu Bello, Zarija, arh. Biserka Šavora

 

► Što ste još projektirali za sveučilište?

Biserka Šavora: Osim teatra, projektirala sam oko 1977/78.  i jednu predavaonu, Lecture Hall. To je samostojeći objekt za stotinjak slušača. Ostalo su bili projekti iz pejzažne arhitekture.

 

*Pejzažno rješenje, Sveučilište Ahmadu Bello, Zarija, Nigerija, arh. Biserka Šavora

 

► Što te sve predavali?

Biserka Šavora: Prvu godinu sam vodila vježbe iz projektiranja, i to javne zgrade. Tada sam imala hotele, restorane i škole. Nakon godinu dana predavanja o javnim zgradama, pozvao me dekan i rekao je da se kolegica koja je predavala pejzažnu arhitekturu vraća natrag u Poljsku i da bi oni rado da preuzmem taj predmet. To me ostavilo u totalnom iznenađenju. Pitala sam samo je li kolegica imala skripta i da mi da vremena da vidim kako je to pokriveno, što se ispostavilo da je, a i naša Data Room, kako se zvala knjižica, imala je literature. Svaki put sam učila da bih mogla predvati.

Tada su krenuli i pejzažni projekti. Kako se koja kuća dovršavala, išlo je uređenje i to je došlo do mene po liniji predavačice. U sklopu sveučilišta napravila sam jedno četiri međuprostora. Radila sam i neke privatne kuće, kako me već tko od poznanika zamolio.

 

*Biserka Šavora sa svojim studentima u Zariji

 

► I kuće za tradicionalne vladare i studentsko kazalište imaju uporište u tradicionalnoj nigerijskoj arhitekturi, a istovremeno su moderni. Možete li još elaborirati taj utjecaj na vašu arhitekturu?

Biserka Šavora: Bila sam zadivljena domišljatošću lokalne izgradnje koja mi je djelovala skulptorski.  To povezivanje arhitekture kao skulpture mi je bilo nadahnuće. Nigerija je uglavnom nizina i prisutnost horizonta vas stavlja u odnos neba i zemlje pa mi se činio da sve što nastaje između treba biti slično prirodnim oblicima, od mravinjaka do toga što grade ljudi.  

 

*Stražarnica na ulazu u kompleks javnih zgrada u Kanou, arh. Milan Petrović / foto: Biserka Šavora

 

► Kakva je bila jugolavenska enklava na sjeveru Nigerije? Tko su bili ti ljudi, koje su poslove obavljali? Gdje ste se družili?

Biserka Šavora: Prva osoba koju sam srela bio je dr. Milorad Petković iz Beograda koji je bio savjetnik za ekonomiju i dosta mi je pomogao u početku da se snađem. Svi mi sastajali smo se u Kaduna Clubu. Takvi klubovi postojali su u svim gradovima u Nigeriji.

Kad sam stigla u Nigeriju, u Kanou je već neko vrijeme djelovao arhitekt Milan Petrović iz Beograda, porijeklom Dalmatinac, koji je već imao i nekoliko izvrsnih izvedenih projekata. Bili su to javni objekti koji su implicirali tradicionalnu arhitekturu u smislu kupole i zidova koji omogućavaju prozračivanje. Radilo se o hotelima, restoranima i nekim zgradama za ministarstva.

U kontaktu sam ostala i s arhitektom Dragom Muvrinom koji je bio u Lagosu, no nikad nisam otišla u njegovu čuvenu vikendicu, koja je bila sastajalište Jugoslavena u Badagryju, jer je to bilo daleko.

 

*Vikendica arhitekta Drage Muvrina u Badagryju, izgrađena po vlastitom projektu

 

► Kakav je bio život u Nigeriji?

Biserka Šavora: Društveni život je bio jako razvijen.  Svaki vikend održavale su se večeri s plesom i razgovorima. Ja sam npr. kod sebe organizirala maskenbal za koji sam zamolila da se muškarci obuku u žene i obratno. To je onda bila proglašena i jednom od najboljih večeri, s tim da je hrane ponestalo jer sam krivo procijenila trajanje, a trajalo je do jutra idućeg dana.

Moram reći da, koliko god samo mi donijeli Nigerijcima kroz tehničku pomoć, toliko su oni i dali nama, kroz druženja i učenje, prihvaćanje nečega drugačijeg. Bila je tu i mogućnost druženja s ljudima iz cijelog svijeta.

Živjelo se dobro, ali skromno. Air condition npr. nisam imala. Nakon godinu i pol smjelo se dobiti dopust za put u Jugoslaviju i najčešći odgovor ljudi koji su se vratili nakon tih ferija doma bio je: opet mi je mozak radio, jer kod nas nije bilo takvih vrućina.

Malariju sam preboljela sedam do deset puta. Na kraju sam od malarije praktički ostala bez bijelih krvnih zrnaca i otpornosti organizma i nisam se više smjela vraćati.

 

► Postoje li neki od manje poznatih projekata arhitekata iz Hrvatske i Jugoslavije na afričkom kontinentu za koje znate iz tog vremena?

Biserka Šavora: Znam za vilu u Maroku koju je projektirao zagrebački arhitekt Raoul Melinčević (Melincevich). Ta je kuća bila proporcionalno savršena. Isto na tragu tradicionalne arhitekture. Imala je čipkaste zidove i bazen.

Nakon Nigerije i povratka u Zagreb, on i ja zajedno smo putovali u Tunis sa zadatkom projektiranja dviju vila za sinove jednog industrijalca. Za te kuće trebala sam raditi uređenje okoliša, a on arhitekturu, no nakon što smo predali idejne nacrte, ne znam što je s tim kasnije bilo.

Raoul Melinčević je inače puno radio sa Zagreb projektom, i to makete. Bio je i voditelj ureda Industrogradnje u Bagdadu. Dao je i pošišati lipe uz Umjetnički paviljon, i od onda do danas se to nastavilo tako održavati.

 

► Spomenuli ste da se prije odlaska u Nigeriju radili u uredu kod Lavoslava Horvata. Kakvo je bilo to iskustvo?

Biserka Šavora: Bio je to jako konzervativan ured i znala sam da tu ne mogu napredovati, ali i da ne želim cijeli život provesti na relaciji Ilica–Petrinjska, gdje se nalazio. I to je bio jedan od razloga zašto sam otišla u Nigeriju.

 

► S kojim vašim projektom ste najzadovoljniji i zašto?

Biserka Šavora: S rezidencijom za tradicionalne vladare, pa i zato jer su sva sedmorica od dva ponuđena projekta odabrali taj koji je i realiziran.

 

_

 

Autor teksta i projekt Motel Trogir zahvaljuju dr. sc. Mojci Smode Cvitanović s Arhitektonskog fakulteta u Zagrebu  na kontaktima, stručnim savjetima i ljubaznoj suradnji na ovom i drugim intervjuima.


_

 

Razgovarao: Saša Šimpraga / sve tekstove ovog autora za Vizkulturu pročitajte na linku

 

Fotografije: Biserka Šavora, arhiva Drage Muvrina

 

Intervju je nastao u sklopu aktivnosti projekta Motel Trogir: moteltrogir.tumblr.com

Motel Trogir je projekt Udruge za suvremene umjetničke prakse – Slobodne veze iz Zagreba.

 

 

Ostale intervjue nastale u sklopu suradnje projekta Motel Trogir i Vizkulture pročitajte ovdje:
vizkultura.hr/pravo-na-stan-kao-glavni-izazov/
vizkultura.hr/moderna-arhitektura-maroka/
vizkultura.hr/africki-i-azijski-opusi-hrvatskih-arhitekata/
vizkultura.hr/intervju-ivan-prtenjak/
vizkultura.hr/intervju-emin-turki/
vizkultura.hr/hrvatski-arhitekt-u-juznoafrickoj-republici/
vizkultura.hr/stanje-je-alarmantno/
vizkultura.hr/arhitektura-u-skromnim-uvjetima/
vizkultura.hr/urbanizam-susreta-slobostina/
vizkultura.hr/intervju-borislav-doklestic/
vizkultura.hr/politika-je-omogucila-projekte/
vizkultura.hr/intervju-martina-ivanus/
vizkultura.hr/intervju-kana/
vizkultura.hr/intervju-bozo-benic/
vizkultura.hr/intervju-vlatko-caksiran/
vizkultura.hr/grad-nafte/
vizkultura.hr/intervju-adnan-morshed/
vizkultura.hr/intervju-ratko-milicevic/

 

 

The post Prisutnost horizonta appeared first on vizkultura.hr.

Čitanje šume

$
0
0

Ovogodišnja memorijalna intervencija Virtualnog muzeja Dotrščina u zagrebačkom spomen-parku Dotrščina rad je nazvan Beyond, Beyond kosovskog umjetnika Dritona Selmanija.

Rad posvećen sjećanju na žrtve fašizma bit će predstavljen javnosti u subotu, 18. rujna 2021. s početkom u 18 sati, a moći će se razgledati do 25. rujna 2021. Driton Selmani je vizualni umjetnik i predavač na Likovnoj akademiji u Prištini. Ove godine izlagao je na Bijenalu u Veneciji u sklopu paviljona Republike Kosovo, rimskom muzeju MAXXI, Muzeju suvremenu umjetnosti u Skoplju, u Podgorici, u Vlori, na Ostrale Biennialeu u Dresdenu itd.

Memorijalna intervencija na Dotrščini predstavlja se tradicionalno u povodu Svjetskog dana mira.

 

*Driton Selmani / foto: Blerim Racaj

 

► Uz odavanje počasti tisućama žrtava fašizma ubijenih na Dotrščini, ovogodišnji natječaj za privremenu memorijalnu umjetničku intervenciju u spomen-parku Dotrščina u fokus je stavio i samu dotrščinsku šumu koja je posječena tijekom masovnih pogubljenja od strane ustaškog režima koja su se dogodila na toj lokaciji tijekom Drugoga svjetskog rata. Tako su stabla u spomen parku koja vidimo danas stara kao i masovni zločin koji se tamo dogodio. Kako ste vi odgovorili na taj zadatak?

Driton Selmani: U isto vrijeme bio sam i šokiran i zaintrigiran, najprije razinom ljudskog zla, a zatim živim svjedočanstvom sačuvanim u svakom deblu svakog stabla koje je izraslo nakon što je šuma posječena tijekom Drugog svjetskog rata. Stoga će se moj rad usredotočiti na uznemirujući prizor koliko samo sjećanje ostavlja stvari iza sebe,  na putu projiciranja u sadašnjost. Stanje tih stabala krije povijest koja se može mjeriti i vidjeti u samoj debljini i dužini stabala. Na njih možemo gledati i kao na skrivene knjige, gdje svako stablo predstavlja čistu bijelu stranicu, čekajući da se na njih upiše još jedna pjesma kao svjedočanstvo,  osnova za neku naraciju o prošlom. Naime, ne možemo zanemariti činjenicu da ljepota šume uključuje i bol iz prošlosti koja je i pouka za budućnost. To su i tisuće mrtvih i njihove priče upravo na tome mjestu, a na nama je da ih ponovno pročitamo i prenesemo sjećanje na sljedeću generaciju. Pritom, i uzimajući u obzir nestabilnost prošlih sjećanja i zaborava kao oruđa za česte političke manipulacije, cilj ovog projekta je gledati dalje od pojedinačnih povijesti. Rad koji ćemo postaviti u parku ponudit će način analize ne samo učinka sječe tijekom masovnih zločina na Dotrščini tijekom Drugog svjetskog rata, već i iskorjenjivanje spomen-parka i njegove priče iz službenih politika sjećanja od devedesetih godina do danas. Postavljanjem školskih ploča u dubinu šume, zapisi o povijesnim ili čak budućim događajima bit će nam vodič za očuvanje sjećanja na životu, za našu kompleksnu generaciju, ali i učiniti zapise na njima neizbrisivima kao dokaze i potrebne pouke za uravnoteženje povijest budućnosti. 

 

*foto: Katarina Zlatec

 

► S jedne strane, vaš rad će u spomen-parku biti postavljen privremeno tj. moći će se razgledati na lokaciji samo tjedan dana. S druge strane, na pločama ćete koristiti boju koja se ne može izbrisati. Zašto?

Driton Selmani: Izazov je bio prevesti pritisak vremena u nešto što bi imalo smisla. Koristit ćemo divlju šumu kao referentni oblik za ispovijedanje i izgradnju povijesti našega vremena. Istovremeno, projekt će pokušati vratiti priču u kolektivno sjećanje. Iskorištene školske ploče već su pune priča koje se brišu nakon svake lekcije koju učenici nauče u školi. No, postoje neke lekcije, ili bolje rečeno vrijednosti, koje se uče i koje se ne mogu izbrisati.

 

► Rad također stvara odnos između ljudi i prirode.

Driton Selmani: Na Dotrščini priroda čuva sjećanje, iako to nije nužno očito onima koji priču o tome mjestu ne poznaju. Također, uslijed klimatske krize koja će neizbježno utjecati i na ta stabla kao čuvare sjećanja, ne možemo zanemariti trenutne izazove koji ukazuju i na buduće probleme.

 

*Driton Selmani / foto: Blerim Racaj

 

► Gdje biste smjestili ovaj svoj rad u kontekstu vaše cjelokupne umjetničke prakse?

Driton Selmani: Osobito su mi zanimljivi svi umjetnički projekti koji sadrže taj krhki odnos s prošlošću. Možda je to zbog okolnosti i konteksta iz kojeg dolazim. Rad Beyond, Beyond vidim i čitam očima i umom Antonija Gramscija: Živim, partizan sam. Zato mrzim one koji ne zauzimaju stranu; Mrzim one koji su ravnodušni. I sam Gramsci je devedesetih izbrisan iz naziva zagrebačkih ulica.

 

► S umjetničkog gledišta, koliko traje sjećanje?

Driton Selmani: Što više vode ulijete u glačalo, veća će postati tkanina koja sadrži karte i putove do priča.

 

_

 

Razgovarao: Saša Šimpraga / sve tekstove ovog autora za Vizkulturu pročitajte na linku

Fotografije:  Blerim Racaj, Katarina Zlatec/Virtualni muzej Dotrščina

 

_

 

Ovogodišnja memorijalna intervencija na Dotrščini izvodi se u partnerstvu Virtualnog muzeja Dotrščina i Vijeća srpske nacionalne manjine grada Zagreba.

 

_

Više o aktivnostima Virtualnog muzeja Dotrščina: www.dotrscina.hr   i  www.facebook.com/virtualnimuzejdotrscina

Više o umjetniku: dritonselmani.com

 

 

The post Čitanje šume appeared first on vizkultura.hr.

Bitno je čuti drugu priču

$
0
0

Razgovarala: Dina Pokrajac

 

 

U svojem najnovijem projektu Žene minorne spekulacije Nicole Hewitt vodi nas na spekulativno putovanje tragom neolitskih figurina u Podunavlju. Antropomorfne figure nađene na području nekadašnjeg Istočnog bloka simboliziraju nevidljivost ženskih i minornih povijesti koju pratimo u rasponu od 6000 godina i približavaju nam dosad neistraženo područje suvremene arheologije kao i rodno osviješteno promišljanje povijesti. Susret arheologinje-vremeplovke i artefakata iz drugih, akronoloških svjetova stvara međuprostor na razmeđu osobne i službene verzije povijesti te omogućuje odupiranje autoritarnom pogledu podsjećajući nas da je kolektivna memorija podložna halucinacijama i preokrećući fokus s prošlosti na potencijalne budućnosti. Peta iteracija projekta u obliku multimedijalne izložbe i silent disco izvedbe u MSU Black Boxu, otvorena zaključno s 15. rujna, kao i skorašnja premijera filma Žene minorne spekulacije, odvijaju se u sklopu zajedničkog projekta Subversive Festivala i MSU-a Kinematografije otpora kustosica Leile Topić i Dine Pokrajac.

 

*foto: Nenad Glavan

 

► Naslov višegodišnjeg projekta koji smo Leila Topić i ja osmislile i u sklopu kojeg su predstavljene Žene minorne spekulacije, sekvenca 5 (Mutacije) glasi Kinematografije otpora. Na koji način misliš da se u tvojem radu ispoljava otpor i misliš li da bi bio prikladan termin “angažman iskosa”?

Nicole Hewitt: Teško je govoriti o angažmanu iskosa ili pak izravnom angažmanu u ovoj situaciji kad smo već godinu i pol u raznim stupnjevima izoliranosti. Ali ako bih se pozicionirala naspram kinematografije, onda bi to bilo u odnosu na feminističke narativne principe i mogućnosti korištenja formi iz normativnog filmskog jezika, bili to likovi, radnja, lokacija, voice-overi… Svi alati klasičnog filmskog jezika. Dugo godina, dok sam radila na projektu Ova žena se zove Jasna, imala sam blokadu prema snimanju, nisam mogla naći opravdanje da stavim kameru u svijet i izdvojim neki isječak tog svijeta, nego sam koristila isključivo već postojeće slike, najčešće slike koje nije snimilo ljudsko biće, uglavnom slike s interneta, s web-kamera, Google Mapsa itd. Tako da je film Žene minorne spekulacije za mene odluka da taj sadržaj zaslužuje i može opravdati ekstrakciju slika, ali sam prema materijalu, odnosno prema predlošcima u svijetu ispred kamera, imala pristup kao da se radi o sabiranju, a ne o odabiranju. Na narative i kontranarative gledam kao na sredstvo za aranžiranje javnih premisa. Pa je utoliko u tim narativima bitno da se čuje druga priča. Kako bi rekla Ursula K. Le Guin, priča bez heroja, skupljena od raznih fragmenata u nekoj torbi ili smotuljku.

 

*foto: Nenad Glavan

 

► Čitav postav izložbe u MSU Black Boxu sazdan je od odsutnosti – razlomljene, višestruke temporalnosti nadmeću se za našu pažnju a pukotine su tu kako bi ih promatrač sam ispunio svojom imaginacijom. Na koji način vidiš komunikaciju svog rada i publike?

Nicole Hewitt: Instalacija je drugačija forma u smislu da se medij oprostori, i da računaš na tijela koja se kreću kroz prostor, tako da je tu neka koreografija gledatelja_ica koja je skroz drugačija, slobodnija od filma. Slipke (op. a. Ivan Slipčević) je napravio vrlo zanimljivu situaciju sa zvukom, gdje se razni tekstovi i zvukovi preklapaju, gdje je onda i pažnja ponekad frustrirana, neke su stvari jasnije, neke se gube, gledatelji_ce sami_e rade neku vrstu montaže ili spajanja. Pokušali smo orijentirati prostor tako da nema jedne pozicije nego se pozicije stalno mijenjaju, ne postoji jedno gledište, materijal je izbačen i razveden iako što se tiče filmskog materijala u instalaciji vrlo mali dio otpada na snimljeni materijal. To je reducirana situacija sto se tiče motiva. Nismo nikad postavljali rad koji stoji tri mjeseca, tako da je i to oblikovalo odluke, koji materijali i kako postavljeni mogu izdržati toliko dugo. Kako pokušati dobiti fluidnu situaciju koja se ne čita kao fiksna, iako što se tiče komunikacije, mislim da većina mojih radova sadrži previše informacija, previše inputa i računam da pola toga neće biti svjesno registrirano, nego da se u rad može uplivati, isplivati iz njega – nešto ostane u sjećanju, nešto je već izmijenjeno, nešto nismo ni vidjeli, neke stvari se čine kao da su u prvom planu, neke se čine sasvim perifernima.

U logici postava odlučili smo prostor podijeliti na hubove, ili otoke, grupacije video-projekcija i grupacije zvučnika. Htjeli smo da postav bude i referentan i otvoren, tako da su stativi za projektore filmski stativi, stativi za zvučnike su mikrofonski stalci. Diaprojektori za Dream Machine su izloženi, kao i sva druga tehnika. Gledali smo kako se kreće kroz te grupacije projekcija ili zvuka, kako postav vodi kroz prostor, iz koje pozicije je koji dio instalacije vidljiv, kako se projekcije mogu preklapati, koje boje su naglašene, čemu pripadaju boje. U nekom duhu formalizma svaki element referira se na vlastiti kontekst dok je sadržaj vrlo fluidan, raznorodan, otvoren.

 

*foto: Nenad Glavan

 

► U svojim novijim radovima istražuješ mogućnosti dokumentarnog jezika unutar fiktivne strukture i propituješ odnos između prikaza i retorike, te filmskog i “stvarnog” vremena. Na koji se to način ispoljava u filmu Žene minorne spekulacije koji ćemo premijerno gledati u sklopu 14. Subversive Film Festivala od 3. do 10. listopada u kinu Tuškanac?

Nicole Hewitt: Uvijek je uzbudljivo ono što se u kadru nađe bez planiranja, svaki put kad postavimo kameru pred neku situaciju, ta se situacija promjeni, a svakodnevica u svijetu se i dalje odvija, u tom smislu je svaki kadar u ‘igranom’ filmu dokumentaran. Postoje markeri koji svojom formom ukazuju da se radi o dokumentarnom ili igranom, skriptiranom ili improviziranom, ali te markere se može i pomicati, odnosno rubovi tih izričaja se mogu omekšati, dozvoliti da u kadar uplivaju nepredvidivosti, od vjetra do ptice. Moja početna eksperimentiranja u filmskom mediju i filmskoj teoriji su obilježena razmišljanjima o klasičnoj podijeli između trik-filma Mélièsa i dokumentarnog filma braće Lumière, a razmišljanje o tekstu i diskurzivnosti – to vučem repove iz teorija o povijesti/priči i diskursu, odnosno narativu koji se ne propituje i koji ne pregovara, i diskursu koji je dinamičan, i koji poziva na reakciju. Već sam pola toga iz teorije zaboravila, ali to su polazišne točke iz kojih sam se bavila animacijom, lutkarstvom, igranim formama, dokumentarizmom i/ili etnografskim principima. Te granice žanrova me više ne zanimaju, osim kao tonaliteti ili boje, ali sam obilježena tim ranim razmišljanjima i čitanjima. No i dalje me zanima kako se upisuje u stvarnost, u sliku, u povijest.

Materijal je sniman namjerno i nenamjerno, inscenirano i slučajno, snimali smo ga ja, Slipke (op a. Ivan Slipčević), Vida, Jason, Vanja, svi smo snimali i to u raznim naletima, nekoliko godina, tako da kad je došlo vrijeme za montažu, pola tog materijala sam prvi put vidjela, i onda se radi neko štepanje, preštepavanje, aranžiranje, sitni vez – koji od tih materijala dišu, koji su mi vrlo udaljeni, koji su mi jako blizu, doslovno blizu, blizu kože, blizu prsta, kako je koji materijal snimljen, odnosno da li mu je intencija da bude ‘slika’ kao što su rijetki i skupi kadrovi 35mm, ili mu je intencija da bude usputan zapis kao što je slika s mobitela u hodu, ili je motiv koji bi trebao biti ‘slika’ npr. zalazak sunca na Crnom moru ulovljen na mobitelu, pikseliziran. Neke slike imaju svoju stvarnost, svoje vrijeme, teško se dotiču, dok se drugim slikama mogu graditi nove stvarnosti gdje se sreću nepovezane situacije, objekti, likovi, pejzaži. Neke slike su komponirane formalno, s predumišljajem ili s intencijom, dok su neki kadrovi kompletno neuredni, neuređeni, snimljeni s GoPro kamerom, ili digitalnom 8-icom koja je slučajno ostala uključena. Bitno mi je da su prisutni materijali, tvari, tehnologije ali i procesi zahvaćanja tih stvari, da postoji pregovaranje između medija, aparata koji nešto lovi, a tu ne mogu ni izbjeći sve sisteme normativnog slaganja i moje opiranje tom, sva pitanja oko toga što imamo pravo snimati, pod kojim uvjetima i s kojom energijom.

 

*foto: Nenad Glavan

 

► Ako je tvoj prethodni projekt Ova žena se zove Jasna bio skica za povijesni roman u filmskim epizodama, Žene minorne spekulacije više se inspiriraju žanrom znanstvene-fantastike. Padaju mi napamet recimo romani Octavije E. Butler koja je često iskrsavala u našim razgovorima.

Nicole Hewitt: Obožavam znanstvenu-fantastiku, ali sam je puno šire počela shvaćati kroz afrofuturizam. Toni Morrison govori o američkom crnačkom stanovništvu kao prvim modernim subjektima, jer je na njima isprobana svaka distopijska mogućnost – prisilno iseljavanje, ropstvo, otmica, dehumanizacija. Neke od postulata afrofuturizma mi je otkrio Kodwo Eshun u knjizi More Brilliant Than the Sun – posthumanizam, spoj organskog i neorganskog, mašine i tijela što nalazimo već i u sound-sistemima, scratch tehnikama, dubu. Odjednom gramofoni postaju kiborške mašine za repeticiju ritmova i basova koji se doživljavaju duboko u tijelu. Tu se vraćamo i na cut-up tehniku, možda je najradikalnije korištenje cut-upa u sempliranju, u nekom kontinuiranom miksu i rekombinaciji segmenata. Eshun je postavio kompletan kontranarativ o crnačkoj muzici koju ne pozicionira u gospel, soul, folklor ili ulicu, već je postavlja u laboratorij, studio, tehnologiju ritam-mašina i syntha, preko bluesa, funka, duba, disca, elektronike i techna. Tu je naravno Detroit nulta točka. Mark Derry pak afrofuturizam locira u figuri techno-bricoleura, kroz niz persona kao što je Sun Ra koji postaje izvanzemaljac, ili Model 500 koji postaje mašina. Ideja bricoleura je meni vrlo privlačna, ideja je to o siromašnom sastavljanju.

Kod Octavie Butler se taj futurizam ispituje organski, biološki. Ona je kontinuirano izvrtala standardne aranžmane o rodu, reprodukciji, plodnosti, spolnosti, rasi i hibridnosti. Kod nje su umjesto tehnologije više u fokusu potencijalne biologije, ekologije, reprodukcije i evolucije, odnosno rasplođivanje – prisilno ili s pristankom. Tehnologija se kod Butler odvija na nivou stanice, molekule, DNK, ali i kroz moć hiperempatije, simbioze itd. Mogli bismo je i strpati pod post-ljudsko, pod pitanje biomoći, ali Butler ima jednu dozu empatijskog i senzualnog koje izmiče tim kategorijama, tu je niz ranjivosti, erotizma, rubnosti, niz pitanja oko srodnosti i stvaranja mogućih zajednica. Cijela priča oko afrofuturizma je za mene i dalje jedno od onih otkrića koja mijenjaju život, kao što je kvantna mehanika, ili činjenica da u tijelu imamo više bakterijskih nego ljudskih stanica.

 

► U kakvom su odnosu tvoje dvije protagonistice, jedna iz prošlosti i druga iz budućnosti, jesu li one zapravo dvije strane istog janusovskog lica? Nastupaju li obje s minorne pozicije i koliko se toga zapravo promijenilo unaprijed i unazad 6000 godina?

Nicole Hewitt: One su u filmu jedva naznačene, meni su služile više kao interna organizacija materijala i misli. U slici se pojavljuju dvije žene različitih generacija, Vida i ja, u  nedefiniranim ulogama, onih koje promatraju, mjere, motre, uspoređuju, diraju, stalno su jako zaposlene. Bilo mi je bitno imati futuristički element kako bi figurine oslobodila jednoznačne simbolike i otvorila ih kao nepoznanicu ili novum. Istraživačica iz budućnosti se pojavljuje malo naglašenije u naraciji, ona gleda na našu sadašnjost iz pozicije 6000 godina unaprijed. Kozmički gledano to su kratki periodi unaprijed i unazad i to je neko rješenje koje mi dozvoljava da spajam priče o betonu, lišajevima, pejzažima, da sve te elemente mogu tretirati kao materije koje u sebi nose bilješke i podatke, ne samo o svom trenutačnom stanju, nego i o prethodnim i budućim stanjima.

 

► Tvoja arheologinja-vremeplovka me pomalo podsjetila i na kultni ZF film Petera Wollena Friendship’s Death (1987) u kojem Tilda Swinton glumi izvanzemaljku poslanu na mirovnu misiju iz galaksije Prokion kako bi uspostavila kontakt s intelektualnom i političkom elitom Zemlje, no završi u ratnoj zoni, konkretno tzv. Crnom rujnu, sukobu koji se vodio između jordanskih oružanih snaga i PLO-a pod vodstvom Jasera Arafata, 1970. godine. Swinton je simulacija, robot, posebno dizajnirani prototip i visoko sofisticirana tehnologija za prikupljanje podataka, a svoju misiju definira kao “potragu za nemogućim predmetima”.

Nicole Hewitt: Nisam gledala film, ali potraga za nemogućim predmetima mi zvuči blisko, a možda opet vezano na afrofuturizam pada mi napamet film The Last Angel of History Johna Akomfraha i Black Audio Film Collectivea u kojem Data Thief iz budućnosti traga za izgubljenim tehnologijama – ostacima kodova i tehnologija poput bluesa, afričkog bubnja i breakbeata koji stvara soničke svjetove kroz digitalne mutacije. Black Audio Film Collective je i u drugim radovima kombinirao arhivske slike, razgovore, muziku, posebno reggae, punk i industrial i stvarao poetične hibride poput Handsworth Songs, a bavili su se javnom i intimnom memorijom, arhivima migracija, dislokacija, alijenacija – što su sve meni bitne teme.

U zadnje vrijeme me privlače slobodnije filmske forme. Često gledam Peggy Ahwesh, posebno film Star Eaters koji je aktiviran kretanjem ženskih tijela u ispražnjenim prostorima, hotelskim sobama, casinima, ničim izazvanim utjelovljenim situacijama. Tu se pojavljuju neki motivi oko žena i transgresije, neobuzdane, pijane, ekscesivne situacije u kojima se protagonistice nalaze, fragmenti scena, komadići drama, situacija, radnji, zapleta, prekida. Nije uvijek jasno zašto se nešto događa, ali energija tih događanja stvara neko dinamično lutanje, ženski dérive kroz sliku i montažu.

 

*foto: Nenad Glavan

 

► Neolitsku figurinu koja je središnji motiv istraživanja kontinuiteta nevidljivosti ženskih povijesti ne promatraš kao artefakte korištene u ceremonijalnom i religijskom kontekstu već kao materijaliziranu formu društvenog djelovanja. Zašto je bitno da ih de-mistificiramo i promatramo kao dio svakodnevice i rezultat ljudskog rada, produkcije i reprodukcije?

Nicole Hewitt: Lynn Meskell preispituje privlačne teze o Velikoj Božici (Magna Mater) i postulat utopijske prahistorijske društvene zbilje, koja je izrodila i veliku količinu new age feminističkog kiča, te razne zanimljive i rubne estetike koje su posebno popularne na internetu (kao uostalom i teorija o drevnim izvanzemaljcima). Zanimljiv je moment upisivanja potrebe iz sadašnjeg društvenog uređenja u prahistorijska društva. I to su vrste vremeplova, kako kaže Meskell – interpretacija dominacije figurina kao dokaz o ravnopravnom, miroljubivom i matrijarhalnom društvu, analogno je interpretaciji figure Djevice Marije kao indikatoru matrijarhata u naše vrijeme. Suvremena arheologija ne postulira vremenske periode od nekoliko tisuću godina kao fiksne i nepromjenjive entitete nego dinamične procese, u kojima je interpretacija kontekstualna. Tako da za neolitsku figurinu postoje teorije prema kojima je ona vezana za kult predaka, ili da je pak lutka, igračka, token razmjene, sredstvo za učenje, vrsta ugovora, objekt inicijacije, lijek, magični predmet, objekt srodnih veza, povezivanja itd. U svakom slučaju ne postoji jednoznačna interpretacija, a romantiziranje figurine u prapovijesnu feminističku utopiju čini više štete nego koristi kompleksnim shvaćanjima procesa, rodnih i radnih odnosa i uređenja neolitskih društva. Meni je upravo to što ne postoji pisani trag, i ne postoji ovog trena jedno prihvaćeno značenje figurina davalo motivaciju da u nju gledam, upisujem, zamišljam. Mitovi o nastanku, o izvoru, o korijenima i istinama, o tisućljetnim snovima … su mitovi.

 

► Jako mi se svidjela tvoja primjedba tijekom pripreme izložbe kako “neolitska figurina nije imenica već glagol”. Možeš li malo pojasniti što si time mislila?

Nicole Hewitt: Arheologija nije moje polje pregovaranja, ja pregovaram sa i kroz svoj medij. Na Meskell me uputila Ana Franjić, i Meskell je ključna za razumijevanje procesne arheologije, odnosno razmišljanja u djelovanju, a ne u statici. U tom smislu je relevantna ideja oko figurine kao glagola, a ne imenice. Imenice označuju fiksni entitet, glagol je u relaciji, on nešto stvara, izaziva sudjelovanje, a ne predstavlja.

 

► Prema Benjaminu prošlost nam je dostupna samo putem fragmenata. Na koji način Žene minorne spekulacije dovode prošle i buduće događaje u dijalog i kako pritom vidiš ulogu glasa? Možemo li govoriti o njegovoj procesualnosti?

Nicole Hewitt: Pitanje je kako percipiramo nešto što ne postoji, dovoljno je komplicirano pitanje i kako percipiramo ono što postoji, ali ajmo reći da imamo naviku misliti da vidimo to što je pred nama. Prošlost ne postoji. To što materijalni ostaci pružaju dokaz da svijet postoji duže od našeg vlastitog iskustva otvara mogućnost. Glas i njegova procesualnost – zanimljivo pitanje. Prvo – voice over u klasičnom filmu muški glas  – naziva se The Voice of God. Godinama koristim voice over, možda sad prestanem, od kad mi je kći sudjelovala u silent discoizvedbi u MSU-u mi se čini da je puno zanimljivije da ona izvodi te tekstove. Ali kad sam se počela baviti glasom i retorikom izgovorene ili performativne riječi bilo mi je bitno imati prisustvo ženskog glasa koji zna više nego protagonisti_ce i više nego gledatelji_ce. Spoken word, nosi cijelu svoju kulturalnu povijest, povijest minornog glasa, a pripovijedanje, pričanje, je domena ženskog subjekta u interijeru. Javni glas, javni govor nije ženska domena. Tu je opet bilo zanimljivo razmišljati o nivoima autoriteta, uvjeravanja, pregovaranja ili empatije. Kako taj glas vibrira kad izgovara različite registre, kada govori o batatu, o gomoljastim biljnim vrstama, ili kad govori o pozitronskoj emisijskoj tomografiji. Bilo je jako zanimljivo akumulirati tekst, ogromnu količinu tech-speaka, koja a priori stvara prepreku, nemogućnost primanja te informacije, ona postane više kao neki mehanizam neprekinutog flowa iz kojeg tu i tamo ispliva nešto prepoznatljivo, a s druge strane kako tekst koji je intiman, poetičan, vibrira kad je procesuiran, pitchan, pušten preko vocodera, a govori o strahu, ili o bijegu. S Hrvojem Nikšićem smo surađivali na snimanju glasa koristeći različite mikrofone, koji nose svoje retoričke markere, tu mi se čini da smo tek zagrebli površinu nečeg što ću-ćemo sigurno dalje razvijati.

 

*foto: Nenad Glavan

*video: Sanja Bistrčić

 

► Jedna od središnjih tema projekta Žene minorne spekulacije je nepostojanost sjećanja te proizvoljnost procesa upisivanja i neupisivanja u kolektivnu memoriju. Koju ulogu pritom mogu odigrati minorne povijesti, minorni narativi, minorni fragmenti i minorne tehnikalije? Mogu li se one oduprijeti dominantnom narativu ili ga mogu samo subvertirati unutar propisanih granica?

Nicole Hewitt: Kako bi rekla Donna Haraway – bitne su priče pomoću kojih pričamo druge priče. Sjećanje nije ni fiksno ni linearno, a nije ni kolektivna memorija. Ne radi se o nepokretnosti, rekla bih da se radi o kontinuiranom fluksu koji nije binaran. Nalazimo se u nesagledivoj planetarnoj krizi, a povijest te krize materijalizirana je u fizičkom svijetu ispod, na i iznad zemlje. U neolitu je kroz agrikulturnu revoluciju začeta praksa transformacije prirode, monokultura koje su rezultirale kolonijalnim plantažama, pošto je kultivacija zemlje povezana s praksama kapitalizma. Povijesti su vezane, premrežene. Cijeli sistem ekstrahiranja, klasificiranja, imenovanja impliciran je u nasiljima nad ljudima, zemljom, životinjama, životom. To su povijesti i prakse koje su anulirale prethodne povijesti, teraformiranje nije znanstveno-fantastičan termin to je praksa koja je nasilno transformirala postojeće ekosisteme. Povijest se upisuje u organsko, utoliko je priroda ujedno i žrtva i svjedok. Naoko benigne pojave kao npr. cvjećarstvo duboko su involvirane u imperijalno nasilje, a njihova je benignost posredovana pričama i prikazima, slikama i jezikom. Utoliko su druge slike i druge riječi, druga djelovanja jedine tehnologije nade. A nada je ono što bi Berlant nazvala okrutnim optimizmom. Dominantni narativi nisu neprobojni, ali jesu zastrašujući.

 

*foto: Nenad Glavan

 

► Tvoji radovi često se fokusiraju na izvedbu jezika kroz fikciju, recitaciju, pjevanje i svjedočanstva. Koliko ti je bliska misao Williama Burroughsa iz njegove trilogije Nova o jeziku kao virusu i cut-up tehnika koja je proizašla iz nje kao pokušaj nadilaženja ograničenja jezičnih konvencija.

Nicole Hewitt: Jezik je jako uzbudljiva tehnologija, tako da su mogućnosti koje pruža divne. Ritmovi, rime, strukture, gramatike, vremena, lica, sve je to jako uzbudljivo. Mene fascinira da svi koristimo jezik, i svi ga znaju, svi prepoznaju greške, to je toliko uvriježena konvencija da je kretati se kroz jezik kao da ga ne poznaješ skoro nemoguće, a taj moment defamilijarizacije, taj moment kada rastavimo neku grupu riječi, npr. neki pasiv stavimo u aktiv, ili nekom predikatu oduzmemo objekt, ili promijenimo rod subjektu, odmah otkriva organizacijske i političke principe. Ja se s jezikom dosta mučim, gledam na njega kao na neki force field, nešto što i stvara i opisuje stvarnost na teoretskom nivou, a u praktičnom smislu često imam osjećaj da riječi koje mapiram ne odgovaraju nekoj situaciji, pa se onda radije bavim jezikom kao materijalom. Odnosno mislim da su riječi autonomne, i ne uvijek prikladne za komunikaciju. Cut-up je jedna od klasičnih tehnika disrupcije jezika, i brzo daje rezultate, brzo nas može izvući iz predvidljivih nizova, što je uvijek korisno. Rijetko u tekstu koristim cut-up tehniku, ali princip kolaža i montaže ima sličnu logiku, iako cut-up upravo ovisi o seciranju, doslovce rezanju, riječ vadiš iz njezina okruženja ili povijesti, a ja se sve više zanimam za slojeve te riječi, njezinu etimologiju i morfiranje, tako da često kad gledam jednu riječ vidim i sve što joj je prethodilo, kako je migrirala, i onda razmišljam o tome što je prethodilo toj riječi prije pisanja, pa prije govora i tako u nedogled idu semantičke sedimentacije.

 

 

 

Razgovarala: Dina Pokrajac

 

 

Zahvaljujemo Nicole Hewitt i MSU-u na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Bitno je čuti drugu priču appeared first on vizkultura.hr.

Danas cijeli svijet može biti publika

$
0
0

Zagrebačka ilustratorica Klara Rusan Klarxy (1993.) javnosti se predstavila prije tri godine stripom Where do people go after they die?, koncipiranim u obliku mape zagrobnog života. Slojevitost naracije, autoričino inzistiranje na najsitnijim detaljima, ne tako različito od flamanskih baroknih slikara ili od slika nizozemskog majstora Hieronymusa Boscha, pa sve to prožeto mrvicama suptilnoga crnoga humora, učinili su taj strip jednim od najuzbudljivijih hrvatskih kulturnih kreacija posljednjih godina.  Talentirana ilustratorica od tada je radila na brojnim projektima. Tako je kreirala vizualni identitet 14. Vox Feminae Festivala, sudjelovala na grupnim izložbama (festival ilustracije 36 mountains, otkupna izložba ERSTE Fragmenti, grupna internacionalna izložba ilustracije Andrew Lanyon and Nature’s Laboratory itd., izložba Nastavit će se… Strip i vizualna kultura u Hrvatskoj) ilustrirala Frakturina izdanja poput Bizarnih pripovijesti nobelovke Olge Tokarczuk, oslikavala zidove soba hotela…

Uspješno vodi vlastitu tvrtku, klijenti joj se neprestano javljaju i traže ilustracije u različite svrhe – od crteža kao dara za vjenčanja, pa do ilustracija koji umjesto obiteljskih portreta stoje na zidovima dnevnih boravaka. Takve ilustracije ne odrađuje “plaćenički hladno”, već razgovorom s klijentom želi saznati njegovu ili njezinu priču, te ju zatim putem slike ispričati na svoj način. Sada se nakon perioda bavljenja komercijalnim projektima ponovno vraća u autorske ilustracije i grafike u kojima će proizvesti nove, već dugo planirane projekte.

S Klarom Rusan razgovarali smo o njenom prvome stripu nastalom prije tri godine, o domaćoj sceni, muralima, pričanju priča, njenim inspiracijama i ambicijama…

 

*Klara Rusan

 

► Kada si predstavila strip Where do people go after they die?, dio medija i publike pitao se zašto netko u ranim dvadesetima piše i crta o smrti. To mi se  pitanje učinilo promašenim. Ne pitaju li se i mladi ljudi o smislu svega i ne proživljavaju li oni stalne egzistencijalne krize?

Klara Rusan: Egzistencijalna kriza pukla je gotovo svaku mladu osobu koju poznajem, a koja je bila pri kraju fakulteta. Postoji cijeli obrazac ponašanja, koji se ponavlja u svakoj generaciji. Riječ  je o životnom razdoblju kada je osoba dovoljno mlada da se ne boji smrti, ali je sve više svjesna svoje ranjivosti, kao i toga da se oko nje događaju strašne stvari. Dok sam radila na stripu, puno vremena provodila sam sama, na jugozapadu Velike Britanije, gdje se sunce rijetko kada ukazalo. Sigurno je i takvo ozračje utjecalo na konačni izgled stripa i atmosferu kakvu sam u njemu stvorila.

 

*”Kamo ljudi idu nakon smrti”

 

► Taj strip je višeslojan, izuzetno kompleksan. Jesi li se vodila kakvim uzorima ili nacrtima starih majstora zanata?

Klara Rusan: Sve je došlo instinktivno. Nije bilo neke svjesne inspiracije umjetničkim djelima drugih, već sam se nadahnula vlastitim iskustvima i borbama koje su se događale duboko unutar mene. Dakle, iz te egzistencijalne krize, koju je vjerojatno ponajviše inicirao strah od odrastanja. Tek nakon što sam završila strip, tražila sam nešto što će potvrditi moj rad pred profesorima, budući da je projekt bio diplomski rad. Poveznicu sam pronašla u djelima Hieronymusa Boscha. Tako sam retroaktivno shvatila da su njegovi radovi uvijek bili negdje u mojoj podsvijesti. Volim, kao što je to i on volio, raditi na najsitnijim detaljima. Prvo sam to radila iz nekog neodređenoga straha, samo da papir ne bi ostao prazan. Kasnije je to postao moj trademark. A i ta popunjenost je dobila svoj smisao. Ranije nisam voljela strukturu, niti sam pomno analizirala djela drugih umjetnika, već su mi ideje i način rada uvijek dolazile organski. Sada shvaćam kako takav način rada ima i svoju lošu stranu, pa sve više istražujem radove drugih autora. No, kada govorimo o komercijalnoj prezentaciji, onda sam učinila sve greške koje sam mogla. Ogromna mapa zagrobnog svijeta, čita se s lijeva na desno, pa desno na lijevo. To je jedna gigantska harmonika koja ne može stajati na policama i nije praktična za čitanje, niti za držanje u kući.

 

► U stripu je jasno prisutan i snažan narativni element. Jesi li puno čitala ili proučavala strukture pričanja priča?

Klara Rusan: Kao djevojčici užasno mi je zabavno bilo izmišljati priče. Bila sam u dramskoj grupi, s prijateljima smišljala skečeve… Stripove nisam nikad čitala. Premda su oni kompleksna forma koju treba poštovati, nekako mi je ovoga puta uspjelo da u hodu izmišljam pravila. Nije to klasičan grafički roman. Više je to kao kad naivac slika.

 

*”Vampirski bal”

 

► Izjavila si jednom prilikom da si se autocenzurirala kako se ne bi bavila religijama, niti provocirala nekoga svojim viđenjem zagrobnoga života. No, nisam dobio dojam da si u stripu išta kalkulirala. Možeš li to malo pojasniti?

Klara Rusan: Strip se prvo trebao zvati nešto u stilu kuda ateisti idu nakon smrti, no profesori su me upozoravali da bi se tako zapetljala u metafizičke zavrzlame. Nisam netko tko će provocirati ili propovijedati. Meni jednostavno tako nešto ne leži, niti bi se osjećala iskreno da to počnem raditi. Moguće je da negdje u mojim ilustracijama i suptilno iskoči nešto što se može okarakterizirati kao politički provokativno.

 

*”Evolution of Pollution”

 

► Strip se trebao s vremenom pretvoriti u animirani film. Ima li još izgleda da se to dogodi?

Klara Rusan: U početku je strip bio zamišljen kao projekt koji će se pretvoriti u animaciju. Pronašla sam i ljude s kojima bih ušla u ostvarenje te ideje. No u jednom trenutku sve je stalo. Animacija je neopisivo kompleksna stvar. To je zasad iza mene. Istražujem nove stvari i planiram nove projekte. Iskreno, radije bih da iz tog stripa netko jednom napravi igrani film. Kada pričamo o stripu, ne smijemo zaboraviti spomenuti fenomenalnu tipografiju koju je ručno oslikala Matea Jurčević (Killa slova).

 

Kakav status imaju ilustratori u umjetničkom svijetu? Cijene li vas dovoljno?

Klara Rusan: Završila sam likovnu akademiju, ali mnogi će reći da ja nisam umjetnica, već primijenjena ilustratorica. No, ilustratori danas imaju dobar status jer uvijek negdje plešu na granici  između “umjetničkog” i “primijenjenog”. Oni zapravo miješaju ta dva pristupa.

 

*”Sjemenke i hrana”

 

► Kakva je danas ilustratorska scena u Hrvatskoj?

Klara Rusan: Mislim da je hrvatska scena danas uistinu odlična. Ima jako puno dobrih ilustratorica i ilustratora, različitih stilova i interesa. Naša scena baš cvjeta. Možda se netko sa mnom ne bi složio, ali meni je super raditi u Hrvatskoj. Ne vjerujem da ovdje netko nekoga gura ili neopravdano favorizira. Svi moje kolege ilustratori imaju posla i dobro su za njega plaćeni. Primjerice, u Velikoj Britaniji veće je tržište, više je ljudi, no to znači da se i teže istaknuti. Isto tako, s pojavom interneta i razvojem društvenih mreža više ne trebaš nigdje biti fizički prisutan da bi prezentirao svoj rad. Tako da cijeli svijet može biti tvoja publika, bez obzira na fizičku lokaciju.

 

*”Family Portrait”

 

► Radiš i sve više murala. Što oni znače za tebe, koliko je ulična umjetnost bitna za identitet grada?

Klara Rusan: Inače obraćam veliku pažnju na detalje, koristim najtanje kistove i rapidografe, a kada radim murale, moram koristiti kist debeo deset centimetra i raditi poteze kistom raspona do dva metra. Zato su mi murali izazov, radom na njima izlazim iz komfor zone. Na murale gledam kao na cjeloživotnu izložbu. Dok god traje zgrada ili grad, traje i mural. Vidjeti svoj murali na trafostanici i sličnim mjestima gdje je velik protok ljudi, satisfakcija je za svakog umjetnika. Čini mi se da se upravo događa sve veće muraliziranje grada. Art park Ribnjak, zidovi kod Dolca, trafostanice… Pa napuštena sveučilišna bolnica koja praktički funkcionira kao muzej ulične umjetnosti.

 

*Hostel Dubiozo

*Ilustracije za knjigu “Gong” Miljenka Jerkovića

 

Na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu završila si preddiplomski studij na Odsjeku za animirani film i nove medije, a u Velikoj Britaniji, na Sveučilištu u Falmouthu, studij ilustracije. Kako bi usporedila studiranje u Hrvatskoj i u Velikoj Britaniji?

Klara Rusan: Prije svega, valja biti pošten, pa reći da se tamo obrazovanje dobro naplaćuje, dok je kod nas, barem u mome slučaju, ono bilo besplatno.

Odsjek za animirani film i nove medije nije zapravo bio za mene. Kasnije sam shvatila da zapravo želim ići u smjeru ilustracije, a ne novih medija ili animiranog filma.

Na sveučilištu u Falmouthu imaju puno više novca, pa samim time imaju više fizičkog materijala za rad. No, mislim da je ključna stvar što se tamo puno više radi sa studentima. Na predavanja dolaze umjetnici, postoji radionica pisanja koju vode uspješni pisci, slušaju se studenti i uvažavaju se njihova mišljenja. Sve je puno fokusiranije, više su otvoreni i na kraju te pripreme za tržište rada. Svejedno, od akademije u Zagrebu izvukla sam najviše što sam mogla, upoznala neke divne profesore koji su mi promijenili pogled na umjetnost.

 

*Poster za Neighbours Burning Neighbours (lijevo); ilustracija za projekt “Bratoljub” (desno)

 

► Pripremaš novi strip? O kojim projektima sada razmišljaš?

Klara Rusan: Uvijek razmišljam o novim ilustracijama i novim pričama. Kada završim rad, on počne živjeti neki svoj život, neovisan o meni.

Kao i kod većine ljudi, kod mene ideje uvijek nekako dođu spontano. Novi projekt još uvijek razvijam u glavi. Radni naziv je ADHD Comics, a zamišljam ga kao strip koji se sastoji od niza kratkih priča. Ideje će se tu preslikavati jedne u druge, moći će se gledati zasebno kao ilustracije ili čitati kao dio šire priče. Naprimjer, žena prolazi pokraj televizora na kojem vidimo kako se odvija neka scena u koju ulazimo. Zatim tu priča ide dalje. No, kada uistinu krenem crtati, moguće i da sve ispadne potpuno drugačije.

 

► Jesi li otvorena za suradnju sa scenaristom na nekom sljedećem projektu? Ili i dalje želiš sama podnijeti sav teret?

Klara Rusan: Nisam baš raspoložena za suradnju na vlastitom autorskom projektu. Osjećam kako on mora biti u potpunosti moja kreacija. Zato toliko i patim dok radim veće, kompleksnije radove. Nemam problema raditi na tuđem projektu i raditi s drugim ljudima na projektima u kojima ne prevladava moja vizija, ali kad je u pitanju moj projekt, onda sam tvrdoglava i nabrijana da bude sve kako sam zamislila. Volim da stvari budu epske, volim velike, ambiciozne projekte. Želim da mi je život kao film. Zabavan, romantičan, pun rizika… Pa onda da i cijeli proces stvaranja stripa bude takav. Okružena kemikalijama, udaljena od svijeta, dok su mi ruke pune rana od rezanja materijala, kao u Neutrogeninoj reklami.

 

*Klara Rusan / foto: Mislav Mironović 

 

 

 

Razgovarao: Luka Fišić

 

 

 

Zahvaljujemo Klari Rusan na ustupljenim vizualnim materijalima.

Klarin strip Where do people go after they die? možete pogledati ovdje.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Danas cijeli svijet može biti publika appeared first on vizkultura.hr.

Bez rada na sebi nema napretka

$
0
0

Marcella Zanki vizualna je umjetnica svestranog interesa i autentičnog vizualnog pečata. Poznata je kao redateljica spotova za čitav niz eminentnih glazbenih imena kao što su Gibonni, Zabranjeno pušenje, Ida Prester i M.O.R.T., od kojih su brojni nagrađeni. Režirala je dokumentarce za VICE, kratkometražne filmove (od kojih je najznačajniji Oda mladosti posvećen balerini Mariji Janković), te brojne reklame za prestižne brendove. Njena reklama za Cocktu Tvoja Cockta, tvoja stvar toliko je uzburkala strasti da je bila pokrenuta peticija za ukidanjem. Marcella se također bavi fotografijom s primjetnim uspjehom, fokusirajući se na pejsaže i portrete, eksperimentirajući, testirajući i igrajući se, jer igra je lice slobode. Kreativnog elana joj ne nedostaje što je primjetno kroz iskušavanje raznih formi i neprestano kretanje naprijed u sadržajnom i formalnom smislu.

Raznolikost Marcelle Zanki teško je obuhvatiti intervjuom, ali dali smo sve od sebe pokušavajući otkriti što je to što se provlači kroz sve vidove i forme njenog izražavanja, kako umjetničkog tako i komercijalnog. Podijelila je s nama zašto joj je režija prva ljubav, koji su joj uzori i utjecaji, a pričali smo i o pristupu fotografiji i sklonosti analognoj formi, približila nam je svoj kreativni proces, te najavila što možemo od nje očekivati u budućnosti.

 

*Marcella Zanki / autoportret

 

Okušala si se u raznovrsnim formama, kako umjetničkim tako i komercijalnim, snimala si filmove, reklame, dokumentarce, brojne glazbene spotove, te se također iznimno uspješno baviš fotografijom. Postoji li nešto zajedničko u tome, što je nit vodilja koja se provlači kroz sav tvoj rad?

Marcella Zanki: Režija mi je prva i vječna ljubav, a fotografija, s kojom jednako izražavam svoje vizije, došla je iznenada prije 6, 7 godina i naglo ušla u moj život. Sve su to slična, vizualna polja kreativnog djelovanja, samo su različiti načini realizacije i pristupi. Ako se radi o komercijalnom projektu, onda je sve u službi klijenta s mojim kreativnim pečatom i rukopisom, a ako je moj projekt onda je tu moja potpuna sloboda i u konceptu i u realizaciji. Nit vodilja je u tome što jednostavno imam snažnu potrebu izraziti se vizualno kako god mogu i znam, bilo da je to kroz film ili fotografiju.

 

 

Koju umjetničku formu smatraš najbližom, koja najviše odgovara tvojoj prirodi?

Marcella Zanki: Mojoj prirodi najviše odgovara režija bilo kojih formi koje sadržavaju neku umjetničku notu i slobodu, bilo da su privatne ili komercijalne. Uz režiju vežem ispunjenost još u fazi dok samo nabacujem ideje. Kada se dogodi spoj različitih profesionalaca na setu uzbuđenje raste, a kad sklopimo nešto u final mojoj sreći nema kraja. Ipak, kada određeni projekt izađe u javnost, on mi je već prošlost i vežem svoju „nabrijanost“ na sljedeći. To je neki ritam koji mi je u ovoj fazi života uzbudljiv i odgovara mojoj novijoj prirodi. S druge strane, fotografija mi je kao neki odmor od režije. To radim potpuno praznog mozga, u opuštenoj atmosferi. Uglavnom ne volim raditi komercijalne fotografske projekte, osim ako netko baš želi moj način fotografiranja. Ne volim da su mi u tome nametnute forme i ograničenja, jer fotografiju radim kako i kada mi dođe, pa ako ne ispadne dobro – ok, ako ispadne dobro – genijalno. Nema stresa i očekivanja, samo čisto izražavanje i bilježenje okoline na moj način, šta opet odgovara mojoj prirodi s ove dalmatinske strane. Balans.

 

 

 

Međunarodno si priznata autorica, imala si brojne izložbe, filmske projekcije, radila si dokumentarne filmove za VICE (npr. ovaj i ovaj). Koliko se bilo teško probiti na međunarodnu scenu, koje su bile najveće prepreke na tvom putu? 

Marcella Zanki: Ne znam jesam li još međunarodno priznata, ali istina je da su fotografije neočekivano dosta primijećene u inozemstvu i to baš putem Instagrama. S fotografijom je krenulo spontano, prijavila sam radove u neke strane online magazine, što može bilo tko uraditi, i otkada su me objavili dalje se sve nastavilo samo od sebe preko dijeljenja na svim velikim Instagram profilima i magazinima vezanim za fotografiju i umjetnost. Naravno, to se ne bi dogodilo da fotografije nemaju „ono nešto“. Kasnije su me kontaktirale strane galerije koje su mi zastupale neke radove i prodavale printeve kao umjetnička djela. Ipak, taj dio s fotografijom sam trenutno malo zapostavila, jer mi se pretjerano aktivirao režijski život. Na polju režije sigurno poznaju moj rad u regiji, ali ja se nadam kako ću se međunarodno tek probiti. Dio sam jedne švicarske produkcije/agencije i polagano mi se ondje provlači ime kroz pitcheve, pa se nadam da je to jedan od prvih koraka prema inozemstvu. Generalno, najveća prepreka u svemu uvijek si sam sebi. Ako ne radiš na sebi na svim poljima života, od zdravlja psihe i tijela, pa do ljubavnih ili poslovnih odnosa, nema napretka ni na polju karijere ili na kojem god polju želiš, tako da je sve povezano. Ako radiš na svemu, uvijek nađeš način za sve, a ne izgovor. Pogotovo ne izgovor da ti je netko drugi kriv.

 

 

Što ti predstavlja inspiraciju u radu? Koji su ti redatelji ili vizualni umjetnici najbliži po stilu, ili su ti pak inspiracija i uzor? 

Marcella Zanki: Ovisi u kojem radu, pa ako je u pitanju glazbeni spot, onda je to glazba i tekst pjesme, ako je reklama, onda je to neki detalj u konceptu koji dobijem, ako je dokumentarni film, onda je to tema koju obrađujem, a ako je pak privatni projekt, onda je to nešto iz okoline, uglavnom privatne frustracije oko društva i života generalno. Različiti su mi uzori na svakom polju, mogu nabrojati neke: Melina Matsoukas, Diana Kunst, Quentin Tarantino, Sam Levinson, Nabil, Helmut Newton, Guy Bourdin, Vedran Rupic, Michal Pudelka, braća Coen, Petra Collins, Tony Kelly, Dino Kužnik, The Wachowskis, Martin Scorsese, Woody Allen i drugi.

 

 

Možeš li nam približiti kako izgleda tvoj kreativni proces? Od čega počinješ, kako gradiš ideju i koliko su ti važne suradnje s drugim umjetnicima?

Marcella Zanki: Ovisi na čemu radim. Ako je u pitanju fotografija, onda je inspiracija doslovno sve što me okružuje: primijetim, pogledam, fotkam, obradim, objavim. Doslovno tim redoslijedom bez puno planiranja i mozganja. U režiji je drugačije jer tu definitivno sve kreće od ideje i koncepta, onda se to razradi u scenoslijed gdje u glavi točno vizualiziram cijeli video, film ili reklamu – što je ujedno najbitniji i dio procesa koji me najviše iscrpljuje. Nakon toga sve ide lakše. Zatim sa mood fotografijama, referencama i treatmentom pokušavam približit ideju klijentu i suradnicima. Tu mi je najdraži dio vidjeti kako razni profesionalci i kreativci bacaju ideje kako bi realizirati moju ideju. Obožavam kada se svi poklopimo, složimo i kad svi nadodaju svoj pečat. Jako su mi važne suradnje na setu jer da bi sve na kraju izgledalo kako smo zamislili, svi odnosi i talenti suradnika moraju biti poštovani i uvaženi, tako da je timski rad neizbježan i najvažniji dio ovog zanimanja. Ako tu nešto ne štima, to je vidljivo u finalnom radu.

 

 

Često spominješ kako je bilo teže uspjeti u tvojoj profesiji kao žena i kako su ženama često neka vrata zatvorena. Kako je to izgledalo iz tvoje perspektive i misliš li da je došlo do kakve promjene u međuvremenu? Primjerice, ako pogledamo domaći film vidimo da se sve više sjajnih redateljica javlja u posljednje vrijeme s iznimnim ostvarenjima (Juka, Jušić, Tarokić…). 

Marcella Zanki: Došlo je do ogromne promjene zadnjih par godina gdje su upravo ove sjajne redateljice otvorile vrata ženama. Mislim da je pokret #MeToo isto tako uradio velike promjene za žene u filmskoj industriji na svjetskoj sceni i to se lagano sada sve mijenja i otvara za nas. Kada sam pričala o tome ranije, pričala sam o komercijalnim projektima jer u reklamama gotovo da nema žena. Do prije par godina ih se broj u cijeloj regiji moglo nabrojati na prste jedne ruke. Koliko god se neka žena trudila i pokušavala bit primjećena, muškarci su jednostavno više i brže stizali do komercijalnih projekata, ostavljajući žene sto svjetlosnih godina iza sebe. Negdje sam pročitala podatak da reklame režiraju uglavnom bijeli heteroseksualni muškarci ignorirajući 50% svjetske populacije. Sada nas ima opet svega nekoliko žena, ali postoji tračak nade da stvari idu nabolje, jer stalno čujem da neka žena iskoči kao redateljica ili snimateljica neke reklame, filma ili serije i budem presretna, ne osjećam se usamljeno u našoj borbi da nađemo svoje mjesto na tržištu „muških poslova“.

 

*Marcella Zanki / foto: Luka Bazeli

 

Voliš eksperimentirati, koristiti kolaž, intervenirati u fotografije, te se ne zadržavaš samo na jednom vidu. Što te privlači u mediju fotografije i zašto si se opredjelila za analognu tehniku?

Marcella Zanki: U mediju fotografije me najviše privlači jednostavnost i neopterećenost. Doslovno primijetim nešto u svojoj okolini i fotografiram to onako kako ja to vidim i tada kao da osjetim da sam oslobodila nešto iz sebe. To mi pruža relaksaciju, a istovremeno me ispuni. Analogna fotografija je skupa i komplicirana, ali je tako predivan proces. Uvijek ono što fotografiram analogno bude pet puta bolje nego što zamislim. Boje su intenzivnije, punije, ljepše jer analogno zrno daje posebnu draž, ali i to me s vremenom vuče da idem dalje, da eksperimentiram, da spajam fotografiju s drugim medijima, da ne mirujem. Pripremam jedan projekt u suradnji s drugim umjetnicima koji spaja print fotografije i različite materijale koji zajedno stvaraju novo umjetničko djelo. Ipak, iako me vuče da idem dalje s eksperimentiranjima, i dalje je to nešto što radim bez pritiska, onako kako ja želim i kada ja želim, a kad se realizira znam da će naći svoj put negdje.

 

 

Ako se referiram na tvoju izložbu i seriju fotografija Lost in travel primjetno je kako veliku inspiraciju nalaziš u putovanjima. Što za tebe predstavlja putovanje? U kojoj mjeri ti je ono inspiracija i koliko utječe na tvoj rad?

Marcella Zanki: Putovanja su nužna svima, a pogotovo umjetnicima da nađu inspiraciju u različitim i drukčijim kulturama. Probudi se taj neki avanturistični, pustolovni duh i onda istražujem ta mjesta uvijek sa fotoaparatom. Većina fotografija ne bi bila realizirana da moj fotoaparat nije džepni idiot koji izvlačim u nemogućim situacijama i hvatam kadrove „u letu“. Tada nastaju nabolje fotke.

 

 

Već neko vrijeme živiš na relaciji Split – Beograd. Možeš li s profesionalne strane usporediti ta dva grada i dati perspektivu koje su razlike u prilikama, ali i svakodnevnom životu između njih?

Marcella Zanki: To su dva potpuno različita grada, ali s nekim sličnostima u mentalitetu. I jedan i drugi su otvoreni, zabavni, imaju smisao za humor, izrazito su kreativni, ali svakodnevnica je potpuno drugačija. Splićani možda nisu svjesni, ali doslovno žive u raju. Priroda, boje, more, zdrava i raznolika hrana, svježi čisti zrak, no stress lifestyle, opuštenost, to su sve stvari koje ne postoje u Beogradu. Oni s druge strane imaju užurbani život pun obaveza, prilika i tu nema vremena za predugo stajanje i odmaranje jer te pojede grad, ali zato se u pauzama znaju zabavljati „za sve pare“. Dok Splićani uglavnom samo pričaju o svojim snovima i idejama, Beograđani to rješavaju i realiziraju odmah. Ja se nadam da sam skupila najbolje od jednog i drugog grada i da uspješno živim taj balans, ali trebalo je puno vremena i psihoterapija da dođem do tog balansa. Nažalost, profesionalno u Splitu se mogu baviti samo turizmom ili biti filmski radnik na velikim stranim projektima što me ne uzbuđuje baš kao autora, dok u Beogradu kao jakom filmskom središtu imam puno više prilika da se pokažem kao talentirana individua, što se na kraju i pokazalo istinito u mom slučaju.

 

 

Koliko ti zadovoljstvo predstavlja rad na reklamama i kolika je tvoja umjetnička sloboda u tom području rada?

Marcella Zanki: Vjerojatno ću se s vremenom zasititi reklama, kao šta sam se zasitila i glazbenih spotova, ali trenutno baš uživam u toj industriji. Vjerojatno je to zato jer sam se probila kao redateljica sa umjetničkim touchom, pa mi uglavnom dolaze takvi „umjetnički“ komercijalni projekti u kojima ispoljavam vizije za koje napokon imam budžet za realizaciju. Koncept i scenarij su uglavnom uvijek postavljeni od strane klijenta i agencije, ali moja sloboda je velika u sugeriranju kako to realizirati, i kako nadodati svoj rukopis u nešto šta je poprilično zakucano i određeno. To je timski rad, a ja obožavam timski rad i jako sam sretna kada uspijemo prenijeti ideju i emociju koju smo zamislili, iako je u službi proizvoda.

 

 

 

Kako si se osjećala kad je nastala frka oko Cockta reklame u vidu peticije za zabranu? Jesi li možda očekivala tako nešto i koji su bili tvoji mehanizmi nošenja s time?

Marcella Zanki: Znali smo da će reakcije biti pretjerane, tako da smo ušli u taj projekt s rizikom. U kampanji smo se vodili osnovnim vrijednostima brenda, a to su autentičnost, različitost, sloboda i individualnost koje bi trebale povezati, inspirirati i stvarati bolje društvo. Svakako smo pokušali pobuditi reakciju i pozitivne emocije te napraviti hrabri korak u javnoj komunikaciji, ali izgleda da Balkan još nije spreman za to. Upravo radi toga  mislim da je jako bitno konstantno ponavljati priču i to baš u komercijalnim projektima ne bi li napokon sve oko LGBT-a postalo normalno i prihvatljivo jer se radi o ljudskim životima koji su i dalje u 21. stoljeću potlačeni zbog suludih zatucanih staromodnih stavova. Tome treba stati na kraj i razmišljati o puno bitnijim stvarima zbog kojih propadamo kao društvo. Mislim da reklame itekako mogu donijeti promjene iako podilaze kolektivnom ukusu, jer uvijek postoji prostor za neku dobru poruku. Treba postojati hrabrost od strane klijenta za iznijeti to na tržište, ali po meni tako nešto uvijek bude primjećeno i cijenjeno, pogotovo ako probudi neku buntovnu emociju u kojoj se većina prepozna.

 

 

Sudjelovala si u kampanji Ispod površine za podizanje svijesti o depresiji i o važnosti mentalnog zdravlja. Ne libiš se javno progovarati o borbi koju si sama prošla, što je iznimno pohvalno i hrabro. Jesi li u svom poslu izloženija stresu, koji su tvoji mehanizmi borbe s nepoželjnim i neugodnim stanjima i misliš li da kao društvo dovoljno činimo po pitanju borbe s ovom dosta raširenom „epidemijom“?

Marcella Zanki:  Ja sam svoju depresiju odbolovala i uspješno izliječila. Ovaj mir i blagostanje u mojoj glavi teško što može poremetiti više. Suočila sam se s većinom svojih trauma, štetnih navika, krivih uvjerenja i uglavnom sam ih uklonila, te značajno poboljšala kvalitetu života. Sve probleme odmah rješavam, sve ideje odmah realiziram, i dopuštam sebi da rastem i razvijam se svakim danom na različitim poljima života. Nema boljeg osjećaja nego kada vodiš život točno kakav želiš. Mislim da je to ona sloboda o kojoj svi pričaju. Nakon šta sam se riješila klasičnih uvjerenja kako nisam dovoljno dobra posao mi je značajno krenuo nabolje i sada napokon uživam u plodovima svog rada na sebi. Nikakav stres na poslu me ne može izbaciti iz takta jer se sve može riješiti i izvući najbolje iz svega, samo trebaš imati tehnike i mehanizme kako hendlati sebe u tim situacijama koje naučiš kroz razne psihoterapije. Svim ljudima preporučila bih psihoterapije ili bilo kakve alternativne terapije koje pomažu da se suočiš sa sobom i otkloniš sve prepreke za ispunjen i sretan život. Zvučim kao neki guru, ali daleko sam od toga i još imam puno toga za urediti i naučiti. Ali nakon dugotrajnog rada na sebi, jednostavno si prisutan, uživaš u malim stvarima i znaš točno gdje trebaš ići, a tek tada te svemir iznenadi i sve dodatno posloži u tvoju korist.

 

 

Spremaš dva dugometražna filma, dokumentarni o ocu Frani Zankiju, podvodnom ribolovcu s otoka Sveca, i drugi igrani koji razrađuješ s dramaturgom Ivanom Jovanovićem. Kako napreduje rad na tim projektima i kada možemo očekivati te filmove? 

Marcella Zanki:  Rad na dugometražnim projektima je jako spor i dug proces, ali baš takav ima smisla jer stalno nešto učiš, razvijaš nove tehnike s kojima se nisi susretao do sada, ulaziš u nove procese koje tek upoznaješ, te se naučiš strpljenju i iscrpnom radu. Nakon desetogodišnjeg rada na kratkometražnim projektima, jedini logični sljedećikorak je dugometražni film. Moj jedini problem je što paralelno razvijam dva zahtjevna dugometražna projekta i gradim karijeru na kratkometražnim što me možda usporava, ali nekako se možda nova saznanja i iskustva međusobno poklope i budem bolja na oba polja. Dokumentarac o ocu je na nivou razvoja projekta, dok je igrani još u razvoju scenarija. Oba razvijam sa svojim timom i filmskim produkcijama. Ne znam kada će biti final svega, ali svakako uživam u svakom koraku razvoja oba projekta.

 

*Marcella Zanki / foto: Tessa Matošić

 

 

 

 

Razgovarao: Dario Dunatov / sve tekstove ovog autora čitajte na linku

 

 

 

Zahvaljujemo Marcelli Zanki na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Bez rada na sebi nema napretka appeared first on vizkultura.hr.

Kritika koja nudi i rješenja

$
0
0

Helena Kušenić, povjesničarka umjetnosti i kroatistica, viša je kustosica u Muzeju grada Koprivnice, a osim organizacijskog, edukacijskog, pedagoškog, uredničkog i kritičarskog rada, aktivno surađuje i s udrugama maMuze, JAM te Atelieri Koprivnica. Maša Zamljačanec muzejska je pedagoginja i kustosica u Muzeju grada Koprivnice te jedna od osnivačica spomenute udruge maMUZE u kojoj je inicirala značajne kulturne festivale i događanja (Street Art Festival, Festival izvedbenih umjetnosti i kazališta, Blok sat i REBUS). Aktivna je na nezavisnoj kulturnoj i društvenoj sceni Koprivnice te surađuje na brojnim projektima s različitim koprivničkim udrugama.

Obje su voditeljice projekta Drava Art Biennale (DAB) koji problematizira temu vode u umjetničkom i sociološkom smislu. Najnovije izdanje ove interdisciplinarne manifestacije svojevrsna je mala obljetnica i može se pogledati u Muzeju grada Koprivnice do 24. listopada, a sljedeće godine i u Muzeju likovnih umjetnosti u Osijeku.

 

 

► Događaj koji je poslužio kao neposredan povod ovom razgovoru svakako je peto izdanje projekta Drava Art Biennale, projekta koji tematizira vodu u najširem mogućem smislu. Možete li nam ukratko pojasniti koncept projekta, njezino idejno ishodište i ciljeve?

Helena Kušenić: Projekt Drava Art Biennale temelji se na istraživanju, novim produkcijama, multidisciplinarnosti, multimedijalnosti i društvenom angažmanu kroz umjetnost, a razvija dugoročne i čvrste suradnje među djelatnicima u kulturi. Drava Art Biennale projekt je Muzeja grada Koprivnice koji se bavi temama zaštite okoliša, ekosustava i vode kao političke kategorije i nastoji poticati interdisciplinarnost  suradnjom umjetnika, kustosa, aktivista, znanstvenika i drugih stručnjaka te lokalne zajednice. Muzej grada Koprivnice razradio je ideju povezivanja umjetnika te galerija, muzeja i drugih institucija u gradovima smještenim uz rijeku Dravu i u širem panonskom prostoru sa svrhom zajedničke organizacije izložbe mladih umjetnika.

Cilj ovog projekta upravo je aktivirati građane i zajednicu, ali i posebno naglasiti ulogu umjetnosti u prividno nesrodnim granama društva. Svrha izložbe je pokazati i dokazati kako i umjetnici mogu aktivno sudjelovati, ukazujući različitim performativnim praksama na probleme, otkrivajući nove slojeve i značenja koji mogu potaknuti ili pružiti podlogu novim sustavima razmišljanja i djelovanja.

Maša Zamljačanec: DAB je jedan od onih projekata koji publici pokazuje (a povremeno otkriva i nama organizatorima) ono što umjetnost jest, ali i što ona može biti. Pokrenut je kako bi “suočio” publiku s brojnim ljepotama, tajnama i problemima koje u sebi čuva voda – naše zajedničko dobro, jedno od osnovnih ljudskih prava. Osim nas iz Muzeja grada Koprivnice u projekt su uključene kustosica Valentina Radoš iz Muzeja likovnih umjetnosti Osijek, Ana Kovačić i Tanja Špoljar. To je naša zajednička akcija i svi smo zajedno u projektu kako bismo osvijestili koliko nekad ne obraćamo pozornost na vodu – u industriji, u javnom prostoru, u našem domu, u našem svakodnevnom životu. Iako je bezbojna, voda ne bi trebala biti nevidljiva, a ovaj projekt nastoji naglasiti njezinu prisutnost, ukazati na nepravilnosti, ali i ponuditi rješenja za probleme. Voda bi trebala biti čista, pitka i svačija.

 

*DAB 2019 – Tanja Špoljar, Valentina Radoš, Helena Kušenić, Maša Zamljačanec

 

► Drava Art Biennale proizašao je iz Drava Art Annala Koprivnica koji je od 2003. do 2007. vodila Draženka Jalšić Ernečić. Vi ste revitalizirale manifestaciju 2013. godine. Na koji ste način to učinile, koji ste joj smjer i karakter dale?

Helena Kušenić: Da, u toj skupnom izložbi koju je organizirao naš Muzej  sudjelovali su mladi umjetnici srednjoeuropskog kruga, nastojeći kroz umjetnost problematizirati ekološki održiv razvoj i aktualnu komercijalizaciju vode. Na tom tragu, a na inicijativu tadašnjeg ravnatelja Marijana Špoljara, pokrenut je Drava Art Biennale 2013. – grupna izložba za umjetnike koji tematiku propituju putem različitih medija i perspektiva.

Posebnost DAB-a u odnosu na DAAK svakako je u stvaranju platforme za umrežavanje umjetnika, kustosa, raznorodnih stručnjaka, ali i publike. Time se kreće već i na razini kustoskog tima koji od početaka isprepliće institucionalnu podršku (Maša, Valentina i ja), onu Tanje Špoljar (kao voditeljice i kustosice AK galerije i Ateliera Koprivnica, odnosno predstavnice koprivničke nezavisne scene), ali i Ane Kovačić (jake spone sa zagrebačkom kulturnom scenom koja je aktivna u GMK i WHW-u). DAB nastoji okupiti što raznovrsnije umjetnike stručnjake kako bi uspio doprijeti do što raznolikije publike. Koprivnica u vrijeme pokretanja DAB-a nije imala mnogo prilike za upoznavanjem suvremenih umjetničkih tokova što se razvojem nezavisne scene unazad nekoliko godina pozitivno mijenja pa je DAB postao i ostao polazišna točka za upoznavanje i propitivanje suvremenosti pomoću svima bliske tematike –  vode.

Prvo izdanje u 2013. zadržalo se na općenitom tematiziranju vode putem različitih medija i nekoliko perspektiva: od radova s političkim podtekstom do onih sa snažnom metafizičkom dimenzijom. Od 2015. počinjemo se baviti specifičnijim temama pa smo problematizirali vodu kao političko pitanje – privatizaciju vode i vodu kao zajedničko dobro, a nastojali smo i uključiti širu lokalnu zajednicu u raspravu. U 2017. suzili smo interes na kontekst javnog prostora grada propitujući koliko (ne)prisustvo vode oblikuje gradsko tkivo i zaključili kako ne postoji mjesto ili grad koji nema specifično izgrađen odnos prema vodi. U 2109. fokusirali smo se na odnos vode i razvoja industrijske proizvodnje., a 2021. uslijed svima poznatih okolnosti zaokrenuli smo pogled prema sebi i sagledali vodu u raskoši metafore i metafizičke pojavnosti.

DAB posebnu pozornost pridaje vizualnom identitetu pa smo svake godine imali sreću surađivati s vrhunskim dizajnerima unatoč vrlo ograničenim budžetima. Kad se dotičemo pitanja financiranja, nužno je istaknuti da uz neophodnu potporu državnih (Ministarstvo kulture i medija) i lokalnih vlasti (Grad Koprivnica i Koprivničko-križevačka županija), DAB od 2015. kontinuirano prati tvrtka Hartmann d.o.o., a važnost i značaj DAB-a prepoznale su i manje koprivničke medijske kuće (Radio Drava, Glas Podravine i Prigorja) tvrtke poput Energona, Inducte d.o.o. ili Komunalca i Caffe bara Art.

Maša Zamljačanec: Drava Art Annale Koprivnica bila je sjajna godišnja izložba koja je okupljala uglavnom mlade autore iz Hrvatske, a pokrenuta je u suradnji Draženke Jalšić Ernečić iz Muzeja i Helene Hečimović koja se u to vrijeme intenzivno bavila očuvanjem rijeke i biosfernim rezervatom Mura-Drava-Dunav. DAAK je bio stariji brat DAB-u i sretni smo jer je u fundus Muzeja donio program s temom vode. 2015. izložba je dobila dogradnju u formi predavanja, radionica i akcija koje traju cijele godine,  projekt je dobio suvremenu atmosferu, a vrlo brzo i značaj.

 

*DAB 2015 – performans Antonija Grgića 

 

► Vaš projekt nije isključivo umjetnički; on uključuje i ekološke i društvene aspekte kao i implikacije koje iz njih proizlaze. Kako se oni prožimaju u DAB-u?

Helena Kušenić: Naša je težnja da projekt traje čitave godine, a da se izložba dogodi kao vrhunac ili trijumf svih aktivnosti krajem godine. Naše su se aktivnosti tako kretale od manjih izložbi, performansa, predavanja o raznolikim temama (npr. voda i mitska bića, zlatarenje i industrija, voda kao javno dobro…), pedagoško-edukativnih radionica do posebno dobro prihvaćenih edukativnih šetnji Koprivnicom i Osijekom. Aktivnosti u prirodi, uz Dravu ili u prostoru grada su nam od iznimne važnosti za razvoj publike jer na takav način sugrađanima prikazujemo umjetnički projekt iz njima možda bližeg rakursa što im je indirektni poticaj za posjećivanje izložbe DAB, a možda i nekih drugih izložbi u Koprivnici ili široj okolici. Svaka ta aktivnost pritom je posebno osmišljena za različite uzraste i dobne skupine. Sve to povezalo nas je s raznolikim pojedincima, ustanovama i udrugama.

Maša Zamljačanec: DAB oduvijek uključuje javne razgovore, predavanja, gostovanja u školama, udrugama, umjetničke akcije, ima i pomalo subverzivni štih i u svemu kritični odnos prema okruženju. Izbor tema ovisi o tome kakvi su problemi u društvu. U našem slučaju to su borba za ljudska prava, pitanja nejednakosti, zalaganje za javni interes, ekologija, socijalna ekonomija…

 

► Brojni su i različiti autorski pristupi problematizaciji vode do sada viđeni u sklopu DAB-a;  vodi se pristupalo kao sponi, kao političkom pitanju, kao stvaralačkoj i rušilačkoj energiji, kao prirodnom resursu, kao javnom dobru, proizvodnom kapacitetu. Je li voda uistinu neiscrpno tematsko vrelo pa i resurs koji do kraja nije objašnjen i razložen? Postoji li odrednica vode kojoj biste ipak dali prednost?

Helena Kušenić: Voda zaista jest neiscrpno vrelo informacija i mogućih zaključaka. Iako se uvijek vratimo sličnim temama, vjerujem kako su perspektive sagledavanja istih ili sličnih problema uvijek drugačije što nam donosi i nove zaključke. Ni mi sami nismo iz godine u godinu isti, a i broj umjetnika koji prepoznaju kvalitetu DAB-a je sve veći, njihova svježina interpretacija uvijek iznenadi i doprinese novim čitanjima i tumačenjima izazovnih tema.

Maša Zamljačanec: Postoji teorija o pamćenju vode. Kaže otprilike ovako – sva voda je od samog početka svijeta na našoj planeti, kruži u različitim stanjima i mjestima, a njezine molekule pamte i upijaju sve ono i sve one koji su bili ovdje prije nas. Vjerujem da se dio tog kruženja i neiscrpnosti može preslikati i na uvijek nove i aktualne teme. Od samog početka smo se pozicionirali kao kritičari nejednakosti, ali ne kao oni koji  samo ukazuju na probleme  već  povremeno nudimo rešenja. Nadam se da će rješenja u budućnosti biti još i više.

 

*DAB 2019 – performans Josipa Pina Ivančića / foto: Ivan Brkić

 

► Ovogodišnja tema DAB-a Ne/vidljiva voda vezana je uz izvor, točnije vodu kao simbol mira i spokoja, utočište, ali i kao psihički i mentalni agens u čovjeku. Pomalo ste se odmaknuli od ekoloških prefikasa i okrenuli humanitetu; krovna tema introspektivna je i osobnija. Koji vam je cilj bio kada ste odabrali baš takvu temu i oblikovali baš takav poziv?

Helena Kušenić: S obzirom na mini jubilej i peto izdanje DAB-a činilo nam se da bi bilo dobro napraviti mali zaokret da ne bi došlo do zamora i kod nas, suradnika pa i publike. Temu odabiremo u skladu s trenutno aktualnim društveno-političkim okolnostima pa nam je ove godine bila želja ponuditi ljudima „izlaz“ iz ove neprekinute petlje u kojoj smo fokusirani samo na opasnosti i negativnosti pogledom prema sebi ili prema svakodnevici i ljepotama koje ranije možda ne bismo zamijetili. Namjera je bila ukazati na metafizički potencijal vode i mogućnost obnavljanja i očišćenja koju na ona pruža. Kako ističem i u predgovoru izložbe, vrijeme nesigurnosti, nestalnosti, stalnih promjena neprestano testira naše mogućnosti transformacije i prilagođavanja. Voda kao najrasprostranjenija tvar u prirodi, nastala kao najjednostavniji spoj dva najreaktivnija elementa podsjeća na jednostavnost života istovremeno zrcaleći njegovu kompleksnost kroz svoju mnogoznačnost u ljudskim životima. Sposobnost konstantnog toka i izmjena karakteristika je vodenih bogatstava. U neprestanom mijenjanju oblika voda izražava načelo univerzalnog i vječnog kretanja. U nepredvidivim vremenima voda postaje utočište, simbol mira i spokoja. Važan faktor u održavanju psihofizičkog balansa pojedinca/društva/sustava.

Maša Zamljačanec: Vrijeme (kao i voda) postoji uvijek i oduvijek. Ono stvara, uništava, liječi, mijenja, ali mi mu se ne damo lako. Vrijeme u kojem živimo napravilo je da ovogodišnja humana, introspektivna, povremeno i metafizička tema dočeka svoju godinu. Svi su putevi vodili prema ovoj temi.  Na kraju smo samo još jedno pokazali da DAB može i mora postojati, uz sve krize. Veliki broj prijava i odabranih radova samo nam potvrđuje vjeru u projekt. Ovaj nam je mali jubilej dao sigurnost da ćemo se snaći i za novih pet izdanja.

 

*DAB 2013 / foto: Marko Posavec

*DAB 2015 / foto: Marko Posavec 

 

► Ovogodišnje izdanje DAB-a autorski je i medijski vrlo heterogeno. Možete li nam opisati kakve ste radove izabrali i u kojem se medijskom pa i interpretativnom rasponu oni kreću?

Helena Kušenić: 24 odabrana autora predstavljaju 26 radova koji temu interpretiraju u mediju slike, fotografije, skulpturalne, site-specific i interaktivne instalacije, videa, grafike, videa, (dokumentarno) eksperimentalnog filma, performansa i intimističke knjige umjetnika. Raznolikost medija doprinijela je heterogenosti izričaja i tematskih cjelina koje uključuju osobne introspekcije projicirane na kolektivnu sliku; problematiziranje fenomena prolaznosti i efemernosti, od konkretnih stremljenja ka promjeni perspektive i (ekološke) osviještenosti do ukazivanja na potrebu i neizbježnost metafizičke metamorfoze čovjeka i okoliša. Performans Nine Martinuš Voda dere zemlju – zemlja dere vodu – voda dere zemlju izveden je live u sklopu trajanja ovogodišnjeg DAB-a što je donijelo neočekivanu i zanimljivu sinergiju live streaminga performansa i povezivanja galerijskog prostora i prirodnog habitusa, u vremenima kada to postaje uobičajeno. Veseli nas „povratak“ nekih autora koje smo već imali prilike predstaviti, kao i svako novo lice koje prepozna DAB kao svoju nišu pogleda na suvremenost.

Maša Zamljačanec: Okupljeni oko jedne teme, svi s lijepim željama, dobrim  porukama, ali tako različiti. To je ljepota i izazov skupne izložbe, suvremene umjetnosti u klasičnom salonskom prostoru kakav je izlagački prostor u Galeriji Koprivnica. Volim misliti da nas umjetnički radovi, javni prostor, zgrade, skulpture i priroda, mogu naučiti jednako koliko i ljudi. Svaki od autora predstavljenih na izložbi, bez obzira na autorski koncept, medij ili temu rada zapravo nas kao pravi pedagog nastoji naučiti da budemo radikalniji, da budemo zaista eksperimentalniji, potaknuti u nama želju za životom u slobodnijem svijetu, u svijetu koji nam dopušta da budemo svoji i drugačiji. To im je zajedničko svima, a nama  je poticaj da napravimo uvijek zanimljiv postav te na taj način damo izložbi veću vrijednost, a posjetitelju bolje iskustvo.

 

*DAB 2019 – šetnja s Hrvojem Petrićem u Koprivnici

 

► Uspostavile ste međuinstitucionalnu suradnju s Muzejom likovnih umjetnosti u Osijeku (u kojemu će se ovogodišnje izdanje DAB-a moći pogledati u ožujku i travnju 2022.), a izjavljivale ste kako biste rado uključile i druge umjetničke ustanove u ovaj projekt. Koliko ste zadovoljne suradnjom i namjeravate li širiti priču uključujući i druge sudionike? Hoćete li prednost dati organizacijama i pojedincima čiji je rad vezan uz rijeku Dravu?

Helena Kušenić: Suradnja s Muzejom likovnih umjetnosti Osijek i dragom kolegicom Valentinom Radoš uvijek je iznimno ugodna i profesionalna, a doprinijela je i većoj zastupljenosti osječke scene u DAB-u što posebno veseli. Suradnja se stoga definitivno nastavlja i dalje, a želja za širenjem je uvijek prisutna – kao što se voda konstantno mijenja i giba, smatramo da je to važno i za sam projekt. Statičnost dovodi do stagnacije što nije opcija. Zasad smo u početnim pregovorima i dogovorima da se izložba predstavi i u Slavonskom Brodu (predstavljen je i DAB 2019., ali u jeku prvog vala korone pa nismo dobili odjek publike ni struke) tijekom 2022. što daje odgovor i na sljedeće pitanje – vezanost uz Dravu je dobrodošla i svakako daje dodatnu vrijednost, no naša je želja povezivati partnere prvenstveno – vodom. Izdanje iz 2017. gostovalo je uz Osijek i u Gradskom muzeju Požega tako da su suradnje i gostovanja moguća i poželjna diljem zemlje pa i šire ako se pruži prilika. Dravu smo uzeli kao odrednicu identiteta projekta jer je važna za formiranje prostora iz kojeg dolazimo, a posredno sigurno i nas kao osoba (barem nas s koprivničkog ili podravskog područja). No, DAB je zapravo platforma otvorena svima koji imaju viziju i želju za problematiziranjem vode s bilo kojeg aspekta pa ovim putem i pozivamo sve koji se u tome prepoznaju da se jave. Umrežavanje i zajedničko djelovanje je ključno za postizanje (velikih) uspjeha.  U 2015. ostvarili smo međunarodnu suradnju s kolegicom Majom Hodošček iz Celja i svakako bismo u budućnosti voljeli ostvariti neku sličnu kolaboraciju.

Maša Zamljačanec: Kad smo krenuli s razvojem cijele ideje, ona je zamišljena kao koalicija organizacija i pojedinaca čije su baze u blizini rijeke (Drave). U prvoj godini Muzej grada Koprivnice bio je domaćin i nositelj programa. Priča je vrlo brzo nadišla okvire biennalne izložbe i dokazala da ima potencijal za mnogo više od toga, onda nam se pridružio MLU koji je uz Valentinu Radoš savršen suradnik. Želja za daljnjim umrežavanjem i razvijanjem platforme je velika, nadam se da će se uskoro i ostvariti.

 

*DAB 2017 – rad Vladimira Novaka / foto: Marko Posavec

 

► Osim rada u MGK, kustoskog rada, vrlo ste aktivne i u udrugama (maMUZE) i umjetničkim inicijativama koje se udaljavaju od institucionalno shvaćene kulture (Street art festival, REBUS, Festival izvedbenih umjetnosti i kazališta, bubnjarski kolektiv BUŠ?BUM!). Odakle dolazi potreba za takvim angažmanom? Kako „pomirujete“ različite umjetničke interese?

Helena Kušenić: Ono što za sebe kao povremenog suradnika i konstantnog konzumenta tih sadržaja mogu reći je da se to sve međusobno isprepliće i nadopunjuje, nadograđuje jedno u drugo. Sve ono što naučimo u Muzeju pretočimo u ostale oblike djelovanja i obrnuto. To je neprekidni proces učenja, ali i istovremenog uživanja jer radiš ono što voliš, a to je zaista velika sreća i privilegij. Kao povjesničarku umjetnosti posebno me veseli sve veća i ozbiljnija produkcija AK galerije koja Koprivnici donosi suvremenu umjetničku praksu s naglaskom na novomedijsku umjetnost i propitivanje prostora (periferije grada, ali i memorije bivšeg vojnog kompleksa) u kojem je smještena na mjesečnoj bazi kroz izložbe, performanse, predavanja, rezidencije, razgovore, radionice.

Maša Zamljačanec: Kad živiš u manjem gradu i radiš u kulturi, preplitanje institucionalne i izvaninstitucionalne prakse je neizbježno. Kulturna scena u Koprivnici je od sedamdesetih i osamdesetih bila dosta jaka, napredna, kreativna i progresivna.  Ranih 2010-ih je zatvaranjem kluba Kuglana prekinuta mogućnost za redovnim koncertnim i izlagačkim programima u sklopu alternativne scene. Ta je scena (među ostalim) zaslužna za oblikovanje moje osobnosti, interesa, stavova i ideala pa sam osjetila potrebu vratiti sceni ono što mi je dala.  S prijateljicom Andrejom Salajec osnovala sam udrugu Mamuze koja se bavi organizacijom i produkcijom programa – izložbi, predavanja, književnih večeri, filma, a pokrenule smo i dva festivala koji umjetnost smještaju u javni prostor čineći ih besplatnima i dostupnima svima. Javni prostor pripada svima nama, on je zajednički, ali često to zaboravimo. Željele smo stanovnike Koprivnice podsjetiti koliko je važno obraćati pažnju na prostor u kojem žive i u kojem se svakodnevno kreću. Dogradnja izložbama u Koprivnici postao je Street art festival koji je ovdje godinama donio više od 80 murala, a iduće će godine doživjeti svoje deseto izdanje za koje pripremamo i monografiju. Brzo nakon njega pokrenule smo FIUK, festival koji istražuje grad pretvarajući ga u glazbeno scenski prostor na otvorenom i ovdje smješta predstave, performanse i koncerte. Vremenom je udruga rasla, a dio članova je na inicijativu fotografkinje Tine Antolić pokrenuo bubnjarski kolektiv BUŠ?BUM! koji na limenim bačvama izvodi autorske kompozicije, a surađivao je i s umjetnicima Zoranom Pavelićem i Antonijom Grgićem. Kako god, kulturu u Koprivnici ne doživljavam samo kao posao, već kao način života i neodvojivi dio sebe.

 

*DAB 2015 – na hrvatskoj Amazoni s WWF Adria

 

► maMUZE su dio FUNK-a (Foruma udruga nezavisne kulture) s još četiri koprivničke udruge. Djelujete u maloj sredini, a znamo kako nezavisna kulturna scena čak i u većim središtima teško krči prostor boreći se za prostor, budžet pa i publiku. Koja je danas pozicija i značaj nezavisne kulture u Koprivnici? S kojim se problemima bori, a u čemu vidi svoje prednosti i snagu?

Helena Kušenić: Za mene su sve ove inicijative od iznimne važnosti i osjećam posebnu razinu privrženosti prema svima jer sam ih aktivno pratila od početaka, ljudi koji su ih pokrenuli moji su (bliski) prijatelji što svemu daje posebnu draž. No, još je važnije da ovakvi sadržaji otvaraju prostor novim ljudima, svima onima koje zanima kultura i umjetnost u najširem smislu. Svi ovi programi nude raznolike opcije istraživanja, produciranja ili upoznavanja i promatranja vrhunske umjetnosti, čak i bez nekog prevelikog angažmana – uobičajenom šetnjom gradom. A to je za malu sredinu poput Koprivnice od iznimne važnosti.

Prostor i publika polako se grade, a sve većoj prepoznatljivosti koprivničke scene svjedoče i kontinuirane podrške zaklade Kultura nova, Ministarstva kulture i medija, ali i lokalne sredine te EU projekata. Prednosti su svakako u većoj koherentnosti manje sredine i spremnosti na zajednički rad koji u konačnici donosi uzajamni napredak.

Maša Zamljačanec: FUNK je nastao potpuno prirodno u trenutku kad su se udruge koje su već surađivale svakodnevno odlučile udružiti s tada 22 aktivna koprivnička benda i pokrenuti inicijativu oko stvaranja novog prostora za glazbeno-scenske i radioničke programe. Savez je brzo formalno osnovan, a Grad je omogućio korištenje prostora u nekadašnjoj vojarni. Riječ je o dvije dvorane od 130 m2 i nekoliko manjih uredskih i skladišnih prostora. Udruge su same uređivale prostor u mjeri u kojoj je to bilo moguće, a obnova se nastavila sredstvima dobivenim putem različitih javnih poziva. Danas, osam godina nakon inicijative FUNK ima veći broj zaposlenih, tehničke uvjete za organizaciju koncerata, filmskih večeri, radionica, predavanja, rekreativnih aktivnosti, probe bendova i glazbenu edukaciju. Napravili smo i petogodišnju strategiju razvoja nezavisne kulture u Koprivnici, a cilj nam je ostvariti autonomno upravljanje prostorom i programom. FUNK je među ostalim omogućio mladima da kulturne sadržaje mogu naći u svoj gradu i u  Koprivnici graditi život po svojoj mjeri.

 

*DAB 2017: Tanja Špoljar, Helena Kušenić, Maša Zamljačanec – predavanje o urbanom identitetu Koprivnice uz potok Koprivnicu / foto: Bojan Koštić 

 

 

 

Razgovarala: Ivana Đerđ – Dunđerović / sve tekstove ove autorice za Vizkulturu pročitajte na linku

 

 

Zahvaljujemo Heleni Hušenić i Maši Zamljačanec na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Kritika koja nudi i rješenja appeared first on vizkultura.hr.


Izlazak iz vlastite zone komfora

$
0
0

S fotografkinjom Glorijom Lizde razgovarali smo uoči otvorenja njene samostalne izložbe Postajanje: Mitovi o ženskosti u Splitu. Teme kojima se u svom fotografskom opusu bavi često se temelje na osobnom iskustvu, propitkivanju zadanih okvira, traženju odgovora, a sve to putem medija fotografije koji ostavlja dovoljno mjesta za inscenaciju, režiranje, razmišljanje o transgeneracijskom sjećanju i pamćenju, o identitetu.

Dosad je ostvarila šest samostalnih izložbi te sudjelovala na brojnim skupnim izložbama u Hrvatskoj i inozemstvu, među kojima su Being/Seeing (QUAD Gallery, UK), Parallel Intersection LisboaDržava u krevetu (Galerija umjetnina Split), Nova imena (ULUPUH), ISPIT 2015 (Galerija SC) te Rovinj Photodays 2016 (Muzej za umjetnost i obrt Zagreb). Članica je Hrvatske udruge likovnih umjetnika te dobitnica Dekaničine nagrade za rad na seriji fotografija F20.5.

 

*Glorija Lizde

 

► Tvoja samostalna izložba Postajanje: Mitovi o ženskosti otvorena je 25. listopada u NMG@Praktika u Splitu i ovaj put rad nakon Zagreba (lani je izložen u Galeriji Događanja) predstavljaš publici u svom rodnom gradu. Tema je velika i aktualna u našem vremenu. Na koji način u radu Postajanje propituješ mitove o ženskosti?

Glorija Lizde: Rad Postajanje: Mitovi o ženskosti nastoji preispitati pojmove ženskog i ženstvenog kroz niz insceniranih fotografija koje prikazuju mlade žene utjelovljujući različite ženske arhetipe, mitove i vjerovanja. Zapravo se radi o odrastanju, “postajanju” ženom čime se referiram na Simone de Beauvoir i njenu poznatu rečenicu “Ženom se ne rađa, ženom se postaje.” Neka početna ideja rada krenula je iz vlastitog iskustva, kako je uostalom slučaj i u mojim drugim radovima. Kada sam započela rad, 2018. godine fotografirala sam samu sebe, svoje tijelo, nastojala sam nekako pojmiti svoje tijelo kao žensko tijelo. Slika i ideja žene koju sam imala dok sam odrastala i koja nas okružuje u medijima, na društvenim mrežama jednostavno nije odgovarala meni, nisam se osjećala tom “ženom” kojom sam trebala postati u toj dobi – majkom, suprugom, karijeristicom. Zatim sam krenula u istraživanje, kako teorijsko tako i društveno kroz razgovore s drugim ženama, kako bih saznala na koje načine se žene uči da postanu žene te što u ovom ženskom možemo razlikovati kao prirodno uvjetovano, a što kao društveno konstruirano. Fotografije pojedinih mitova i vjerovanja sam inscenirala s prijateljicama i poznanicama kako bi smo preuzele autonomiju nad tim vjerovanjima, nastojala sam kroz fotografije prenijeti neku snagu portretiranih žena, ali i ambivalentnost bivanja ženom. Ovim radom željela sam ukazati na stalnu potrebu da se konstrukte ženskosti iznova interpretira i preispituje iako se tema čini prežvakana još uvijek je jako prisutna. Voljela bih da publika ove fotografije shvati kao neke početne točke razmišljanja o svom tijelu, o svojoj ženskosti te naposljetku o tome koliko kontroliramo svoju priču, život i izbore.

 

*iz serije “Postajanje: Mitovi o ženskosti”

 

► Zahvaljujući društvenim mrežama, posebice Instagramu, vidimo kako se u vizualnom smislu mijenja poimanje žene, ženskosti i rodnih uloga; oblikuje ih raznovrsnost, fluidnost, a ne tradicionalna/konzervativna određenost estetskih kategorija idealnog. Koliko su za tebe društvene mreže bile inspiracija za ovu seriju radova ili za istraživanje koje joj je prethodilo?

Glorija Lizde: Većinu istraživanja za ovaj rad obavila sam koristeći različite feminističke tekstove i knjige koje se na neki način bave postajanjem ili odrastanjem žene. Najviše me zanimalo kako odgoj i okolina utječu na žene u dobi kada su još djevojčice te kako se ti obrasci ponašanja kasnije prenose u odraslu dob. S druge strane, zanimalo me što misle žene u mojoj okolini, prijateljice i poznanice, pa sam neka kratka istraživanja, ako se mogu tako nazvati, napravila na društvenim mrežama uglavnom pitajući pitanja poput: “Kada se najviše osjećaš ženom?” ili “Kako se postaje žena?”. Jako puno žena je reklo da zapravo ne zna odgovor, dok su druge imale vrlo različita iskustva i poglede pa se tako mnoge žene najviše osjećaju ženama onda kada su s drugim uspješnim ženama, kada osjećaju solidarnost ili kada uspijevaju u poslovnom smislu. S druge strane, mnoge žene su mi napisale da se najviše osjećaju ženom onda kada im netko nešto dobaci na ulici, kada čiste kuću, kada se osjećaju nemoćno u odnosu na muškarca (misli se na fizičku snagu) itd., tako da jedan broj žena iskustvo bivanja ženom prvenstveno veže uz neka negativna iskustva gdje ih se na neki način “podsjeća” da su žene.

Društvene mreže dobar su pokretač nekih trendova koji s vremenom možda mogu zaživjeti i pridonijeti rušenju nekih mitova i stereotipa o ženama. Recimo primjećujem sve više fotografija žena koje se ne depiliraju, žena koje pokazuju svoje tijelo bez filtera itd. što je zaista osvježenje i na taj način doprinose ideji da žene same trebaju odlučivati što će raditi sa svojim tijelom. Međutim i u tim trendovima postoji svojevrsna estetizacija koje treba biti svjestan npr. nedavno je bio “no bra day” i jedna prijateljica je jako dobro primjetila da u takvim prigodama rijetko vidimo žene s većim poprsjem ili starije žene. Tako da se stalno treba podsjećati i pitati što je naš vlastiti, svjesni izbor, a što je društveno nametnuto ili internalizirano.

 

*iz serije “Postajanje: Mitovi o ženskosti”

 

► Susan Sontag je tvrdila da, zahvaljujući mediju fotografije, “pamtiti, sve češće znači sjetiti se neke slike”. Što su slike za tebe i gdje te pamćenje ili sjećanje vodi?

Glorija Lizde: Dok sam odrastala, moji roditelji su me jako puno snimali i fotografirali jer sam bila prvo dijete tako da mnogo saznanja o sebi i o svom djetinjstvu dugujem fotografijama i video snimkama koje su mi izuzetno važne i drage. U radovima se često bavim odrastanjem i kako okolina, genetika i odgoj utječu na formiranje identiteta te možemo li detektirati i mijenjati neke svoje obrasce ponašanja u odrasloj dobi tako da je taj fundus sjećanja koje imam uvijek neka početna točka. U svemu što radim, čitam ili gledam privlači me ideja sjećanja i uopće kompleksnost načina na koji se sjećamo. Slika ili fotografija može biti podsjetnik na neko sjećanje, ali fascinatna je i ideja da se na osnovu fotografija može stvoriti i sasvim lažno sjećanje kao što je i pokazano nekim istraživanjima. Što potiče na stvaranje takvog sjećanja, koja potreba leži iza toga da uopće nastane lažno sjećanje, što s njim nastojimo nadomjestiti? Mnoga sjećanja ne želimo pa ih onda pokušavamo zatomiti, praviti se da ne postoje, na um mi pada napamet rečenica Semezdina Mehmedinovića: “Ostati bez sjećanja, da li je to kazna? Ili blagoslov?”. Mislim da o tome možemo govoriti na primjeru obiteljskih albuma koji su uvijek kurirana sjećanja, najbolje fotografije jedne obitelji unaprijed odabrane da tvore savršenu sliku. Rijetko ćemo naići na fotografije nekih nesretnih događaja, na tužna lica ili plač (osim u slučaju fotografiranja male djece) i sl. Umjesto nas je odabrano ono čega ćemo se sjećati i kako ćemo doživljavati svoju prošlost dok su traume i tragedije često potpuno izostavljene iz obiteljskog narativa. U radu na kojem trenutno radim intenzivno se bavim teorijom postmemorije koja nije posebice nova, ali čini se i dalje aktualna i zanimljiva. Pojam je uvela teoretičarka Marianne Hirsch 1992.g. koja govori da se traumatična sjećanja prenose s generacije na generaciju putem slika, priča i ponašanja tako da slijedeće generacije ta snažna iskustva i sjećanja doživljavaju kao vlastita. Ona se time bavila govoreći o stripu Maus Arta Spiegelmana te o Židovima koji su preživjeli holokaust, no ovaj termin možemo i koristiti na ovim prostorima kada govorimo o Domovinskom ratu, pa čak i II. svjetskom ratu.

 

*iz serije “F20.5”

 

► Tvoj diplomski rad pod naslovom F20.5 kao ozbiljni istraživački i produkcijski pothvat predstavlja seriju od trideset fotografija u čijem se fokusu nalazi introspektivno propitivanje djetinjstva obilježenog očevom dijagnozom rezidualne šizofrenije. Koje je značenje (i ishod) za tebe imalo bavljenje ovom temom?

Glorija Lizde: Rad F20.5 postao je nekako veći nego što sam tada na diplomskom studiju mogla zamisliti, kako privatno tako i javno. U procesu rada nisam imala percepciju kako će izgledati kada obiteljsku intimu stavim na galerijske zidove, međutim uvijek sam razmišljala o odgovornosti koju imam prema svojoj obitelji. Jako dugo sam se pitala je li to moralno ispravno i kakve će biti posljedice za mene ili moje sestre čije lice je na tim fotografijama, na koji način će ljudi gledati taj rad. Na sreću rad je uvijek izuzetno dobro prihvaćen, dapače, shvatila sam da je bio potreban i meni, a i nekim drugim ljudima koji su mi se javljali nakon što bi vidjeli rad. Tada sam osvijestila koliko je važno govoriti o mentalnom zdravlju te koliko ljudi u svojoj obitelji ili okolini ima osobu koja boluje od shizofrenije ili nekih sličnih stanja. Nakon javnog izlaganja rada moj fokus s osobnog iskustva se nekako pomaknuo na opća pitanja i problematiku te stigmu koja okružuje mentalnu bolest i mentalna stanja općenito. U nekom privatnom aspektu, rad je zapravo bio svojevrsna terapija na način da sam više saznala o stvarima koje su me zanimale vezano za očevu bolest, ali i o tome kako se drugi članovi obitelji nose s tim. Sada, nekoliko godina nakon rada smatram važnim reći da rad nije terapeutski u mjeri u kolikoj ga mnogi drugi ljudi doživljavaju, jedna serija fotografija ne može potpuno promijeniti obiteljske odnose i dinamiku, ali svakako može biti pokretač nečeg, može nas gurnuti korak bliže prema istini i razumijevanju.

 

*iz serije “F20.5”

 

► Vizualni medij se kao terapeutsko sredstvo preporuča još od 1970-ih godina, dosežući vrhunac u žanru autoportreta. Kako je na tebe utjecalo otvaranje i bilježenje osobnog iskustva?

Glorija Lizde: Uvijek polazim od osobnog iskustva, to mi je nekakav motivator i jako mi je teško zamisliti da fotografiram druge osobe iako sam to napravila u seriji Postajanje: Mitovi o ženskosti upravo kako bih se pomaknula iz svoje zone komfora. S vlastitim tijelom mi je najugodnije i poznajem neke granice do kojih želim ići u autoportretu, dok u portretiranju drugih ipak moram biti pažljivija i to uvijek doživljavam više kao neku suradnju. Bilježiti osobno iskustvo mi dolazi na neki način prirodno, imam potrebu napraviti autoportret svako toliko, sjetim se nekog trenutka koji mi je bio zanimljiv i filmičan pa ga rekreiram. Proces fotografiranja i reinterpretacije nekih događaja iz prošlosti dopušta mi da neposredno proživim neko sjećanje koje možda nije najugodnije, a voljela bih ga razumjeti, ili da bolje razumijem neku osobu  stavljajući se u njenu/njegovu kožu. Radeći na diplomskom radu F20.5 upoznala sam se s radom fotografkinje Jo Spence čiji opus rezonira sa mnom i često se vodim nekim njenim pristupom prema fototerapiji u svom radu. Kod nje mi je uvijek zanimljivo što tehnika nije primarna, ne postoji neka estetizacija već je naglasak na procesu, nešto kao kombinacija psihoanalize i fotografije. Fototerapija ima aspekt igre primjerice kod prerušavanja u drugu osobu, pa na jedan suptilan način dopušta da se bavimo “teškim” temama.

 

*iz serije “F20.5”

 

► Fotografije iz serije F20.5 djelomično su poetske vizualizacije očevih halucinacija, a djelomično inscenacije, kako piše Bojan Krištofić. Kako si u umjetničkom smislu pristupila ovoj temi?

Glorija Lizde: Od kada sam se počela baviti fotografijom uvijek sam naginjala ka inscenaciji i režiranoj fotografiji, a F20.5 je bio nekakav vrhunac toga u smislu da sam radila upravo ono što sam htjela. U nekim početnim stadijima rada nastojala sam zapisati sve očeve halucinacije kojih se mogao sjetiti, zapisala sam također i neka vlastita sjećanja iz djetinjstva te sam ponovno prolazila kroz obiteljske video snimke i fotografije. Nakon što sam zapisala sve, odlučila sam se fokusirati na vizualne halucinacije te na nekoliko auditornih budući da mi ih je bilo donekle lako rekreirati kroz fotografije. U rad je ušlo jako puno planiranja tako da su sve fotografije bile skicirane, lokacije istražene i pripremljene stoga bi samo fotografiranje trajalo svega 20-ak minuta. Fotografirala sam svoje sestre i sebe na lokacijama koje su bile od nekog značaja primjerice očeva kuhinja, park u kojem smo odrasle, očeva zgrada, sestrina soba, majčina kupaonica itd. Sam proces rada bio je vrlo izazovan jer sam u prikaze očevih halucinacija željela unijeti neke vlastite elemente, a ne ih samo ilustrirati. Rad sam neformalno podijelila na tri dijela (portrete, inscenacije halucinacija i mrtvu prirodu) te sam unijela mnoge simbole i tu crvenu boju koja se provlači serijom kao nekakav simbol dualnosti koja je karakteristična za shizofreniju.

 

*iz serije “F20.5”

 

► Izlagala si dosta u Hrvatskoj, ali i vani… Koliko je za tebe važno graditi internacionalnu karijeru?

Glorija Lizde: Trenutno sam više orijentirana na internacionalno izlaganje jednostavno zato jer osjećam da tako brže napredujem u nekom osobnom i autorskom smislu. Fotografska scena u Hrvatskoj je sve veća i zanimljivija, no u inozemstvu nalazim više prilika za dobre rezidencije, fotografske festivale i općenito umrežavanje s drugim umjetnicima i kustosima. Volim pratiti autore na internacionalnoj sceni jer dolaze iz različitih pozadina, a ta raznolikost iskustava je nešto što je teže naći u maloj državi kao što je naša. Ipak, volim živjeti u manjoj sredini kao što je Split jer je život sporiji i mirniji što se s povremenim izlaganjima u inozemstvu dobro izbalansira.

 

► Dobitnica si nagrade ELLE Style Awards za umjetnicu godine. S obzirom da je nagrada došla od jednog modnog/lifestyle magazina, a profesionalno se baviš i modnom fotografijom, možeš li nešto više reći o tom iskustvu?

Glorija Lizde: Nagrada ESA mi je bila značajna zato jer je omogućila da neke teme kojima se bavim dođu do šire publike, posebice do publike koja možda nije klasična galerijska publika. U tom smislu mislim da su nagrade važne, ne zbog nekog osobnog ili autorskog rasta jer to mora doći iznutra, već zbog širenja zamisli ili namjere koja stoji iza rada. Kod serije F20.5 to je bila ideja da počnemo govoriti o mentalnoj bolesti, a kod Postajanje: Mitovi o ženskosti da preispitamo naše poimanje ideje tko odnosno što je žena.

Moram priznati da se sve manje bavim modnom fotografijom jer mi se često čini da se ne mogu do kraja izraziti u toj formi. To je i dalje jedna vrsta komercijalne fotografije u kojoj postoji klijent (dizajner, časopis itd.) koji ima određene zahtjeve i u konačnici ima zadnju riječ tako da je to nekako ono što me odbija, taj manjak slobode. Možda je to samo vezano uz hrvatsku scenu gdje mi se čini da nema puno mjesta za eksperiment i za neočekivano. Iako me klijenti uglavnom angažiraju zbog stila, u praksi se pokaže da fotografiranje često ode u nekom drugom smjeru i na kraju se potrebno jako puno prilagođavati. U nekom svom profesionalnom fotografskom radu sve se više bavim predavanjima i radionicama, čini mi se da je to neki posao koji me jako ispunjava jer imam mogućnost rada s mladim, zanimljivim ljudima, vrlo je izazovno i podrazumijeva konstantno učenje i napredovanje. Zahvalno je vidjeti rezultate tog rada, pogotovo kada naiđe netko tko je istinski zainteresiran za fotografiju ili kada nekome proširite poimanje medija fotografije.

 

*iz serije “F20.5”

 

► Kako sagledavaš poziciju fotografa danas, kada je kamera za snimanje dostupna gotovo svakome? Imaš li osjećaj da toliki priljev fotografija i vizualna preopterećenost sadržajem utječe na fotografsku struku?

Glorija Lizde: Svakako utječe na fotografsku struku jer se fotografi više ne natječu samo s drugim kolegama iz struke već i s food blogerima, modnim influencerima, putopiscima itd. koji izvrsno fotografiraju. Takva količina konkurencije može biti inspirativna te pozitivno djelovati na medij fotografije utoliko što brže napreduje, ali i frustrirajuća budući da se stilovi i trendovi vrlo brzo mijenjaju i tome se teško prilagođavati. Vrlo je zahtjevno biti konkurentan i stalno prisutan na takvom tržištu.

Problem fotografa koji se bavi nekakvim autorskim, umjetničkim radom u današnjem svijetu vidim u tome da mora stalno proizvoditi novi sadržaj što može biti jako stresno i ne mora u konačnici rezultirati dobrim radom. U samom pristupu fotografskom radu teško je naći nekakav novi vizualni izričaj upravo zato jer se toliko ljudi bavi fotografijom.

 

► Koji su inspirativni sadržaji (literatura, glazba, vizualna umjetnost, filmovi) utjecali/utječu na tebe u smislu da te inspiriraju, otvore nove poglede na svijet..?

Glorija Lizde: Nastojim što više biti u prisustvu ljudi i sadržaja koji su inspirativni, koji otvaraju vidike i koji se kreću naprijed, mislim da je ta razmjena ideja nekako najbitnija stoga me najviše inspirira kada sudjelujem u nekim projektima, na nekim zanimljivim konferencijama i sl. Literatura, glazba i vizualna umjetnost je kao nekakvo plodno tlo koje je, barem meni, potrebno da bi kasnije izrasla neka nova ideja ili rad. Naravno, s novim radovima mijenja se i inspiracija, ali neki ljudi i likovi su stalni poput Alejandra Jodorowskog i Andreja Tarkovskog čiji me filmovi uvijek vrate na početne koordinate i daju mi polet da nešto napravim. U filmskom svijetu također bih izdvojila redateljicu Jane Campion, redatelje Kim Ki-duka te Johna Cassavetesa. Jako me inspirira i rad koreografkinje Pine Bausch te plesačice i redateljice Maye Deren. Kada radim na nekoj seriji fotografija volim gledati radove drugih fotografa koji su se bavili s tom temom, pa usporediti je li netko radio nešto na sličan ili isti način iako se ponekad i dogodi da osjetim utjecaj tuđih radova i u vlastitom radu.

Volim rad Jo Spence, jedne od začetnica fototerapije te njene sjajne fotografije u kojima se prerušava u svoju majku. Velika inspiracija u radu F20.5 mi je bio Seiichi Furuya i fotografije njegove žene Christine. Od suvremenih fotografkinja svakako bih spomenula Eline Brotherus i njen pomalo humorističan pristupu autoportretu, također Ana Mendieta koja se više bavila performansom zatim Justine Kurland koja insceniranim fotografijama prikazuje djevojaštvo te naposljetku Jeff Wall kojem se uvijek iznova vraćam. U zadnje vrijeme me jako inspiriraju fotografske knjige kojih nažalost u Hrvatskoj ima jako malo, ali to je neki pristup fotografiji koji me sve više zanima.

 

*iz serije “F20.5”

 

► Na čemu trenutno radiš i koji su planovi za budućnost? Gdje te možemo pratiti, gledati, podržavati?

Glorija Lizde: Trenutačno nastojim raditi na novom radu koji prati neobjavljenu autobiografiju mog djeda Hasana u kojoj se osvrće na svoj život s naglaskom na sudjelovanje u II. svjetskom ratu. Dio rada je već bio izlagan u Galeriji Spot u sklopu izložbe Periferne povijesti te u Capa Centru u Budimpešti na izložbi Of this world – Envisioning alternative cartographies i do nedavno je bio na Ostrale Biennalu O21 u Dresdenu. Objavljen je i u knjizi Changing Times: Art facing a new world izdavačke kuće The Eyes Publishing kao dio projekta Parallel- European Photo Based Platform. Tako da je ovaj rad već imao nekakvu publiku iako nije još gotov. Velik dio rada provela sam putujući po mjestima koje djed opisuje i taj način rada, fotografiranje na cesti 30-ak dana, mi je pokazao da je proces ponekad bitniji od konačnog rada.  Za slijedeću godinu se veselim skupnoj izložbi u Arlesu koja će se održati tijekom festivala Les Recontres d’Arles na kojoj će spomenuti rad biti izložen, nadam se u finalnoj verziji. U planu su i neke radionice u studenom u Zagrebu te neke suradnje koje se nadam ostvariti u idućoj godini.

 

 

 

Razgovarala: Maja Broun / tekstove ove autorice za Vizkulturu potražite na linku

 

 

Zahvaljujemo Gloriji Lizde na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Izlazak iz vlastite zone komfora appeared first on vizkultura.hr.

Kulturna praksa kao dijaloška forma

$
0
0

Nataša Bodrožić je kulturna radnica i kustosica, osnivačica nezavisne organizacije u kulturi Slobodne veze (zajedno s kustosicom Ivanom Meštrov i umjetnicom Tonkom Maleković). Jedan od najvidljivijih projekata je Motel Trogir, koji je zasigurno uspostavio novu paradigmu u odnosu na proizvodnju javnosti i njen odnos spram modernističkog nasljeđa. Međutim, to ni približno nije sve što Nataša radi.

 

*Nataša Bodrožić / foto: Saša Šimpraga

 

► Organizacija Slobodne veze osnovana je 2009. godine u Zagrebu. U opisu organizacije navodite potragu za modalitetima destabilizacije sistema privida stvarnosti kroz mehanizme diskurzivne analize i vizualne reprezentacije kako biste kreirali teritorije mogućnosti neotkrivenog. Kako je napredovala ta potraga od osnutka do današnjih dana?

Nataša Bodrožić: Još 2006., kada smo se Ivana Meštrov i ja upoznale, započele smo u MM centru zagrebačkog SC-a program naziva Slobodne veze, suvremene umjetničke prakse na međunarodnoj sceni (danas). Bilo je to vrijeme kada smo se obje vratile sa školovanja u inozemstvu pa nas je kolegica spojila jer smo razgovarale o iskustvima Pariza, gdje sam upravo završila višemjesečno stručno usavršavanje u umjetničkom centru Les Laboratoires d’Aubervilliers. U trenutku kad sam došla na stručnu praksu, ustvari u pariško predgrađe, umjetnik Thomas Hirschhorn je taman završavao svoj ambiciozni projekt u kvartu, naziva Musee Precaire Albinet (Neizvjesni muzej Albinet). Cilj projekta bio je izgraditi privremeni muzej (od materijala poput paleta, kartona, cerada, prepoznatljive hiršhornovske estetike) podno stambenih zgrada u kojima živi mahom stanovništvo slabijeg materijalnog stanja, često doseljenici iz različitih dijelova Afrike. U njemu su nekoliko tjedana bila izlagana neka od najvećih djela (povijesti) umjetnosti 20. stoljeća, originali Maljeviča, Dalija, Mondriana, Warhola, Beuysa itd., uz potporu Pompidou centra i Nacionalnog fonda za suvremenu umjetnost, uz aktivno uključivanje ljudi iz susjedstva, u različite faze projekta. Prema iskazima samog umjetnika, “projekt se temeljio na ljubavi prema umjetnosti i vjeri u ideju da individualni susreti s umjetničkim djelima mogu promijeniti nečiji život”. Filmom o Hirschhornovom projektu, autorice Coraly Suard, nakon kojeg je uslijedila ekstenzivna diskusija, započeli smo naš ciklus.

 

*Thomas Hirschhorn, “Musee Precaire Albinet”, postavljanje izložbe Andyja Warhola, 2004.

 

Dakle, u razdoblju smo svega dvije godine uoči svjetske ekonomske krize 2008. koja će dosta uzdrmati stvari. Muzej suvremene umjetnosti zatvoren je jer se seli s Gornjeg grada u novu zgradu, koja nikako da se dovrši, fali nam kulturnih sadržaja, u Zagrebu se polako razvija nezavisna kulturna scena, neki sjajni ljudi dovode odlične programe i goste, svi se (samo)obrazujemo učeći jedni od drugih, a ja paralelno radim i za Queer Zagreb festival. Nakon kratkotrajnog bubblea (na trenutak zavedeni obećanjem sveopće liberalizacije, nakon sumornih 1990-ih), polako kreće borba za prostore za nezavisnu kulturu, politizira se kulturno polje, a upravo 2006. u Zagrebu kreće i kampanja “Ne damo Varšavsku”, koju vode Zelena akcija i Pravo na grad. U tom kontekstu, a pogotovo nakon ekonomske krize 2008. i studentske blokade 2009. sve je jasniji rascjep između slike i stvarnog iskustva života (“liberalne demokracije”), pa i umjetnosti (ako pričamo o našoj profesionalnoj praksi), i u zapadnim središtima i na evropskoj periferiji. Konkretno, kod nas, sve više postajemo svjesni vlastite periferne pozicije i (društvenog) iskustva koje nam je oduzeto, tj. s kojim je presječen kontinuitet, socijalne države koja je uništena, povijesti koja je izbrisana. U tom pokušaju re-orijentacije, kao “djeca postkomunizma”, pokušavamo prepoznavati i reagirati na situacije i kodove u kulturnom (i širem društvenom polju) te detektirati i analizirati (nametnute) politike kulture, osmisliti vlastitu kulturnu praksu kao svojevrsnu dijalošku formu, tj. artikulirati politike mikro-otpora. Potraga, dakako, traje do danas, mislim da i danas radimo isto, samo s određenom dozom zrelosti koja valjda dolazi nakon 15 i više godina rada u (vaninstitucionalnom) kulturnom polju.

 

 

*Stefan Rusu, model balkona za Galeriju VN, izložba “CHIOSC: samoorganizirane kulturne prakse u Moldaviji”, 2009.

 

► Dok se brojne organizacije i kustosi/kustosice iz Hrvatske okreću suradnji sa Zapadnom ili Srednjom Europom, ti si se gotovo specijalizirala za suradnju s post-socijalističkim zemljama. Kako je do toga došlo i koji su rezultati?

Nataša Bodrožić: Početkom 2000-ih izuzetno me zanimalo što se događa u ostatku post-socijalističke, a posebno post-sovjetske Evrope, s kojom ni u jugoslavensko vrijeme nije bilo previše (pop) kulturnih spojnica (a znamo i zašto, od povijesnog razlaza 1948. do jugoslavenskog Trećeg puta, tj. politika nesvrstavanja nasuprot blokovskoj podjeli svijeta, uz konstantno prisustvo američke kulture u jugoslavenskom (pop) imaginariju, što je priča za sebe). Dakle, zanimale su me kulturne scene i kulturna suradnja koja nije bila naročito poticana raznovrsnim (geo-političkim) shemama financiranja, tj. bila je izvan njih. Tzv. Soroševi centri za suvremenu umjetnost (koji su devedesetih kako-tako povezivali post-socijalističke scene) već su se manje-više svuda gasili ili su ih baš počeli preuzimati lokalni akteri s neizvjesnom budućnošću jer je njihovo izdašno financiranje prestalo. U svakom slučaju, moj “ulaz” na scene post-sovjetske Evrope otvorio se preko Beograda, tj. postdiplomskog Studija kulturnog menadžmenta i kulturne politike na beogradskom Univerzitetu umetnosti. Radilo se o internacionalnom programu suradnje beogradskog univerziteta i Universite Lummiere u Lyonu, gdje sam, osim iz regije, upoznala kolege iz Francuske, Rumunjske, Bugarske i Moldavije, a s potonjima se posebno zbližila. Godine 2007. prvi put odlazim u Kišinjev na studijsko putovanje, a već 2008. ko-kuriram projekt umjetničkih intervencija u javnom prostoru Kišinjeva, INTERVENTII3, s kolegama iz udruge OBERLIHT. Iste godine, uz minimalna sredstva, odlazimo na studijska putovanja u Bukurešt, a zatim u Ukrajinu, i to Lavov, Kijev, Harkov i Odessu, gdje se susrećemo s mlađom generacijom umjetnika, samoorganiziranim kolektivima izniklim nakon “Narančaste revolucije” (naziv označava seriju građanskih prosvjeda i političkih događaja u Ukrajini 2004. i 2005. koji su započeli kao reakcija na nepravilnosti na predsjedničkim izborima i proširili se diljem zemlje), ali i srednjom generacijom, koja je bila dijelom Soroševih centara za suvremenu umjetnost. Dakako, istraživanje kulturnih scena neraskidivo je vezano uz analizu političkih i društvenih procesa unutar kojih nastaju ili na njih reagiraju jer umjetnički rad nikad nije (potpuno) autonoman.

 

*Performans/ akcija kijevske grupe R.E.P.

 

Paralelno, radim na sjajnom projektu CHIOSC, upravo s kolegama s beogradskih studija, Vladimirom Usom i Stefanom Rusuom. Naime, u nedostatku prostora za kulturu i umjetnost, udruga OBERLIHT pokreće inicijativu za instaliranje skulpture, “male arhitektonske forme” dizajnirane prema shemi takozvane Hruščovke, dakle, tipičnog stana u montažnoj stambenoj zgradi koje su nicale od početka 1960-ih diljem SSSR-a (a ime su dobile po Nikiti Hruščovu, tadašnjem generalnom sekretaru sovjetskog KP-a, tj. vođi SSSR-a od 1953. do 1964). CHIOSC ili “Otvoreni stan” uspješno je postavljen pred zgradu kišinjevskog Gradskog ureda za kulturu, kao objekt, ali i platforma za javno (kulturno) djelovanje. Ko-kurirala sam niz CHIOSC projekata na samom početku, pa tako 2009. pokrećemo umjetničku rezidenciju i s Tonkom Maleković u Kišinjevu produciramo rad Mogućnost grada, a krajem iste godine i izložbu u Zagrebu CHIOSC: Fokus na samoorganizirane umjetničke prakse u Moldovi. Dakle, kako putujem i radim na evropskom Istoku, tako sa Slobodnim vezama, Ivanom i Tonkom, organiziram programe (predavanja, filmske projekcije, izložbe) u Zagrebu predstavljajući i istočnoevropske umjetnike kod nas. Tako 2009. organiziramo izložbu FUTURE WAS YESTERDAY. NEW ART FROM UKRAINE, u suradnji s kijevskim kolektivom R.E.P., referirajući se na zadnju veliku izložbu ukrajinske umjetnosti u zagrebačkom MSU pod nazivom FUTURE IS NOW (BUDUĆNOST JE SADA: ukrajinska umjetnost devedesetih, 1999.), jasno ukazujući na političke, društvene, ali i institucionalne promjene koje su se dogodile u međuvremenu.  Aktualiziramo, potom, i naše istočnoeuropske kontakte iz Francuske i 2011. u suradnji s moskovskom kustosicom Elenom Yaichnikovom (koju smo upoznale na kustoskoj školi Le Magazin u Grenobleu), organiziramo izložbu ONCE UPON A PRESENT. POGLED NA UMJETNIČKU SCENU RUSIJE itd.

 

*Stefan Rusu, “CHIOSC/ Otvoreni stan”, ulica Bucuresti, Kišinjev

 

► Uredila si brojne publikacije, neke u okviru Slobodnih veza, neke u suradnji s drugim organizacijama. Počnimo od publikacije SPACES: Cultural Public Sphere in Armenia, Georgia, Ukraine and Moldova (2014.), koju si uredila s Nini Palavandishvili. O čemu se radi?

Nataša Bodrožić: Kako sam već istaknula, moj rad i zanimanje za post-sovjetske kulturne scene započinje još na magistarskim studijima 2004. i od tada sam s protagonistima, kolegama iz “Istočne Evrope” u neprestanom kontaktu i razmjeni, a od 2007. i u konkretnim, iako jako skromnim projektima. Tijekom narednih 5-6 godina, međutim, uspostavili smo jako značajna prijateljstva, koja su uvijek bila puno više od projektne razmjene. Da parafraziram Viktora Missiana, nakon kolapsa Sovjetskog saveza, kolabirale su i njegove kulturne institucije/kulturna infrastruktura, a kulturni život i kulturna proizvodnja u drastično izmijenjenoj formi nastavila se zahvaljujući prijateljstvima, samoorganizaciji, umjetničkim grupama koje su nastavile raditi. (Nešto kasnije, neka od tih prijateljstava postala su i NGO-i, što je jedna sasvim drukčija priča, što znamo iz vlastitog iskustva.) Ukratko, projekt SPACES (2011.-2014.) bio je svojevrsna aktivacija dugogodišnjih suradničkih platformi, partnerstava i poznanstava, a osmišljen je u nizu susreta. Projekt je financiran kroz pilot program Europske komisije za Istočno susjedstvo/ program kulture, a cilj je bio mapirati nezavisne kulturne aktere u Armeniji, Gruziji, Moldovi, Ukrajini, potaknuti istraživanje o počecima građanskog aktivizma i udruživanja (u kulturi) te ujedno pokrenuti niz programa umjetničkih rezidencija, umjetničku produkciju i osnažiti nezavisni sektor okupljanjem šire scene. Koliko god je projekt bio važan i omogućio stabilizaciju ili nastavak aktivnosti pojedinih organizacija, u EU pilot programu usmjerenom na “ne- EU zemlje” vrlo su brzo evidentnima postale razlike između tzv. Istočnih (post-socijalističkih) i zapadnih partnera (lead partner bio je iz EU, Hrvatska je postala članica u tijeku projekta), u smislu nejednakosti u odlučivanju, raspodjeli sredstava itd. Organizacije iz EU zemalja, kao “kompetentni” leaderi, još jednom kao da su reproducirale Budenovu teoriju o postkomunističkoj djeci – “pučkoškolcima liberalno-demokratskog i kapitalističkog tutora”. Dakle, knjiga koju spominješ prati projekt u četiri zemlje, a zanimljivo je da se upravo tada počinjem više baviti i kasno-modernističkom arhitekturom 1960-ih i 1970-ih, što je dosta važno mjesto za oblikovanje projekta Motel Trogir, čiju ću prvu publikaciju djelomično financirati upravo iz projekta SPACES.

 

 

► Motel Trogir je za sada najdugoročniji i najvidljiviji projekt Slobodnih veza, iniciran kampanjom za zaštitu trogirskog motela Ivana Vitića. Tim projekta čine još i Saša Šimpraga te Lidija Butković Mićin. Koliko znam, projekt je usko povezan s tvojim rodnim gradom Trogirom i jakim sentimentom koji te vežu za njega. Tvoj tata je radio u turizmu… Kako je taj sentiment utjecao na oblikovanje projekta?

Nataša Bodrožić: Kako sam prethodno naznačila, okidač za pokretanje projekta Motel Trogir dolazi iz dvije točke: prva je projekt SPACES unutar kojeg upoznajem ekipu vezanu uz veliki projekt koji je tada pripremao Arhitektur Zentrum Wien (AZW) naziva Soviet Modernism 1955.-1991. Unknown Stories. S druge strane – iz opsesije da učinim nešto po pitanju grada u kojemu sam odrasla, Trogira, i katastrofalnog stanja javnog prostora, pitanja devastacije i divlje izgradnje, propadanja brodograđevne industrije uslijed procesa tercijarizacije, koji (in)direktno pogađaju sam prostor. Moj otac je samo jedno vrijeme radio u turizmu, kao mladić, i to upravo u Vitićevom motelu. Sjećam se točno trenutka kada sam ga prepoznala na arhivskim fotografijama studentice koja ih je prikupila dok je po Trogiru istraživala za diplomski rad. To nije inicijalno oblikovalo projekt, ali ga je svakako obojilo. Dakle, projekt sam napisala u ljeto 2012., a dodatno se inspirirala sjajnom konferencijom u bečkom AZW-u krajem godine, posebno izlaganjem Rubena Arevshatyana, umjetnika i teoretičara iz Erevana koji nam je bio suradnik u projektu SPACES, a kasnije i gost-predavač u Zagrebu i Splitu. Odmah sam pozvala Sašu Šimpragu da se pridruži te smo lansirali projekt u ljeto 2013., on je zvao Lidiju Butković Mićin, a ja (baš na tvoju preporuku) i Dianu Magdić kao lokalnu podršku, koja je do 2016. bila dio tima.

 

*Akcija nakon rušenja kuće Matulja u Brodarici, u suradnji s DAŠ-om

 

► U okviru projekta Motel Trogir izdali ste do sada dvije publikacije. Prva je bila Motel Trogir: nije uvijek budućnost ono što dolazi. Uvodni tekst nosi naslov Proizvodnja javnosti, a u njemu ti i Saša Šimpraga, kao urednici, naglašavate nešto što mi se čini vrlo bitnim: prožimanje interesa lokalne zajednice i brojnih europskih i mediteranskih inicijativa s kojima se povezujete. U kojoj mjeri je opstao taj interes lokalne zajednice za Vitićev motel u Trogiru, u kakvom je stanju objekt danas i koji mu je stupanj zaštite? Drugim riječima, kako se restrukturiralo sjećanje zajednice grada Trogira u odnosu na njegovu modernističku ikonu – Vitićev motel?

Nataša Bodrožić: Vitićev motel u Trogiru, po kojem je cijeli naš projekt dobio ime, ima trajnu zaštitu, u Registru kulturnih dobara RH upisan je kao pojedinačno kulturno dobro. Dakle, ima isti status kao trogirska katedrala. Sjajno je da ga nazivaš trogirskom modernističkom ikonom, jer on to zaista jest. Naime, u istraživanju koje je poduzela Lidija Butković Mićin sa suradnicima 2015., a koje je rezultiralo još jednom publikacijom s pregledom razvoja grada u drugoj polovici 20. stoljeća – Moderna arhitektura Trogira, motel se nametnuo kao apsolutno najvažnija/najkvalitetnija građevina. Nažalost, motel je u lošem stanju i kontinuirano propada, unatoč zaštiti (što je karakteristično za niz zaštićenih modernističkih objekata, sjetimo se samo Marasovićevog lječilišta u Krvavici koje je, za razliku od trogirskog motela oko čijeg vlasništva se vodi beskonačni sudski spor, još uvijek u državnom vlasništvu). Što se tiče odnosa same zajednice, bez sumnje Trogirani shvaćaju što imaju u gradu, motel se često pojavljuje kao vrijednost u lokalnim povijesnim Facebook grupama, sjećaju ga se s nostalgijom jer je bio scenografija njihove mladosti, zabava i proslava, a sad kad znaju i da je toliko važan za povijest arhitekture, mislim da su i ponosni na njega.

 

*Studijski posjet, Bijenale mladih umjetnika Europe i Mediterana, 2016. / foto: K. Swoboda

 

Dakle, Ministarstvo kulture zaštitilo je Vitićev motel krajem 2013., u svojevrsnoj paralelnoj inicijativi lokalnog konzervatorskog ureda i naše kampanje za zaštitu – MOTEL TROGIR. Ne smije ga se rušiti. Međutim, kad jednom završi sudski proces, on će vjerojatno biti u privatnom vlasništvu, a vlasnik će biti dužan skrbiti o njemu. Ukoliko vlasnik ne skrbi o zaštićenom kulturnom dobru, prema Zakonu o zaštiti i očuvanju kulturnih dobara, postoji niz mehanizama kojim lokalna samouprava može intervenirati. U članku 31. Zakona stoji:

“Kad nadležno tijelo utvrdi da vlasnik ne postupa sukladno odredbama ovoga Zakona ili ne postupa s dužnom pažnjom, te prijeti opasnost od oštećivanja ili uništenja kulturnoga dobra, gradsko ili općinsko poglavarstvo na čijem se području kulturno dobro nalazi na prijedlog nadležnog tijela dužno je imenovati kulturnom dobru privremenog skrbnika.

Nadležno tijelo može predložiti imenovanje privremenog skrbnika i u slučaju ostavinskog ili drugog postupka predmet kojeg je kulturno dobro.”

Iz članka 31., kao i iz drugih članaka ovog Zakona, ustvari vidimo da lokalne vlasti, u ovom slučaju Grad Trogir, mogu intervenirati i nešto učiniti po pitanju očuvanja Motela, a novinarsko pitanje trebalo bi svakako biti upućeno i na tu adresu, dakle na gradonačelnika Trogira. Trebalo bi ga pitati u kojoj je fazi sudski spor i ima li namjeru posegnuti za nekim od mehanizama koje mu Zakon dopušta, a tiče se očuvanja motela tj. zaštićenog kulturnog dobra koje svakim danom sve više propada.

 

*Neli Ružić, “Stolen Future”, svjetlosna intervencija u Vitićevom motelu u Trogiru, 2014.

 

► Druga publikacija, Pejzaži potrošačke kulture u socijalističkoj Jugoslaviji, potaknuta je splitskim kompleksom Koteks. Publikacija je doživjela izuzetno dobru recepciju, kompleks Koteks i sentiment Splićana vezan za njega oživljavali ste i performansima, peripatetičkim formatima… Kakva je sudbina samog kompleksa, što mu se sprema? Koteks ste povezali sa sličnim kompleksima u Novom Sadu, Prištini, Sarajevu… Koje su sličnosti i razlike pristupa modernističkom nasljeđu u zemljama ex-Yu?

Nataša Bodrožić: Početkom 2016. godine uputili smo pismo Konzervatorskom odjelu u Splitu u kojem predlažemo da se razmotri neki oblik zaštite kompleksa Koteks Gripe (arhitekti Ž. Janković, S. Rožić, 1979.-1981.), nismo ulazili u detalje. Tada nam je odgovoreno da je kompleks doista vrijedan arhitektonsko-urbanistički sklop, ali da nema dovoljno materijala, znanstvenih, stručnih tekstova kako bi se argumentirala eventualna zaštita. Zato smo gotovo tri godine kasnije izdali ovu knjigu, dakle, prikupili smo argumente. Poslali smo i knjigu i pismo još jedanput, ali nismo dobili odgovor. Koteks na Gripama je Splićanima važno mjesto, sportska dvorana, u vlasništvu Grada, izuzetno se puno koristi, kao i neki okolni prostori, a sve više različitih protagonista uviđa njegove performativne potencijale, organiziraju se različite (kulturno-zabavne) manifestacije na otvorenom, a  sljedeće godine planiramo podržati jednu takvu i to usmjerenu na mlađu populaciju. Koliko čujem, kompleks Koteks Gripe tema je seminara, znanstvenih radova, čak i doktorata, tako da će netko drugi (mlađi) nastaviti tamo gdje smo mi stali. U tome je i smisao našeg rada.

 

 

Novi Sad, Priština i Sarajevo bili su logični pravci povezivanja, slijedeći praksu jednog od arhitekata kompleksa (Dvorane Gripe) Živorada Jankovića, tj. realizacije srodnih multifunkcionalnih objekata koje je projektirao širom Jugoslavije sa suradnicima. U posljednjih par desetljeća, a posebno u periodu kada smo uređivali knjigu, sva četiri Jankovićeva kompleksa (SPENS, SKENDERIJA, KOTEKS-GRIPE, CENTAR ADEM JASHARI/ ex BORO I RAMIZ), došla su na udar investitora i novih prostornih upravitelja. Zato smo intenzivirali komunikaciju s kolegama iz navedenih gradova. Pod krinkom “rekonstrukcije” ili argumenata o “neodrživosti ovakvih mega struktura”, krila se ustvari privatizacija i njihovo polagano otuđivanje (tj. promjena vlasničke strukture i načina njihova korištenja te postupno ukidanje ili reduciranje njihove javne namjene).

Nisam sigurna da postoje strategije očuvanja modernističkog nasljeđa u regiji, pa da možemo precizno govoriti o sličnostima i razlikama pristupa. Rad kolega u ovom polju (re)valorizacije i očuvanja modernističke arhitekture može se (još uvijek) bolje opisati taktikama (i aktivizmom). Dakle, radi se o manjim timovima, građanima i profesionalnim udruženjima koji zagovaraju očuvanje najboljih ostvarenja kasno-modernističke arhitekture i to rade na sličan način: od javnih kampanja do tekstova, peticija, zagovaranja, stalno iznalaze nove načine, ovisno o potrebi, tj. kontekstu. U Srbiji i odnedavno u BiH postoje i lokalne sekcije DOCOMOMO-a, u Crnoj Gori udruženje KANA – ko ako ne arhitekt, itd. Prije nekoliko godina, kada su zaštićeni Vitićevi moteli u Trogiru (2013.) i u Preluku (2015.), činilo se da je Ministarstvo kulture prepoznalo važnost ovih okoliša kao nove kulturne baštine, ali naravno, kad se kasnije uvidjelo da se čak ni objekti u državnom vlasništvu iz raznoraznih razloga nekako ne uspijevaju obnoviti (sjetimo se slučaja Vitićevog Motela Panorama kod Rijeke), čini se da i u Ministarstvu sve više stopiraju zaštitu ili dopuštaju da (ona preventivna) istekne. Dakle, u bližoj budućnosti neki tip strategije mora se donijeti, a o tome je Ministarstvo kulture u zadnjem odgovoru oko slučaja Hotela Maestral u Brelima, čini se, počelo komunicirati… Međutim, još je nejasno što tu možemo očekivati.

 

*foto: Duška Boban

 

Govoreći o regiji, zanimljiv mi je jedan primjer zaštite iz Srbije. Naime, početkom siječnja 2019. naselje Cerak vinogradi (Cerak 1 i Cerak 2) postalo je “prvo kompletno savremeno stambeno naselje stavljeno pod nadležnost Zavoda za zaštitu spomenika kulture Grada Beograda”. Iako je izgradnja tog naselja počela nešto kasnije, ono je i vršnjak (nekih dijelova) Splita 3 –  izgrađeno je u periodu od 1978. do 1985. godine prema projektu arh. prof. Darka Marušića, arh. Milenije Marušić i dr. Nedeljka Borovnice, izabranom na jugoslavenskom pozivnom natječaju 1977. godine. U planu zaštite se navodi da su “sve intervencije u okviru prostorne kulturno-povijesne cjeline moguće uz maksimalno poštovanje već stvorenog konteksta prostorne organizacije, kao i da je za sve radove u prostoru neophodno pribaviti uslove za preduzimanje mera tehničke zaštite, koje izdaje Zavod za zaštitu spomenika kulture grada Beograda”. Mislim da je ovaj tip zaštite zanimljiv put, ali treba pitati kolege iz Srbije što to točno znači u praksi i da li se i kako provodi.

 

► Početkom listopada u splitskom Salonu Galić otvorili ste izložbu pod naslovom (Ne) vjeruj pripovjedaču. Slučaj Krvavica, posvećenu izvanrednom objektu Rikarda Marasovića, nekadašnjem Vojnom dječjem lječilištu. Surađivali ste s Udrugom Kačić iz Podgore, prije nekoliko godina umjetnički dvojac Doplgenger snimio je film na lokaciji… Reci nam nešto o konceptu izložbe i kako ste povezali višegodišnje istraživačke metodologije s izložbenim strategijama.

Nataša Bodrožić: Prvi put smo posjetili Krvavicu 2015. godine na stručno vođenoj turi i na nas je ostavila izuzetan dojam. Od tada sve naše umjetnike u rezidenciji i goste vodimo da vide i fizički dožive Marasovićevo bivše Dječje lječilište, kao dio programa obilazaka. Kao umjetnici u dugoročnoj rezidenciji Motel Trogir, beogradski umjetnički duo Doplgenger izabire zgradu dječjeg lječilišta kao lokaciju za svoj rad (film Snimak pejzaža bez predistorije završen je 2020.). Godine 2018. raspisujemo natječaj za signalizaciju objekta i djelomično je realiziramo (ne potpuno – zbog otpora lokalnih vlasti, tj. nemogućnosti dobivanja dozvola), a 2020. pokrećemo s udrugom Kačić (a pridružuje se i Platforma 9,81) kampanju protiv njezine prodaje te realiziramo niz javnih događanja u samom mjestu. Tada kreće i istraživanje Udruge Kačić te razgovori s mještanima o suodnosu Marasovićevog remek-djela i lokalne zajednice.

 

*Krvavica, 2020. / foto: Antonia Vodanović

 

Mučila nas je ta priča o “strogo kontroliranom objektu” (koji je bio dio vojne imovine), što bi sugeriralo njegovu izdvojenost iz zajednice, jer se javljalo sve više glasova i dokaza (od razglednica djece koja su boravila u lječilištu, turističkih prospekata, članaka do fotografija zaposlenika) koji su govorili suprotno. Iako je zgrada relativno poznata i u široj javnosti, osim važnog teksta Mirande Veljačić iz 2008., zatim Maroja Mrduljaša i kasnije jedne, dosta relevantne epizode Betonskih spavača, o njoj nije bilo previše materijala. Tom istraživanju priključuje se niz lokalnih aktera, kreativaca koji i sami rade (umjetničke) intervencije u zgradi kao pokušaj njezine aproprijacije. Izložba je bila samo jedan od sljedećih koraka planiranih u tom procesu.

 

*foto: Duška Boban

 

(NE) VJERUJ PRIPOVJEDAČU je “kustoski koncept” koji razvijam duže vrijeme, u suradnji s brojnim kolegama, a do sada je imao dvije iteracije. Prva, zagrebačka izložba istog naziva (iz prosinca 2020.) bavila se odnosom arhitekture sredine 20. stoljeća, izgrađenih okoliša iz razdoblja socijalističke Jugoslavije i medijske (filmske, video) slike kao jednog od kanala njihove reprezentacije i (re)interpretacije danas. Ova druga, splitska, imala je u fokusu sam proces pripovijedanja i ulogu pripovjedača (kao nesigurnog svjedoka) u konstruiranju društvenog pamćenja. Okidač je bio konkretan prostor – zgrada Vojnog dječjeg lječilišta u Krvavici i svojevrsna mistifikacija mjesta koja se dogodila pri njezinom ponovnom “otkrivanju” u prvoj polovici 2000-ih. Međutim, izložba je uvijek kolektivni pothvat, tu su istraživači iz Udruge Kačić, umjetnici koji se dugo bave tom temom poput Duške Boban, aktivisti, šira obitelj arhitekta Rikarda Marasovića koja nam je ustupila materijale. Na neki način smo zajedno artikulirali splitsku izložbu koja je imala izuzetan odjek, a još uvijek nam pristižu pisma i poruke posjetitelja iz regije, ali i šire Evrope, o tome koliko ih je ganula ili inspirirala. To zaista nismo očekivali, kao ni da će je vidjeti više stotina posjetitelja u Splitu, u svega 12 dana.

 

*foto: Žaklina Antonijević, 2021.

 

Od 2014. unutar projekta Motel Trogir produciramo umjetničke radove, ali oni nikada nisu bili ilustracija kampanje, već puno kompleksniji zahvat. U tom procesu zanimljivo mi je razmatrati odnos aktivizma i umjetničkih praksi. Oni su, u slučaju projekta Motel Trogir svakako komplementarni, ali dok aktivizam (kao i politika) da parafraziram Borisa Groysa, podrazumijeva budućnost kao rezultat akcija koje se odvijaju sada i ovdje (aktivizam treba biti efikasan, proizvesti rezultate pa nestati kroz proces transformacije društvenog realiteta kojoj stremi), umjetnički rad ne nestaje kada je posao završen. On ostaje trajno prisutan…

 

► Snažna komponenta projekta Motel Trogir je ona zagovaračka. Vrlo ste aktivni u upućivanju peticija prema Ministarstvu kulture i medija kako biste zaštitili pojedine objekte. Jedna od recentnih akcija je kampanja za zaštitu Hotela Maestral u Brelima. Bilo bi za očekivati da taj biser tzv. “trijeznog” modernizma bude sačuvan za sljedeće generacije, međutim, vi ste pokrenuli kampanju kada je istekla tek preventivna zaštita. Što se postiglo i kakva je situacija danas? Koje strategije nam predstoje u očuvanju tako vrijednih objekata?

Nataša Bodrožić: Ministarstvu kulture  u vezi slučaja Hotel Maestral obratili smo se još 7. listopada 2020., dakle skoro mjesec i pol prije isteka preventivne zaštite (koja je završavala) 17. studenoga 2020. upozoravajući na tu činjenicu. Od tada, uporno smo slali otvorena pisma na adresu Ministarstva, ali i na druge adrese zainteresiranih stručnjaka, aktivista, državnih institucija, kako bismo slučaj učinili vidljivim. Budući da Maestral ima kultni status i predstavlja bez sumnje jedan od najljepših modernističkih projekata na ovim područjima (pritom jedan od rijetkih očuvanih!), mediji su jako brzo reagirali, javnost je senzibilizirana, ali tek nakon konzultiranja s pravnicima i upućivanjem Ministarstvu “Prigovora o nepostupanju po našim podnescima”, dobili smo odgovor, i to usred ljeta, 3. kolovoza ove godine. Rečeno nam je da je “pokrenut proces za izradu kriterija za vrednovanje hrvatske arhitekture novijeg doba” u koji će biti uključen i Arhitektonski fakultet u Zagrebu, kao i “utvrđivanje smjernica za moguće prihvatljive promjene s obzirom na pojedine vrste zgrada i njihova arhitektonska obilježja, temeljem analize ključnih vrijednosnih sastavnica, imajući u vidu potrebu održivog korištenja zgrada”. Podsjetimo, Bluesun Hotel Maestral u proljeće 2021. preuzela je tvrtka Eagle Hills Real Estate d.o.o., domaćoj javnosti poznata po želji da izgradi “Zagrebački Manhattan” te po kontroverznom projektu “Beograd na vodi”. Najavljen je i plan novih vlasnika da će dio hotela podići na pet zvjezdica, dio na četiri što bi značilo potencijalno radikalne preinake Maestrala. Nisam sigurna čemu se možemo nadati jer je Hotel izgubio zaštitu. Nastojat ćemo pratiti ovaj slučaj i dalje, a svakako bi trebalo uputiti jedno pismo Upravi hotela i pitati ih kakvi su im planovi rekonstrukcije ili u kojoj su fazi. Je li se krenulo u obnovu i što će se ostaviti, očuvati, a što sasvim izmijeniti…

 

*foto: Zvonimir Stamenov

 

► Povezivanje s međunarodnim inicijativama najvidljivije je kroz segment projekta koji ste nazvali Mediteranska mreža modernizma. Kakvi su planovi u okviru tog segmenta programa i kakvi su planovi za budućnost cijelog projekta Motel Trogir? Nakon Vitićevih motela i drugih objekata (uključujući i zagrebačku Kockicu te čuveni neboder u Laginjinoj ulici), splitskog Koteksa te Marasovićevog lječilišta – kojem objektu ćete se posvetiti u budućnosti?

Nataša Bodrožić: Od samih početaka Motel Trogir komunicira međunarodno, koristeći dotadašnju ekstenzivnu mrežu kontakata i partnerstva udruge Slobodne veze, ali i stvarajući nove. Mediteransku mrežu modernizma pokrenuli smo 2015. studijskim putovanjem u Casablancu, kada smo, baveći se Mediteranskim igrama u Splitu 1979. i izgradnjom centra Koteks, pronašli arhivsku fotografiju s digitalnim natpisom: SPLIT- CASABLANCA. Natpis je na Poljudskom stadionu označio kraj Mediteranskih igara u Splitu i najavio sljedeće u Casablanci pa smo odlučili aktivirati kontakte i istražiti konekcije između ova dva mediteranska grada, u smislu arhitektonskog nasljeđa Igara, ali i šire veze, odnose sa zemljama Sjeverne Afrike, neizostavno se dotičući gotovo nevidljivog nasljeđa Pokreta nesvrstanih u Hrvatskoj. Dakle, govorimo o 2014./2015., od tada se situacija promijenila i više aktera bavi se istraživanjem nekih segmenata ovog političkog i ekonomskog projekta globalnih razmjera.

 

 

U Casablanci smo uspostavili značajna partnerstva s nizom aktera te na neki način ohrabrili organiziranje sličnog projekta poput našeg: organizaciju usmjerenu na zaštitu modernističkog marokanskog nasljeđa iz razdoblja nakon nezavisnosti – MAMMA (Mémoire des Architectes Modernes Marocains). Njihovo ime referira se na važnu grupu u povijesti marokanske arhitekture –  GAMA (Grupa modernih marokanskih arhitekata), podružnice CIAM-a koju je osnovao arhitekt i urbanist Michel Ecochard. Kolege iz grupe MAMMA izuzetno su aktivni danas i bili su gosti na našim programima u Zagrebu i Splitu.

 

*Jean-François Zevaco, Tržnica u Rue d Agadir, Casablanca / foto: Saša Šimpraga

 

Nakon Maroka, otišli smo u Alžir (gradove Alžir i Oran), izuzetno važnu zemlju u kontekstu Nesvrstanih, gdje smo slijedili nekoliko linija, među kojima i alžirski opus brazilskog arhitekta Oscara Niemeyera. U Tunisu smo, potom, otkrili niz poveznica sa Zagrebom (veza između Talijanskog paviljona na Zagrebačkom velesajmu i tuniškog landmarka Hotel du Lac, npr.) te uspostavili niz suradnji koje je nažalost omela aktualna pandemija. Kolega Saša Šimpraga posebno se usmjerio na singularni projekt arhitekta Ivana Prtenjaka iz 1969., Kuću pored mora u gradu Kelibija, koju je sredinom listopada predstavio u zagrebačkoj Galeriji Modulor. Izložbu smo producirali kao niz lako prenosivih platna još 2019. s planom da je predstavimo i u Tunisu, u okviru radionice koju smo trebali organizirati na poziv tamošnjih kolega, ali je prvo niz terorističkih napada, a zatim pandemija zaustavila taj segment projekta. Trenutno radimo na dokumentaciji naših studijskih putovanja i istraživanja te se nadamo da će biti dostupna javnosti u vidu nove publikacije u bližoj budućnosti.

Što se tiče projekta Motel Trogir generalno, imamo niz planova i dogovorenih suradnji, a sljedeće godine kretat ćemo se i nešto sjevernije. Bit će izmjena i u projektnom timu. Želja nam je i dalje surađivati s nešto mlađim generacijama, s ciljem obostranog nadopunjavanja i učenja.

 

*Univerzitet znanosti i tehnologije Houari Boumediene arhitekta Oscara Niemeyera, Bab-Ezzouar, Alžir / foto: Saša Šimpraga, 2017.

 

► Rad Slobodnih veza proteže se više i dalje od Motela Trogir. Ove godine s Ivanom Meštrov kurirala si OSTRALE Biennale u Dresdenu, treću najveću međunarodnu izložbu suvremene umjetnosti u Njemačkoj (kontinuirano se održava od 2007., a od 2017. bijenalno). Središnji izlagački prostor bio je u Robotronu, nekadašnjem najvećem istočnonjemačkom proizvođaču elektronske opreme, a tema je bila “Mijena daha”, prema antologijskoj zbirci poezije Paula Celana iz 1967. godine. Robotron je odabran jer se radi o simbolu borbe aktivističke i kulturne scene za očuvanje arhitektonske baštine Dresdena druge polovice 20. stoljeća. Kako ste osmislili postav u tako pregnantnom prostoru, kako ste uspostavili dijalog između prostora i teme izložbe (predstavili ste 140 umjetnika, pri čemu je uspjeh za sebe da su svi umjetnici bili honorirani)? Jeste li surađivali s nekim pri oblikovanju tako zahtjevnog postava? Kakvi su odjeci u lokalnoj zajednici Dresdena?

Nataša Bodrožić: Dresden i OSTRALE bijenale koje smo počeli pripremati negdje početkom 2020., a otvorili ga 1. srpnja 2021. u izvanrednim, pandemijskim okolnostima, bilo je dosta kompleksna priča. Nemoguće je prepričati sve detalje tog dugog procesa: četiri kustoske pozicije, preko 1200 umjetničkih prijava iz cijelog svijeta, selekcija radova koja traje mjesecima, artikulacija izabranih pozicija u smislenu cjelinu, neizostavno referiranje na aktualnu globalnu zdravstvenu krizu, temu daha i disanja uz lokalne zadatosti – dakle, prostor bivše radničke kantine Robotrona i pokušaja njezine reinvencije kako bi se sačuvala u posvemašnjem brisanju rušenju OST-moderne u čitavom kvartu. Kako zbog pandemijskih ograničenja, tako i zbog radova koji su se odvijali u derutnom modernističkom prostoru, postav smo osmišljavali na drvenom modelu, maketi kantine koju su do detalja izradili tamošnji studenti arhitekture (zvali smo je mali “Dogville”, referirajući se na scenografiju von Trierovog filma). Iskustvo grada i lokalni kontakti bili su ograničeni pa smo (paradoksalno) kurirali u izolaciji i online. Produkcijski tim bijenala, slijedeći naše upute, “preveo” je postav iz makete u stvarni prostor koji nije imao gotovo ništa, niti struje, ni instalacija, nikakvih uvjeta za izlaganje. Uz to je zbog iznenadnih ljetnih kiša još i dodatno oštećen pa saniran. Međutim, sve je dobro završilo, a izložbu je u tri mjeseca trajanja vidjelo 25 000 posjetitelja što znači da bijenale doista komunicira prvenstveno sa stanovnicima Dresdena, ali i ostatkom pokrajine Saske (i šire).

 

 

► Ostrale bijenale nije prva velika izložba koju si kurirala s Ivanom Meštrov. Prije toga kurirale ste zajedno Mediteransko bijenale mladih. Je li moguće usporediti ta dva iskustva  kuriranja velikih izložbi te što priželjkuješ kao treće zajedničko kuriranje u ovom nizu bijenalnih velikih međunarodnih izložbi?

Nataša Bodrožić: Kuriranje velikih formata, izložbi poput međunarodnih bijenala suvremene umjetnosti, ambivalentno je iskustvo. S jedne strane postoje očekivanja koja treba zadovoljiti, u smislu masovnosti, reprezentativnosti, mjerila, a s druge ona mogu biti kakvi-takvi poligoni za lansiranje nekih ideja, agendi, zahtjeva – evo, poput naknade za umjetnički rad ili očuvanja (kasno)modernističkih okoliša kojima prijeti propast uslijed novog razvoja ili pak “re-tradicionalizacije” gradova. Kada smo 2013. kurirale Mediterraneu, 16. bijenale mladih umjetnika u Anconi, bile smo dio sjajnog međunarodnog kustoskog tima, s kolegama iz Italije, Francuske/ Sirije, Alžira, Njemačke/Britanije, ali prilično nove u jednom takvom mega iskustvu. Međutim, bilo nam je to jedno od zanimljivijih poglavlja u karijeri, iako nitko nije očekivao tolike komplikacije – poput kolapsa gradske vlasti naklonjene bijenalu i pitanja hoće li se uopće moći završiti postav. Dakle, bilo je turbulentno, a i dosta iscrpljujuće prolaziti kroz tisuće umjetničkih prijava. S druge strane, rasprave s kolegama, upoznavanje novih umjetnika, umjetničkih scena/konteksta itd., svakako su bile intelektualno stimulirajuće. U Dresdenu je bilo drukčije, ali opet smo radile bijenale u izvanrednim okolnostima, s posebnim korona pravilima i s pitanjem hoće li se uopće moći održati. Međutim, jako nam je važno raditi u međunarodnom kontekstu, imati taj kanal otvoren jer mi se čini da malo toga može zamijeniti takvo iskustvo: novi grad (doduše u pandemijskom vremenu sveden na minimum), snalaženje u novom profesionalnom okruženju, propitivanje vlastitih  pozicija, pregovaranje, učenje…

 

 

Budući da radim u tzv. nezavisnom sektoru, ne mogu razmišljati više od par mjeseci unaprijed, nikad nisi siguran hoćeš li sljedeće godine i dalje raditi u kulturi ili možda potpuno promijeniti zanimanje da si osiguraš egzistenciju. Poslove često ne mogu birati, uvjeti nikada nisu idealni, a priželjkivati… hm. Možda priželjkujem da kao Slobodne veze kuriramo konačno izložbu ili veći kulturni događaj, pri čemu nitko neće biti potplaćen, produkcijski uvjeti će biti skoro pa idealni, a da u isto vrijeme možemo realizirati nama relevantnu priču. Kada bolje promislim, a tražila si me da maštam, zapravo radije priželjkujem da se novac od organiziranja neke takve masovke preusmjeri u obnovu Marasovićevog remek-djela, bivšeg dječjeg lječilišta u Krvavici (i njegovo vraćanje približno originalnoj, dakle socijalnoj/javnoj funkciji) ili “našeg” Vitićevog motela u Trogiru, koji bi obnovljen, kao ekstenzija gradskom životu, mogao izvući, barem malo, onaj kaotični zapadni ulaz u grad.

 

*Nataša Bodrožić / foto: Saša Šimpraga

 

 

 

Razgovarala: Sonja Leboš / tekstove ove autorice za Vizkulturu potražite na linku

 

 

Zahvaljujemo Nataši Bodrožić na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Kulturna praksa kao dijaloška forma appeared first on vizkultura.hr.

Vrijedni iskoraci u arhitektonskom djelovanju

$
0
0

Rad arhitektice Zoje Dumengjić bio je gotovo nepoznat dok se dr. sc. Zrinka Barišić Marenić, izvanredna profesorica i znanstvena savjetnica Arhitektonskog fakulteta Sveučilišta u Zagrebu, nije posvetila njenom iznimnom opusu. Zahvaljujući znanstvenoj monografiji Arhitektica Zoja Dumengjić (objavljenoj 2020. godine, u suradnji Arhitektonskog fakulteta u Zagrebu i UPI2M BOOKS), rad velike arhitektice danas je dostupniji i razumljiviji ne samo arhitektonskoj profesiji već i svima koji se bave prostorom, ali i drugim, u sadašnjem trenutku vrlo važnim temama poput: zdravlja, rehabilitacije, društvene skrbi, itd. Ta znanstvena monografija direktan je povod ovom razgovoru.

Zrinka Barišić Marenić je također i koautorica Leksikona arhitekata Atlasa hrvatske moderne arhitekture XX. stoljeća (s A. Uchytil i E. Kahrović), za što je nagrađena laureatom Državne nagrade za znanost (2009.). Autorica-kustosica je hrvatskog nastupa na 14. Venecijanskom bijenalu arhitekture 2014. (gl. izbornik R. Koolhaas), izložbe Fitting Abstraction (izbornica K. Šerman). Članica je Upravnog odbora Društva arhitekata Zagreba od 2019., te programska voditeljica pet Dana zagrebačke arhitekture (samostalno, odnosno s L. Korlaetom ili T. Matkovićem). Fokus njenog znanstvenog rada je hrvatska moderna  arhitektura, te industrijska arheologija.

 

*Zrinka Barišić Marenić

 

► Vaša knjiga Arhitektica Zoja Dumengjić proizašla je iz Vaše disertacije pod naslovom Arhitektica Zoja Dumengjić – osobitost djela u kontekstu hrvatske moderne arhitekture koja je ostvarena u sklopu znanstveno-istraživačkog projekta Atlas arhitekture Republike Hrvatske, XX-XXI. stoljeće. Kako je došlo do toga da ste se počeli baviti njenim djelom i što biste, u kratkim crtama, istaknuli kao osobitosti njenog djela u kontekstu hrvatske moderne arhitekture?

Zrinka Barišić Marenić: Zoja Dumengjić izuzetna je stvaralačka osobnost koja je obilježila hrvatsku modernu arhitekturu. Nekoliko je aspekata posebnosti njezina djelovanja. Prva je žena koja se afirmirala na našoj arhitektonskoj sceni još ranih tridesetih godina XX. stoljeća. Studij arhitekture u Zagrebu upisala je kao jedna u nizu emigranata s područja Ruskog carstva, i iz takve specifične situacije emigrantice, kao tek treća arhitektica koja je stekla diplomu u Zagrebu, uspjela je izuzetnom ustrajnošću, enormnom stvaralačkom snagom i specifičnim stvaralačkim prosedeom ostvariti snažan opus od gotovo dvije stotine projekata, odnosno šezdesetak realizacija koje su obilježile naš prostor. Sve navedeno su inspirativne silnice koje su usmjerile moje istraživanje otkrivanju cjelokupnog opusa, uz već stručnoj javnosti dijelom poznata ostvarenja bolnica i paviljona za tuberkulozu u Splitu i Karlovcu, Škole sestara pomoćnica i internata na Mlinarskoj cesti, zagrebačkih domova zdravlja na Trnju i Črnomercu i dr.

U vrijeme promišljanja teme na spomen imena Zoje Dumengjić javljale su se samo dvije reakcije, s jedne strane oduševljenje, a s druge nepoznavanje njezina djela. Obje, pomalo oprečne reakcije samo su učvrstile moje uvjerenje i želju za istraživanjem djela i stvaralačkog prosedea arhitektice Zoje Dumengjić.

Specifičan izraz Zoje Dumengjić razvio se i manifestirao primarno kroz kompleksan segment arhitekture zdravstvene namjene, premda je arhitektica svoje djelovanje usmjeravala raznovrsnim tipološkim projektima, poglavito kroz natječajne projekte. Najveći broj arhitektičinih projekata javne je namjene i velikog mjerila.

Premda su se u razdoblju između dva svjetska rata brojni arhitekti bavili problematikom zdravstvene arhitekture, uz progresivne projekte Ernesta Weissmanna i realizacije bolničkih zgrada Stanka Kliske, po ukupnom broju projekata, osvojenih nagrada i kvalitetnih ostvarenja, ističe se i opus zdravstvene arhitekture arhitektice Zoje Dumengjić. Analogna situacija ponovila se i u razdoblju nakon Drugoga svjetskog rata, kada su uz arhitekticu druge značajnije realizacije bolničkih zgrada ostvarili njeni suvremenici Antun Ulrich, Vladimir Turina te Ivo Geršić. Na specifičnom području arhitekture lječilišta tuberkuloze doprinos Zoje Dumengjić u našoj sredini je najizraženiji.

Njen projektantski prosede čvrsto je baziran na zasadama moderne arhitekture, te je postupno razvila specifičan autorski izraz na temelju suvremenog vladanja svim komponentama arhitekture i urbanizma, suptilne likovnosti, ali i konstruktivno-izvedbenim dosezima vremena, skromnog ekonomskog budžeta, rigidne analize funkcionalnog programa koja nadilazi pragmatične funkcionalne obrasce te se oplemenjuje psihološko-socijalnim perspektivama korisnika. Nadilazi uvriježene projektne obrasce, te u bogatom nizu projekata postupno razvija inovativna projektna rješenja koja su specifičnim izrazom kulminirala pedesetih i šezdesetih godina XX. stoljeća.

 

*Korice knjige “Arhitektica Zoja Dumengjić”

 

► Nakon objavljivanja Vaše disertacije, Zojino djelo je češće predstavljano u javnosti, a naročito ističete Međunarodnu konferenciju Modern Movement Women, održanu u Oviedu i Ljubljani prije nekoliko godina. Možete nam reći više o toj konferenciji?

Zrinka Barišić Marenić: MoMoWo – Modern Movement Women međunarodni je projekt ostvaren u sklopu Creative Europe Programa Europske unije. Pokrenut je s ciljem istraživanja doprinosa žena u dizajnerskim i inženjerskim profesijama, promicanja kulturne i profesionalne jednakosti, te težnji rodno uravnoteženog društva.

 

Projekt su inicirale istaknute arhitektice, odnosno znanstvenice s Politechnico di Torino, Universidade Europeia iz Lisabona, Universidad de Oviedo, Vrije University iz Amsterdama, France Stele Institute of Art History Slovenske akademije znanosti i umjetnosti, Slovakia University of Technology iz Bratislave i dr.

Zrinka Barišić Marenić: Kroz niz međunarodnih znanstvenih konferencija, stručnih projekata i izložbi MoMoWo se usredotočuje na suvremena djela europskih žena na području arhitekture, građevinarstva, dizajna interijera, krajobraznog dizajna i urbanog planiranja. Ta su područja koja su bila ili se i dalje smatraju kao dominantno muške profesije. Upravo stoga, nedovoljno istražen aspekt doprinosa žena tijekom recentnih stotinu godina donosi revaloriziranje povijesti arhitekture, inženjerstva i dizajna. Ujedno, treba istaknuti da se tek s razvojem moderne postupno stručno emancipiraju i istaknute arhitektice, izuzetnog stvaralačkog prosedea. Ističući revaloriziran doprinos pionirki stvaralaštva u navedenim disciplinama, MoMoWo djeluje s ciljem osnaživanja i ojačavanja budućih generacija kreativnih žena.

U sklopu europskog istraživačkog projekta Modern Movement Women sudjelovala sam na tri takve konferencije, u Ljubljani, Oviedu i Torinu. Inicijalno, na prve dvije konferencije prezentirala sam segmente opusa Zoje Dumengjić, a potom djelovanje arhitektica na području Hrvatske u okrilju teme industrijske arheologije (kojom se također bavim), te stoljetnim, odnosno recentnim pregledom djelovanja  arhitektica u Hrvatskoj.

Znanstvene konferencije posvećene su istraživanju zanemarenog djelovanja arhitektica, koje učestalo ostaju u sjeni djelovanja kolega. Otvorite bilo koji pregled moderne arhitekture, i uočite koliko je malo žena u njemu. A arhitektice djeluju više od stoljeća, inicijalno prkoseći svim ustaljenim društvenim i inim obrascima. Zaista je uložena enormna snaga prvih generacija, koje su svladavale sve predrasude i utrle put mlađim generacijama. Danas, kao i posljednjih desetljeća na studiju arhitekture i urbanizma u Zagrebu veći postotak predstavljanju upravo studentice, a samim time u struci arhitektice.

Moram istaknuti da je na konferencijama djelo naših arhitektica, a i same pionirke Zoje Dumengjić, izazvalo veliko iznenađenje, jer i u kontekstu nekih zapadno europskih zemalja takvi iskoraci, takva stvaralačka kreativnost, te postupna afirmacija u svim sferama stručnog djelovanja impresionirala je internacionalni auditorij. Iz malene Hrvatske snažna i upečatljiva djelatnost arhitektica rezultirala je iznimnim oduševljenjem i nevjericom.

 

► Djelo Svetlane Kane Radović ove je godine predstavljeno u Veneciji. Kakvo mjesto zauzima Zoja u kontekstu jugoslavenske moderne i socijalističkog modernizma?

Zrinka Barišić Marenić: Zoja Dumengjić prva je arhitektica koja se uspjela afirmirati u Hrvatskoj još ranih tridesetih godina XX. st. Njezin životni vijek obuhvaća gotovo cijelo XX. stoljeće, dok je njezino stvaralaštvo obilježilo središnjih pedeset godina XX. stoljeća. Iznimnim kontinuitetom stvaranja i obimnim opusom moderne arhitekture izuzetna je i rijetka stvaralačka osobnost u okrilju Hrvatske, ali i bivših Jugoslavija.

Njezina modernistička vokacija čvrsto utemeljena u međuraću, u poraću je značajno doprinijela uspostavljanju kontinuiteta moderne arhitekture. Profilirajući se osobito na području zdravstvene arhitekture ostvarila je najbogatiji doprinos toj tipologiji u okrilju Hrvatske, a na osnovu svoje iznimne stručnosti na tom području učestalo je nagrađena autorica pozivnih natječaja i autorica  izvedbi i izvan Hrvatske.

Njezino djelo isprva obilježava stereotomija moderne, koja se postupno, za Hrvatsku vrlo rano obogaćuje izraženom tektonikom, kao rezultat promišljanja sustava ležaonica lječilišta za provođenje aeroterapije i helioterapije. Poratni opus integrira inventivno raščlanjivanje i nadgradnju sustava komunikacija i vanjskih prostora terasa, uz suvremeno korištenje konstruktivne komponente i likovnosti kulminira specifičnim samosvojnim izrazom. Odnosi suvremenika i utjecaji detaljnije su opisani u knjizi i nadilaze format intervjua. Zoja Dumengjić istaknuta je protagonistica zagrebačke škole arhitekture čija ostvarenja osobito dolaze do izražaja u komparaciji s djelima suvremenika u okruženju.

Kako Francuska ima svoju Charlotte Perriand, Irska Eileen Grey, Hrvatska treba biti ponosna na Zoju Dumengjić. Upravo je mlada Zoja nakon punoljetnosti izabrala Zagreb za studij arhitekture, a potom i kao svoj dom i ishodište stručnog djelovanja, u kojem je do maksimuma ostvarila sve svoje potencijale.

 

*Portret arhitektice Zoje Dumengjić

 

► Zoja Nepenina (kasnije Dumengjić, nakon što je preuzela prezime svog muža Selimira) diplomirala je 1927. godine. Od tada, broj arhitektica u našoj kulturnoj sredini stalno raste, arhitektura je gotovo postala ženska profesija. No, o arhitekticama socijalističkog modernizma još uvijek znamo premalo – što je tome razlog?

Zrinka Barišić Marenić: Arhitektice na našoj sceni djeluju gotovo stotinu godina. Međutim njihovo djelo učestalo ostaje  u sjeni djela muških kolega. Arhitektica Zoja Dumengjić ostvarila je pionirski iskorak u okrilju naše arhitekture još u međuratnom razdoblju i ostvarila izuzetan arhitektonski opus koji je okrunjen prvim najvišim strukovnim nagradama za životno djelo dodijeljenim arhitektici, nagradama Viktor Kovačić i Vladimir Nazor. Njeno djelovanje na širokoj skali profesionalnih zadataka rušilo je ustaljene obrasce te predstavlja iskorake na svim područjima arhitektonskog djelovanja tijekom pet desetljeća dugog stručnog rada.

Nadalje, Zoja Dumengjić prva je žena koja je u uspješnim bračnim tandemima arhitekata tijekom rada afirmirana kao istaknutiji projektant. Njezin suprug arhitekt Selimir Dumengjić tridesetih godina vodio je tzv. Arhitektonski odjel Škole narodnog zdravlja, a u poratnoj Jugoslaviji postupno se sve intenzivnije bavio rukovodećim, odnosno programskim, teoretskim i pedagoškim radom na području zdravstvene arhitekture. S vremenom takve djelatnosti blijede u kolektivnoj svijesti.

Arhitektice koje su djelovale u razdoblju socijalizma djelovale su u velikim projektantskim biroima, isprva centraliziranim (APZ), a potom postupno u nizu individualiziranih koje su vodili istaknuti arhitekti, primjerice Arhitektonsko projektni biro Vitić, APB Haberle, APB Ostrogović itd. Njihove supruge su također bile arhitektice, ali Nada Vitić, Minka Jurković ili Božica Ostrogović manje su poznate stručnoj javnosti. Velik je broj arhitektica čije ime nije niti spomenuto u stručnoj literaturi. Tradicionalnost podjele uloga, odnosno majčinstvo utjecalo je na njihovu poziciju u stručnim krugovima, često suradnički angažman na projektima, ali i rijetko istaknuta autorska djela. Međutim, u suvremenim okvirima situacija se mijenja, a Zoja Dumengjić je prva ostvarila iskorak i svojim uspjehom doprinijela  afirmaciji žena u okrilju struke još unazad gotovo stotinu godina.

Arhitektice Mila Poletti Kopešić, Nada Šilović, Dragica Perak i Olga Pavlinović, te krajobrazne arhitektice Mira Halambek Wenzler ili Silvana Seissel  samo se neke istaknute arhitektice koje su se postupno afirmirale i izgradile značajan stručan opus. Radove koja sam ostvarila u okviru MoMoWo konferencija sa kolegicama Marinom Bertinom i Nedom Mrinjek Kliska rijetka su ostvarenja koja fokusiraju tu iznimnu tematiku, stvaralaštva arhitektica u Hrvatskoj.

 

*Dom zdravlja u Kutini, 1953.-1957.

 

► Zoja Dumengjić je imala nevjerojatan životni i radni elan. Radila je 47 godina do odlaska u mirovinu, a i nakon toga dovršavala je bolnice u Ogulinu te Koprivnici. Njen privatni i profesionalni život danas bi mogli biti fantastičan predložak za film. Njeno djelo ovjenčano je nagradama, a nedavno i ovom Vašom knjigom. No, objekti koje je ostavila iza sebe u vrlo su lošem stanju, a samo jedan objekt je zaštićen kao kulturno dobro. Što je razlog, po Vašem mišljenju, zanemarivanju vrijedne baštine u našem društvu te kako popraviti takvu nezavidnu situaciju? Kako ste zadovoljni s obnovom objekta koji je zaštićen kao kulturno dobro?

Zrinka Barišić Marenić: Neodržavanje arhitekture dovodi do degradiranja izvornih vrijednosti ostvarenja.

Neshvaćanje korisnika odnosno vlasnika arhitektonskih ostvarenja ali i šire javnosti o vrijednosti prostora i arhitekture doprinosi njihovu zanemarivanju, zapuštenosti i devastacijama. Nadalje, izuzetno spor upis modernih ostvarenja na liste registriranih kulturnih dobara dodatno omogućava prostorne i oblikovne degradacije, a na obnove se predugo čeka.

Osvješćivanje šire javnosti, ali i korisnika arhitektonskih ostvarenja o vrijednosti arhitekture može izuzetno doprinijeti njihovu očuvanju. O arhitekturi i prostoru treba više govoriti i pisati u sferi fokusa šire javnosti. Inspirativan je interes ravnatelja pojedinih zdravstvenih institucija, konkretno doc. dr.sc. Antonije Balenović, ravnateljice Doma zdravlja Centar iz Zagreba, odnosno doc. dr.sc. Ervina Jančića, donedavnog ravnatelja karlovačke bolnice s komentarima kako tek nakon što je pročitao knjigu proširio saznanja koliki je Zoja bila vizionar u kreiranju takve ustanove koja je i danas visoko funkcionalna. Nastojanje da joj se postavi spomen ploča u bolnici usporila je aktualna pandemija, a time bi se njezino doprinos prezentirao i svim korisnicima bolničkog sklopa.

S druge strane, zbog pragmatičnih potreba za povećanjem prostora Paviljon za tuberkulozu Opće bolnice u Varaždinu i Dom zdravlja u Kutini do neprepoznatljivosti su devastirani naknadnim intervencijama korisnika.

Dom zdravlja u Trnju obnavljan je početkom pandemije. Jedino zaštićeno ostvarenje  Zoje Dumengjić sačuvalo je u najvećoj mjeri izvornost svoje arhitekture. Tijekom obnove očito je da se je nastojalo sačuvati izvornu skalu boja žbukanih pročelja koju obilježavaju bordo i svijetli bež-sivkasti tonovi. Antracit kolonada armiranobetonskih stupova prezentirana je u izvornom stanju, kao i obloga sljemenskim kamenom prizemne baze doma zdravlja. Ono što nije izvorno jest smeđa PVC stolarija, djelomično izmijenjene zone kolorita, te niz vanjskih jedinica klima koje i nakon obnove degradiraju Dom zdravlja Trnje.

 

*Centar za ginekološki karcinom Klinike za ženske bolesti, Petrova ul., Zagreb, 1962.-1976.; Dom zdravlja Trnje, Kruge 44, Zagreb, 1953.-1961. / foto: Zrinka Barišić Marenić

 

► Koja njena djela biste stavili pod cjelovitu zaštitu?

Zrinka Barišić Marenić: Prioritetno bi trebalo zaštititi kapitalno ostvarenje Zoje Dumengjić, sklop Opće bolnice i Paviljona za tuberkulozu na Firulama u Splitu, 1951.-1969. (danas: Klinička bolnica Split). Neodgodivo i žurno.

Gledamo li kronološkim redom na popis registrirane kulturne baštine trebalo bi uvrstiti i Paviljon Državnog dječjeg lječilišta za tuberkulozu Strmac u Šumetlici, 1936.-1938. koji je bio pod preventivnom zaštitom koja je istekla, te je danas prenamijenjen, obnovljen i dograđen za potrebe psihijatrijske ustanove koja djeluje u impresivnom šumskom podneblju Papuka.

Škola sestara pomoćnica i internat u Mlinarskoj u Zagrebu, 1939.-1941. izuzetno je zapuštenog eksterijera, međutim sačuvanih izvornih vrijednosti i uz kasniju promišljenu sjevernu dogradnju, vapi za prioritetnom obnovom, ali i zaštitom.

Domovi zdravlja u Pločama, Omišu i Kutini te na zagrebačkom Črnomercu i Medveščaku s nizom vanjskih pristupnih trijemova i katnih galerija, odnosno i individualiziranih ulaza u pojedine ambulante (Medveščak i Trnje) vizionarski anticipiraju situacije s kojima nas je suočila pandemija i omogućuju nesmetano funkcioniranje zdravstvenih ustanova u ovim nepredvidivim vremenima.

Zagrebački Centar za ginekološki karcinom u Petrovoj ulici 1962.-1976. još je uvijek u izvornom stanju, premda vapi za obnovom, ali i zaštitom. Nadalje, zaštitu bi zavrijedio i sklop Opće bolnice u Karlovcu, koji i nakon izvedbe u nekoliko etapa 1960.-1976., te recentne energetske obnove obilježava izvorni prostorno oblikovni koncept.

 

*Opća bolnica u Splitu – paviljon za tuberkulozu, Firule, Split, 1954.-1958. (recentna fotografija: Zrinka Barišić Marenić)

*Državno dječje lječilište za tuberkulozu Strmac, Šumetlica, 1936.-1938.

*Škola sestara pomoćnica i internat, Mlinarska cesta 34, Zagreb, 1938.-1941.

 

► Natječajni radovi Zoje Dumengjić među najzastupljenijima su na natječajima provedenim između dva svjetska rata. Koje natječajne radove iz tog razdoblja biste istaknuli kao naročito vrijedne? Koje natječajne radove iz kasnijeg razdoblja smatrate naročito uspješnim?

Zrinka Barišić Marenić: Tijekom 1928.-1970. Zoja Dumengjić sudjelovala je na sedamdeset i dva arhitektonsko-urbanistička natječaja, od čega su čak šezdeset i dva projekta nagrađena odnosno otkupljena. Prvim plasmanom odnosno nagradom okrunjeno je čak dvadeset natječajnih projekata, a od toga su svega tri realizacije ostvarene prema natječajnom projektu. To su Dječja bolnica kliničkog tipa u Podgorici (1954.-1961., sa Selimirom Dumengjićem, izvedba prve etape), Dom zdravlja Medveščak u Zagrebu (1960.-1962., izvedba prve etape), te Medicinski centar Karlovac (1960.-1976.)

Supružnici Dumengjić u okrilju svog doma djelovali su kao kreativni tandem na natječajima. Njihov prvi prvonagrađeni rad jest projekt Higijenskog zavoda u Banjoj Luci (1931.) koji je izveden prema djelomično izmijenjenom projektu. Za veliki zagrebački natječaj Doma državnih socijalnih ustanova u Klaićevoj ulici u Zagrebu postižu prvi plasman 1932. godine.

U analizi splitskih međuratnih arhitektonskih natječaja u Splitu dr.sc. Darovan Tušek ističe da su upravo supružnici Dumengjić najnagrađivaniji autori kasnih tridesetih godina, no ipak niti jedan njihov projekt nije realiziran (niti Gimnazija, niti Sudska, niti Banska palača, niti Trgovačka akademija).

Sudjelovanjem na natječajima i tijekom Drugog svjetskog rata ostvaruju zapažene rezultate. Tipovi seljačkih gospodarstava i naselja; jadranski i panonski tip, Zoja Dumengjić postiže prve plasmane 1944. godine, a ti projekti bili su referentni u poratnoj obnovi, a mogu biti inspirativni i danas u post potresnoj obnovi sela Sisačko-moslavačke županije.

Široku skalu promišljanja projektnih zadataka Zoja Dumengjić ostvaruje upravo u sklopu sudjelovanja na natječajima, od kojih su mnogi nagrađeni, i to primjerice Mali stadion (1947., s Galinom Feldt i Selimirom Dumengjićem) i CK KPJ (sa Selimirom Dumengjićem) u Beogradu, ljetna pozornica na Dubravkinu putu u Zagrebu (s Jelenom Nikolskom), tipski projekti dječjih vrtića i niz drugih. Upravo izuzetno bogat natječajni opus  pokazuje svestrani interes projektantice, a brojnost nagrada i prvoplasiranih radova izdiže ju među najuspješnije natječajne laureate međuraća, ali i cijelog razdoblja moderne u Hrvatskoj.

 

*Dječja bolnica kliničkog tipa, Podgorica, 1954.-1961. (sa Selimirom Dumengjićem)

 

► Zoja Dumengjić je od 1954. do 1975. godine vodila Arhitektonsko-projektni biro Dumengjić, uz potporu svog supruga Selimira, no ona je ipak bila glavna projektantica i direktorica. To se iz današnje perspektive čini kao ogromno postignuće. Kako su uspjeli pokrenuti vlastiti biro samo 7 godina nakon završetka Drugog svjetskog rata?

Zrinka Barišić Marenić: Po završetku Drugoga svjetskog rata svi su raspoloživi arhitekti mobilizirani i organizirani u nekolicini republičkih ministarstava, a Zoja Dumengjić zaposlena je u Ministarstvu narodnog zdravlja, sukladno svojoj specijalizaciji. Potom, 1946. projektanti su objedinjeni u novoosnovanu najjaču projektnu organizaciju Zemaljsko-građevno-projektni zavod NRH (kasnije Arhitektonsko-projektni zavod), a dotadašnja načelnica Odjela za izgradnju zdravstvenih ustanova “raspoređena” je od 1948. u APZ.

Tijekom 1948. – 1954. Zoja Dumengjić samostalna je projektantica i rukovoditeljica projektne grupe, odnosno atelijera APZ-a. Ostvarila je izuzetno velik broj projekata obnove ratom porušene zemlje: zgrada za obrazovanje, zgrada za kolektivno stanovanje, a osobito zdravstvenih zgrada, te se uz deset arhitekata istaknula u završetku prve petoljetke, o čemu svjedoče onovremeni novinski natpisi.

Početkom 1952. godine APZ je reorganiziran na manje projektne biroe: APZ, APZ Plan te četiri manja novoosnovana arhitektonska biroa arhitekata K. Ostrogovića, M. Haberlea, I. Vitića i M. Marasovića. Već 1954. izdvojeno je i trinaest samostalnih APB-a koji će nositi imena po svojim direktorima. Među njima i APB Dumengjić kojeg je vodila Zoja Dumengjić, do umirovljenja 1975. APB-e su pokrenuli dotadašnji voditelji ateljea APZ-a, a Zoja Dumengjić, uz potporu svog supruga djelovanje biro usmjerava projektiranju “svih objekata iz područja visokogradnje, a specijalno objekte zdravstvenog karaktera”, kako navodi u reklamnim oglasima u stručnim časopisima.

Evocirajući svoja sjećanja na arhitekticu Zoju Dumengjić prof. emerit. Bruno Milić navodi: “Imala je uvijek uspravnu glavu i gledala ravno. … Nije znala pravo ni hrvatski, ali nije ju to smetalo da bude kategorična, i ne reče rečenicu kao zapovijed. Najveći dio žena koje su studirale i završile arhitekturu nikada nisu bile na gradilištu, niti se snašle i savladale sve poteškoće koje struka na gradilištu i struka u društvu nosi. Naša struka zahtijeva neku tvrdu upornost, hrabrost. Koja će se žena popeti na skelu? Nije luda! Ali Zoja je. Penjala se kada god je trebalo na skelu. Bila je duboko cijenjena na gradilištu, imali su strah od nje, za razliku od drugih mladih žena. Žena na gradilištu nije bilo. Ne znam ni jednu arhitekticu koja je bila borac u tom smislu. Imala je jednu čvrstu opnu, mrežu oko sebe koja ju je štitila od brutalnosti života. Imala je sve atribute uza se. Stekla je ugled u struci, ne samo na natječajima ili akademskoj razini.”

 

*Medicinski centar Karlovac, Švarča, Karlovac, 1960.-1976. / foto: Svebor Franjo Cvitešić

 

► Zojin opus uglavnom čini zdravstvena arhitektura. Kako je do toga došlo i koja su po Vama njena najuspješnija ostvarenja u tom polju? Osim toga tu su i zgrade za odgoj i obrazovanje, stanovanje, turizam i privremeni smještaj, rad, sport, kulturu i druge namjene, do industrijskih sklopova i željezničkih kolodvor. Što biste izdvojili iz tog dijela opusa?

Zrinka Barišić Marenić: Osobni interes arhitektice za tipologiju zdravstvene arhitekture zorno ilustrira činjenica da prvi i posljednji natječajni rad koje Zoja Dumengjić samoinicijativno projektira su natječajni projekti bolnica; 1928. u Smederevu i 1970. u Dubrovniku. Interes i specijalizaciju na području zdravstvene arhitekture ostvarila je u sklopu zaposlenja u okrilju Škole narodnog zdravlja tridesetih godina, u sklopu koje ostvaruje prve zapažene moderne paviljone zdravstvenih zgrada: Državnog dječjeg lječilište za tuberkulozu Strmac – Šumetlica (izvedba paviljona), Paviljona za zarazne bolesti i paviljona za tuberkulozu Opće bolnice u Varaždinu, te Zaraznog paviljona Gradske zarazne bolnice na Mirogojskoj cesti. Potonji je jedini primjer zdravstvene arhitekture s područja Kraljevine Jugoslavije publiciran u stručnom časopisu L’Architecture d’Aujourd’hui (les hopitaux) 1938. godine. Inovativno rješenje omogućuje vanjske ulaze u niz manjih ambulantno-bolničkih jedinica koje se sukladno pojavi različitog broja zaraznih bolesti mogu odjeljivati i povezivati u različite module, što osobito možemo cijeniti u aktualnoj pandemiji. Arhitektičin navod u opisu Državnog dječjeg lječilišta za tuberkulozu Strmac – Šumetlica Rješenje odgovara prirodi pacijenata ilustrira težnju njezinih cjeloživotnih projektnih promišljanja.

Nakon Drugog svjetskog rata kao već afirmirani stručnjak na području zdravstvene arhitekture djeluje inicijalno u Ministarstvu narodnog zdravlja, te izvodi rekonstrukciju i dogradnju Bolnice za tuberkulozu kosti i zglobova u Biogradu (1946.) i smjelim modernističkim izrazom jasno odbacuje i sve moguće natruhe socrealizma.

Njezin prosede kulminirao je pedesetih i šezdesetih godina XX. stoljeća specifičnim promišljanjem prostora, funkcionalno-konstruktivnim i urbanističkim rješenjima i samosvojnim arhitektonskim izrazom te je na osobit način oplemenio hrvatsku graditeljsku baštinu. Najizrazitije se očituje upravo u realizacijama zgrada za zdravstvo, prvenstveno sklopu splitske Opće bolnice i paviljona za tuberkulozu, te na ciklusu domova zdravlja na zagrebačkom Črnomercu, Trnju i Medveščaku, te u Kutini, Pločama i Omišu. U okrilju manjih gradova Koprivnice i Ogulina djeluju i velebni bolnički sklopovi kojima je zaključila svoj bogati opus.

Od arhitekture namijenjene za odgoj i obrazovanje kojom se bavi tijekom cijelog stvaralaštva, treba istaknuti Školu sestara pomoćnica i internat na Mlinarskoj cesti u Zagrebu (1938.-1941.). Skladno uklapanje u topografiju kosog terena, hibridni karakter sklopa koji je vješto objedinjen i raščlanjen u polu-nivoima, kvalitete moderne arhitekture u podsljemenskoj zoni sačuvane su u izvornom stanju.

Ciklus iznimnih ostvarenja stambenih zgrada ostao je u sjeni istaknutijeg opusa arhitekture zdravstvene namjene. Zagrebačka Stambeno-poslovna zgrada dr. Herzoga i prolaz Harmica ostvareni su kao rekonstrukcija i dogradnja historicističke stambeno-poslovne zgrade Gavella na središnjem trgu (1928.-31.) pod projektom Ignjata Fischera uz atribuciju koautorstva Zoji Nepeninoj. Složen urbanističko arhitektonski projekt ostvaruje poveznicu dva javna gradska prostora trga i tržnice, prostorno-urbanistički i oblikovno akcentuira frekventni pasaž Harmice i zapostavljenih istočnih stuba Dolca. Stambena zgrada ing. S. Račić – ing. Z. Dumengjić u Rockefellerovoj 25, 1939.-1940., vlastita je kuća arhitektice i projektantice koju ostvaruje sa suprugom. Nepoznata je stručnoj javnosti, te preoblikovana za novog vlasnika. Stambena zgrada u Vrbanićevoj ulici 18 stambeno je ostvarenje poraća u skladu s novim programskim odrednicama i konstruktivno izvedbenim standardima pedesetih godina.

U brojnim projektima i realizacijama arhitektica skladno integrira hibridni karakter. Nerealizirane projekte zgrada za sport predstavljaju primjerice nagrađeni natječajni projekti Sokolskog doma u Sarajevu, 1935. i Malog stadiona u Beogradu 1949. Riječka banka i štedionica u Rijeci prvoplasirani je rad ex aequo supružnika Dumengjić 1957. godine. Realizacija je međutim nakon niza neuobičajenih odluka dodijeljena Kazimiru Ostrogoviću.

Projektno rješenje Odmarališta jedinstvenih sindikata na Plitvicama (1948.), odnosno razrade raščlanjenog sklopa Hotela u Plitvicama (1950.) ostvareno je s ciljem harmoničnog uklapanja u prirodni ambijent impresivnog nacionalnog parka.  Od zgrada za privremeni smještaj, Dječje odmaralište “Vladimir Nazor” u Crikvenici (1948.-1964.) obilježava vješto raščlanjivanje komunikacija i vanjskih prostora u mediteranskoj klimi i sukladno skromnim ekonomsko izvedbenim mogućnostima poraća, svoju vitalnost dokazuje očuvanošću izvornih projektnih i prostornih kvaliteta do današnjih dana.

Željeznički kolodvor projektiran za Sofiju 1941. godine govori u međunarodnim iskoracima supružnika Dumengjić i smjelosti projektiranja takvih složenih prometnih sklopova.

Zaboravljeni industrijski sklop Zavoda za proizvodnju lijekova “Pliva” u Kalinovici, 1939.-1944. rijetka je realizacija tijekom Drugog svjetskog rata i prvi industrijski sklop kojeg projektira žena, a i jedan od prvih industrijskih sklopova moderne koje projektiraju arhitekti u našoj sredini. Objedinjuje proizvodne hale i stambeni sklop za zaposlenike i upravitelje i veterinare. Izolirano na osami periferije grada, ovo ostvarenje svjedoči o zaboravljenoj vrijednoj modernističkoj baštini, koja učestalo izmiče fokusu stručne javnosti.

 

*Opća bolnica u Splitu – glavna bolnička zgrada i poliklinika, Firule, Split, 1951.-1969. / foto: Emir Kahrović

 

► Njen opus također krasi izniman spoj i harmonija arhitektonskog i likovnog oblikovanja, a boja joj je bila vrlo važan element. Je li moguće vratiti takav humanistički pristup u zdravstvenu arhitekturu?

Zrinka Barišić Marenić: Harmonija proizlazi iz vladanja svim komponentama arhitektonsko-urbanističkog stvaranja, prostornim, likovnim, konstruktivnim ali i ekonomskim i programsko-funkcionalnim promišljanjima. Arhitektica učestalo nadilazi uvriježene okvire projektnog zadatka i donosi inovativna projektantska rješenja, koja su kulminirala samosvojnim arhitektonskim izrazom pedesetih i šezdesetih godina XX. stoljeća. Potka svih projektnih traženja nastojanje je za humaniziranjem ambijenta bolesnika, najslabijeg pojedinca među nama, te oplemenjivanjem prostora zdravstvenih zgrada adekvatnim prirodnim osvjetljenjem i prozračivanjem, vizurama i obogaćenjem vanjskim prostorima.

Svako arhitektonsko ostvarenje, pa i suvremene zdravstvene arhitekture, odraz je stvaralačkog prosedea arhitekta, njegova stvaratelja.

Citirat ću Viktora Kovačića, s navodom iz programskog članka Moderna arhitektura iz 1910.: “Ta zakon evolucije nas upućuje upravo na to, da upotriebimo i izradjujemo baštinu naših otaca. I moderni život nije počeo sa tabulom rasom – i on se malo po malo razvijao sa prilikama. Pa tako i arhitektura.”

Baštinici smo iznimna inspirativna djela. Suvremena projektna nastojanja u okrilju zdravstvene arhitekture prezentirati će svoju zrelost, projektni prosede, sustav vrijednosti i humanizam.

 

*Bolnica za tuberkulozu kostiju i zglobova, Biograd, 1946. (rekonstrukcija i dogradnja)

 

► Vrijednost rehabilitacijskog pogleda iz dijela kompleksa bolnice na Firulama koji je okrenut prema moru (kako je to poetski rekla kolegica Diana Magdić: “S bolničke postelje se vidi Šolta”) umanjen je neprimjerenom gradnjom tik ispred nosa bolesnicima. Je li moguće išta učiniti po tom pitanju, po Vašem mišljenju?

Zrinka Barišić Marenić: Ne može se učiniti ništa, mišljenja je i splitski arhitekt akademik Dinko Kovačić. Visoki tamni korpus blokirao je otvorene vizure bolesnika iz jugozapadnog bolničkog krila na splitski arhipelag. Ono što je oplemenjivalo bolesničke šetnje, druženja duž južne galerije bolnice, a to je vizura na more nepovratno je izgubljeno ovakvom intervencijom.

Formiranje tampon zone visokog zelenila, visokih čempresa primjerice, koji su obilježavali Firule u vrijeme izgradnje bolnice, između novogradnje i jugozapadne galerijske fronte makar bi blokiralo vizuru na tamni korpus. Jugoistočno krilo bolnice još uvijek ima otvorene vizure prema jugu i moru, te je bolnica dijelom sačuvala izvornu kvalitetu, koja je susjednom intervencijom nepovratno okrnjena.

Amalgamirajući svoja iskustva odrastanja na Crnom moru i specijaliziranost na području zdravstvene arhitekture, Zoja Dumengjić upravo je najkrhkijima, bolesnima podarila sustav šetnica, mjesta susreta ili meditativnog ugođaja oplemenjenih najimpresivnijim otvorenim vizura iz Splita na Jadransko more i južni arhipelag. Suvremena intervencija grubo oduzima te kvalitete najslabijim pojedincima, bolešću iscrpljenom čovjeku.

 

 

 

Razgovarala: Sonja Leboš / tekstove ove autorice za Vizkulturu potražite na linku

 

 

Zahvaljujemo Zrinki Barišić Marenić na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Vrijedni iskoraci u arhitektonskom djelovanju appeared first on vizkultura.hr.

O dizajnu i stvaranju emotivne ravnoteže

$
0
0

U Galeriji Bernardo Bernardi u Zagrebu ovih je dana otvorena izložba dizajnerice pod nazivom A Shortcut to happiness? industrijske dizajnerice Dorje Benussi. Izložba predstavlja rezultate opsežnog autoričina istraživanja na području emocionalne inteligencije i samoregulacije te utjecaja tih elemenata na dizajn. Razmatrajući utjecaj okoline na mentalno zdravlje, autorica istražuje možemo li i koliko dizajnom utjecati na emocionalnu ravnotežu.

U tekstu koji prati izložbu, kustosica Ksenija Foretić piše: “Dorja Benussi itekako je svjesna centralne uloge čovjeka, svjesna je važnosti prilagodbe dizajna proporcijama ljudskog tijela, ali i – uma. Kod sagledavanja fizičkog stanja upravo um i mentalni aspekt postavlja kao prioritet. Svjesna je ponajviše onog što čovjeka uvelike pokreće, ali i blokira: emocije. U svom radu predstavlja pogled na taj nevjerojatno složen mehanizam, cijeli spektar mentalnih impulsa koji stvaraju mnoštvo međusobnih veza, pokreću se motivirani unutarnjim životom, unutarnjim tjelesnim procesima, ali i vanjskim utjecajima. Pritom vanjski poticaji uključuju gotovo sve – sve što prolazi kroz naš centar za percepciju, kroz um, na bilo kojoj razini: taktilnoj, mentalnoj, svjesnoj, podsvjesnoj, sve ostavlja trag i oblikuje nas, dugo, postepeno, neminovno. Predmetni svijet koji nas okružuje funkcionalno nam je koristan, a svojim oblikovanjem, načinom korištenja, mogućnostima interakcije ostavlja i mentalni otisak, pobuđuje toliko važne emocije. Intenziviranjem osvještavanja važnosti upravo tog momenta Dorja Benussi postavlja toliko važno pitanje: ako svojom pojavnošću utječemo na oblikovanje, na dizajn, uzmimo u obzir i u kojoj mjeri možemo dizajnom utjecati na nas, korisnike, na mentalno pobuđivanje, na emocije, na kvalitetu života u mnogo dubljem smislu od pukog zadovoljavanja potreba. Možemo li ciljano utjecati na mentalno zdravlje i stvaranje emotivne ravnoteže? I možemo li dizajnirati/oblikovati svijet koji će svojim mentalnim otiskom utjecati i na stvaranje mentalne ravnoteže pojedinca?”

Izložba se može pogledati do 9. prosinca, a više o njoj doznajte iz razgovora što ga je s Dorjom Benussi vodila Ivana Fabrio.

 

*Dorja Benussi

 

Ivana Fabrio: Pratim tvoj rad još otkako si kao studentica zakoračila u područje samoregulacije i senzomotoričkog razvoja djece, sad je ozbiljan istraživačko-projektantski staž iza tebe. Strasti nikad nije nedostajalo, a otpočetka je bilo jasno da se tvoj profesionalni razvoj tijesno isprepliće s radom na sebi. Što dublje uranjamo u to područje, utoliko smo svjesniji koliko malo znamo, koliko se zapravo slabo poznajemo. Kako u odnosu na to tumačiš naslov: A Shortcut to Happiness? 

Dorja Benussi: Naslov je nastao slučajno, usput. Kad sam počela deducirati stvari, pisati tekst i pretipkavati natuknice iz gomile papira sa idejama i skicama, primijetila sam sitnim slovima “shortcut za sreću” i pomislila, hm, zanimljivo. Kasnije, u razgovoru s drugima, ljudi bi primijetili, čak i zapisivali tu frazu. Mislim da se već tada‘shortcut’ zacementirao bez da sam i donijela svjesno tu odluku. Sad, kad razmišljam o značenju, vidim da je precizan odraz cijelog procesa. Moje istraživanje emocionalne inteligencije i regulacije traje godinama. Većinu vremena nisam ni povezivala ta promišljanja sa dizajnom, pogotovo u tim egzistencijalnim, poetičnim, emotivnim sferama. Sad, kada s odmakom sagledam sve faze, vidim da sam cijelo vrijeme pokušavala pronaći prečac, provaliti tajni kod i preskočiti 10 stepenica. Uvijek žurba, osjećaj kašnjenja, nikad ništa nije dovoljno dobro. Ali mozak radi sto na sat, dakle, “apsolutno mora postojati neki prečac, samo ga ja ne kužim”. U nekom trenutku mislila sam da sam ga našla. Možda i dalje mislim. “What does it mean to be fully involved in life and non-attached?” Pitanje kroz koje Ram Dass zapravo objašnjava paradoks sretnog života u kojem smo potpuno prisutni i uključeni, ali ne projiciramo svoje potrebe na okolinu. Vidimo sve, volimo sve, ali nismo prikopčani, nismo ovisni o ničemu vanjskom. Možda je to pravi naslov. Pokušaj konstrukcije formule, uputa za upotrebu samih sebe uz pomoć okoline, dizajna, a pomoću kojih možemo lakše do te ‘uključenosti, a otkopčanosti’.  Čini se kontradiktornim u odnosu na cijelu priču o povezivanju s drugima, u kontekstu regulacije. Ali čini se točnim. Svakako, mislim da ne postoji prečac. Također mislim da je energetski aspekt toga kako živimo veliki dio balansa kojem svi težimo, a te teme se nisam ni dotakla u ovoj fazi. Ali ostaje pitanje; može li ovaj zemaljski, tjelesno-emotivni dio, malo pametnije, bolje, brže?

 

*Postav izložbe “A Shortcut to happiness?” / foto: Petra Slobodnjak

 

Ivana Fabrio: Znamo koliko je zahtjevno žonglirati aktivnosti vezane za profesionalni razvoj s privatnim životom, a posebice kad paralelno doslovno uhodavaš i dijete i posao. Što te život sa Zimom (kćeri) naučio kad je posao u pitanju?

Dorja Benussi: Čini mi se da mi je roditeljstvo prvenstveno utjecalo na kapacitet. S jedne strane ga je proširilo, a s druge potpuno suzilo. Kad se suočiš s tim da nisi više sama sebi centar, prioriteti se nužno preslože. Valjda. I onda u kontekstu posla, u prvom periodu je bilo prilično kaotično jer sam odlučno bila ‘full-in’ što se Zime tiče. Svuda je plazila sa mnom. Iako je cijeli taj pristup prilično usporio planirani razvoj posla, i sa studijske i sa start-up strane, prisilio me da jasnije postavim vlastite granice i nastavim propitivati prioritete. Mislim da je to u poduzetništvu nužno, pogotovo ako se boriš s potrebnom da želiš sve i sve odjednom pa svako malo udariš u zid. Shvatila sam na teži način onu izreku da je poslovni rast maraton, a ne sprint. S druge strane, obzirom da sam krenula sa Tink Things kao dječjim brandom, pokusni kunić kod kuće dosta dobro dođe, pogotovo kod promišljanja metodologije i filozofije koja iza svega stoji. Zima je vjerojatno i razlog što nastavljam gurati tu dječju stranu, jer mi je tema bliska pa je proces prirodniji. U konačnici, mislim da je roditeljstvo u mom slučaju bilo katalizator za bavljenje intimnim, ljudskim, emotivnim temama na način koji me na kraju nesvjesno doveo do svih ovih tema i novog osobnog projekta. Pa zato, iako žonglirati nekad nije lako, vrijedi.

 

*Postav izložbe “A Shortcut to happiness?” / foto: Petra Slobodnjak

 

Ivana Fabrio: Više smo se puta dotakle sprege podražaja iz prostorne i predmetne okoline i samoregulacije, to se nekako provlači i u osnovi tvog dizajnerskog djelovanja. Kako zamišljaš idealno opremljen prostor u kojem dijete raste? 

Dorja Benussi: Idealno opremljen prostor su zapravo šuma, planina, livada, ulica. Problem promišljanja interijera je u tome da se pristup, idealno, potpuno razlikuje ovisno o kontekstu. Treba li na isti način opremiti dječji prostor, koji ima staklenu stijenu i direktan, neometan i fleksibilan pristup nedirnutoj prirodi – i gradsku dječju sobu? U prvom slučaju, unutarnji prostor bi morao biti lišen intenzivnih inputa, dinamike, biti minimalan i usmjeren na mir, opuštanje i odmor. U slučaju uređenja dječje sobe na vrhu nebodera u prometnom dijelu grada, rješenje bi moralo ići u smjeru maksimalnog osjetilnog poticanja. Dakle, dinamika, mnošto mogućnosti i opcija za pokret i igru. Logično bi sad zvučalo da je ideal neka zlatna sredina, ali mislim da univerzalnog u ovom slučaju nema. Pitanje je konteksta i različitih potreba, ali pokret bi uvijek morao biti prioritet.

 

*Postav izložbe “A Shortcut to happiness?” / foto: Petra Slobodnjak

 

Ivana Fabrio: Znam da je ovo pitanje teško, ali vjerujem da će tvoj odgovor potaknuti razmišljanja koja nisu tipična za našu sredinu, u kojoj još uvijek postoji značajna razina navezanosti na ideju posjedovanja, na korijenje; Dorja što/gdje je za tebe dom?

Dorja Benussi: Bavim se tim pitanjem fluidno već godinama i nisam sigurna da imam zaključak. Puno sam se selila, a jednako teško puštam korijenje koliko ga teško čupam. I onda u kombinaciji s mojom melodramatičnom prirodom, svaka selidba je bila potres sistema. Blago ljudima koji žive s onom “home is where the heart is”, jer moje je na sve strane. Jednako su mi nejasna pitanja ljubavi i pitanja doma. Obje pojave mogu biti i imenice i pridjevi i prilozi i glagoli. Opet ja s citatom, ali, kako bi rekla Eniafe Isis Adewale: “What is home. A heart. A body. A person. A box. A solace. A safety. A location. A lost story. A stolen land. A moving point. A color. A people. A fable. A war. A wreckage. A page. A human. A prayer.” Za mene je i sve to, i ništa.

 

*Postav izložbe “A Shortcut to happiness?” / foto: Petra Slobodnjak

 

Ivana Fabrio: U zaključku tvojeg teksta provlači se sprega međusobne povezanosti i ljubavi prema sebi, kao što bi Jeremy Rifkin rekao, mi smo ’empatijska civilizacija’. Ideja neraskidive povezanosti koja se proširuje na ljubav prema svemu što čini živi svijet, vizija je kojom na razne načine nastojimo dokinuti štetne prakse koje nam se danas više nego ikad vraćaju u formi raznih kriza. Vidiš li kako to komunicirati kroz svoj rad?

Dorja Benussi: Da, važna i uvijek aktualna tema ljubavi i povezanosti, pogotovo sad kad se istovremeno još više fizički odvajamo. Zanimljivo mi je promatrati pojam ljubavi kroz kulturu u kojoj je bitno da smo cool i nedodirljivi pa i odnos prema ljubavi polariziramo i pojednostavljujemo. Teško je na hrvatski prevesti taj ‘loving act’. O tome sam pričala u tekstu A Shortcut to Happiness?, u kontekstu biološke potrebe čovjeka da se regulira prvenstveno kroz povezivanje s drugima, kroz ko-regulaciju. Većini nas je ljubav emocija usmjerena na osobe sa imenom i prezimenom. Ne razumijemo da je povezanost sa svima način života koji nam je urođen. Naš živčani sustav je ‘wired for connection’. Načini na koje to pokušavamo izignorirati, iz straha od povrede, uključuju i skoro narcisoidno pumpanje ljubavi prema samom sebi. Pogotovo od pandemije, bombardiramo jedni druge ‘self-help’ i ‘self-love’ savjetima i samo dodatno jačamo individualizam. Istovremeno smo na emotivnoj razini itekako svjesni koliki nam je zajednica imperativ. Taj ‘loving act’ bi nam trebao biti autopilot; usmjerenost i na zajednicu i na samog sebe istovremeno. Ne zato što treba stavljati tuđe potrebe ispred svojih, već zato što arhitektura ljudskog mozga nalaže da je povezanost sa zajednicom prva linija obrane, a sav ostali‘self-management’ dolazi na red tek ako prvi korak ne uspije. Mi ga preskačemo jer “možemo sami”, jer nas je strah, jer nas je sram, jer zapravo ni ne znamo kako se osloniti na druge a bez da im vadimo mast na slamku. Dosta je tu obrazaca koje kao društvo trebamo izbrisati i reprogramirati. Vjerujem da je prvi korak razumijevanje i regulacija vlastitog tijela, vlastitog sistema, u odnosu sa okolinom. To je i zadaća strukture koju pokušavam izgraditi. Zadala sam si zadatak komunicirati sve te ideje kroz dizajn, i predmetni i metodološki. Koliko će to biti uspješno, vidjeti ćemo.

 

*Postav izložbe “A Shortcut to happiness?” / foto: Petra Slobodnjak

 

Dorja Benussi rođena je u Zagrebu 1990. godine. Diplomirala je industrijski dizajn 2014./2015. na Studiju dizajna pri Arhitektonskom fakultetu, a u suradnji s Edukacijsko-rehabilitacijskim fakultetom Sveučilišta u Zagrebu na temu senzomotorne nastavne opreme. Nakon rada kao grafički i digital dizajner, 2016. odlazi iz agencijskog okruženja i sa suprugom Ivanom otvara multidisciplinarni kreativni studio Benussi&theFish u kojem i danas radi kao kreativni direktor. Vjerujući da stvaranje smislenog, promišljenog dizajna počinje receptivnošću i jakim osjećajem za ljude; studio se usmjerava na odgovorne suradnje s klijentima i razvoj vlastitih proizvoda. Međunarodno prepoznat start-up projekt senzornog dječjeg namještaja Tink Things, između ostalih, ovjenčan je i nagradom Salone del Mobile, Salone Satellite u Milanu 2018. godine. Tink Things trenutno dio novih proizvoda razvija u suradnji sa Studijem dizajna, gdje je kao diplomski projekt i započeo svoj razvoj.

 

Publikacija: A Shortcut to Happiness?

Autorica: Dorja Benussi
Kreativna direkcija: Benussi&theFish
Postav izložbe: Dorja Benussi, Valentina Sunek
Grafički i editorijal dizajn: Ivan Benussi, Vana Bašić

Publikaciju možete preuzeti ovdje.

 

Novosti vezane uz galeriju Bernardi pratite putem Facebook stranice www.facebook.com/galerijabernardi/.

Intervjue iz ciklusa Savjet pita vode članovi/ice Savjeta galerije Bernardo Bernardi s izlagačima/cama.

Intervju priredila: Ksenija Foretić

 

Intervjue iz serije “Savjet pita” možete pronaći ovdje.

 

 

The post O dizajnu i stvaranju emotivne ravnoteže appeared first on vizkultura.hr.

Vizualna naracija u svim formama

$
0
0

Danijel Žeželj autor je više od 20 stripova, radio je animirane filmove, grafičar je i ilustrator. Stripove i ilustracije objavljivao je s izdavačima kao što su DC Comics/Vertigo, Marvel Comics, Dark Horse, The New York Times Book Review, The Harper’s Magazine, Grifo Edizioni, Hazard, Dargaud… Tako ovaj zagrebački umjetnik već  gotovo trideset godina djeluje na međunarodnoj sceni,  a u tom vremenu se isprofilirao kao jedan od ponajboljih svjetskih strip crtača. No osim crtanja, Žeželj se pokazao i kao vješt scenarist. Stripovi koje izdaje pod vlastitom kontrolom neki su od najuzbudljivijih umjetničkih djela nastalih na hrvatskome tlu u 21. stoljeću.

 

*Danijel Žeželj / foto: Dubravka Turić

 

► Uz nedavno predstavljanje strip albuma Srce organizirali ste i 30-minutni audiovizualni performans u kojem ste povezali slikanje i glazbu uživo. To nije prvi put da tako eksperimentirate sa slikom i zvukom stvarajući narativ.

Danijel Žeželj: Sredinom 90-ih, dok sam živio u Seattleu, započeo sam eksperiment direktnog povezivanja slikanja uživo s glazbom uživo. Eksperiment se kroz godine mijenjao ovisno o različitim formacijama bandova i situacijama. Jedan od najopsežnijih takvih projekata bio je Brooklyn Babylon u suradnji s njujorškim big bendom od 17 glazbenika, Secret Society. Suradnja s Alenom i Nenadom Sinkauzom te Marcom Quarantottom traje par godina, i nije ograničena samo na performans, upravo smo završili rad na mom animiranom filmu Sakupljač. Osim zanatske kvalitete i kreativnosti, neophodna je otvorenost glazbenika za eksperiment i za istraživanje spajanja različitih medija. Osnova performansa je narativna linija; početak, sredina i kraj. To je ono što me uvijek najviše zanima, vizualna naracija u svim formama; kroz strip, animaciju, film, slikarstvo itd. Još kao klinac proučavao sam slike starih majstora, bez nekog predznanja, ali uvijek me privlačilo tražiti priču u slici.

Kod performansa obično slikam sekvencu slika. Formati slika su precizno određeni i postupak slikanja je unaprijed planiran, kako bih mogao realizirati sliku ili slike u ograničenom vremenu od 30-40 minuta. Bend ima širi prostor za improvizaciju jer je glazba drugačiji medij. Alen i Neno godinama su radili u kazalištima u Italiji i Evropi, i sjajno razumiju projekt koji nije samo o glazbi, već o dijalogu medija, o svojevrsnoj kazališnoj naraciji. U samoj izvedbi postoje fiksne točke kojih se držimo, ali između njih je prostor glazbene improvizacije. Na ovom zadnjem nastupu u KNAP-u performans je bio podijeljen u tri dijela jer se radilo o tri poglavlja, o sekvenci od tri vizuala koji u finalu čine cjelinu.

 

*Brooklyn Babylon

 

► Izjavili ste da je jazz glazbenik Charles Mingus jedan od Vaših heroja. Što Vam znači Jazz?

Danijel Žeželj: Jazz sam otkrio dosta kasno, nemam formalno glazbeno obrazovanje, utoliko mi je glazba još zanimljivija, ne znam je analizirati, uglavnom reagiram. Kod jazza mi je privlačan element improvizacije, koji je najpotpunije iskustvo kod slušanja koncerta uživo. Bio sam na puno jazz koncerata, i ponekad te improvizacije zvuče odlično, ponekad uopće ne. U improvizaciji uvijek postoji element rizika, to je čin kreacije uživo i utoliko je jedinstven i svojstven jedino glazbi. U slikarstvu ne postoji improvizacija uživo. Zanimaju me svi žanrovi glazbe, ili skoro svi, i glazba mi je često pozadina u radu, playlista se mijenja ovisno o temi i atmosferi projekta koji crtam ili slikam.

 

► Jedan od vaših strip albuma jest i onaj o Vincentu van Goghu. Vaši radovi su uglavnom crno-bijeli, dok je kod Van Gogha upravo uporaba boje jedan od najimpresivnijih elemenata njegovog slikarstva.

Danijel Žeželj: Van Gogh je postao simbol tzv. prokletog umjetnika, neshvaćenog slikara čija kvaliteta je priznata tek nakon što je otišao. Ako se pažljivije prouči njegova biografija, velik dio opće prihvaćenih istina zapravo su fikcija. Svatko tko studira slikarstvo spotakne se na van Gogha. On nije slikar od kojega bi trebalo učiti zanat i tehniku slikanja. Relativno kasno je počeo slikati, samouk je, a zahvaljujući vlastitom istraživanju i naporu, usprkos svim ograničenjima, došao je do metode rada kojom je mogao izreći što je morao. Ta nužnost ekspresije motor je njegova rada, svojevrsni je otac ekspresionizma, premda ga se često i pogrešno svrstava u impresionizam. Iako je slikao ono što je vidio ispred sebe, to je prvenstveno subjektivna interpretacija motiva. Sukob unutarnjeg doživljaja i vanjskog svijeta akumulira jedinstvenu energiju njegovih slika.

Boja definitivno nije dio mog rada, moja metoda temelji se na svjetlu i sjeni, što je izašlo iz studija baroknog slikarstva još na likovnoj akademiji, i analize slika starih majstora. Kao i na estetici ranih filmova, koji su bili nijemi i crno-bijeli, ali su nosili jedinstvenu grafičku snagu. U baroku je uvijek prisutna drama svijetla i sjena, sukobljavanje kontrasta koje naglašava ekspresivnost. Kada se pojačaju kontrasti do krajnosti, sve se može svesti na dva tona, crno i bijelo. Boja je tada smo ukras i suvišna je. Van Gogh je primarno kolorist, njegove najbolje slike nastaju nakon što je počeo koristiti  široku paletu boja. Slike rane faze imaju usku paletu, jedan od njegovih velikih uzora bio je Rembrandt, slikar koji je koristio raspon od svega nekoliko boja. Logično je da je moj strip o Van Goghu crno-bijeli, mene nije zanimala analiza ili kopiranje Van Goghove tehnike, strip album Van Gogh – Fractalia u 15 poglavlja predstavlja trenutke  života i rada koji su bitni u formiranju njegova dramatičnog svjetonazora i sukoba sa stvarnošću s kojom se nikada nije pomirio. Nezaobilazna je i  mentalna bolest koja ga je obilježila i često bila uzrok i posljedica kriza i padova. Njegove slike nastajale su u erupcijama kreativnosti nakon kojih je doživljavao kompletni mentalni i fizički kolaps. Crno-bijela estetika kontrasta potpuno odgovara ekstremima takvog  životnog i slikarskog puta. Strip album, nakon Francuske i Italije, upravo je objavljen i u Njemačkoj.

 

*”Van Gogh – Fractalia u 15 poglavlja”

 

► Dakle, van Gogh nije imao formalno obrazovanje. Kako vi gledate na formalno obrazovanje umjetnika, u Vašem slučaju slikara, tj. crtača?

Danijel Žeželj: Teško je generalizirati, svatko ima svoju priču. U mojoj obitelji i oko mene nitko se nije bavio slikarstvom. Uvijek sam crtao i uvijek me slikarstvo fasciniralo, ali dok nisam krenuo u zagrebačku Školu primijenjene umjetnosti, nisam imao pojma o tehničkoj strani slikanja ili crtanja. U Primijenjenoj smo učili zanat i škola, ili barem moj slikarski odjel, funkcionirala je po principu zanatske škole. Imali smo sjajne profesore, radili smo zahtjevne vježbe, tražili su se konkretni rezultati. Nije se filozofiralo o kreativnosti jer kreativnost se ne uči, učile su se tehnike i tehnologije, korištenje alata i materijala. Najbolje što te škola može naučiti je metoda rada – proces kojim se dolazi do finalnog rezultata. Ako naučiš metodu rada u jednoj tehnici, možeš je primijeniti na bilo koji drugi materijal ili medij. Škola koja uči proces i zanat jedina ima smisla. Italija, primjerice, ima niz akademija stripa, no ne bih nikome preporučio da uči crtanje iz stripova. Strip crtež je stiliziran, vrhunski strip crtači krenuli su iz klasičnog crteža da bi postepeno došli do vlastitog stila. Ako je polazna točka učenja strip crtež koji je već prošao evoluciju i stilizaciju, to učenje počinje s pogrešne strane, od kraja umjesto od početka.

 

 

► Spominjali ste i kako je film izuzetno važan za vaše razumijevanje kompozicije kadra u stripu.

Danijel Žeželj: Strip je multimedijalni jezik, povezuje crtež, tekst, dizajn, kadriranje, montažu, itd. Puno tih elemenata svojstveno je filmskom jeziku. Film mi je bio važna škola u učenju naracije, pričanju priče kroz vizuale, montažu, kroz kadriranje i mizanscenu, građenje atmosfere, kontroliranje ritma naracije. Nijemi film, pogotovo ruska avangarda i njemački ekspresionizam, film noir 50-ih,  francuski novi val, talijanski neorealizam, kao i mnogi suvremeni filmovi,  više su me naučili o naraciji nego stripovi.

 

► Koje bi aktualne autore stripa preporučili, a koji su Vas uveli u svijet stripa u formativnim godinama?

Danijel Žeželj: Za mene José  Muñoz uvijek ima posebno mjesto, njegov ekspresivni crno-bijeli crtež bio je velika inspiracija, kao i teme i atmosfera njegovih stripova,  svojevrsni moderni noir. Svakako Alberto Breccia, Sergio Toppi, Bill Sienkiewicz. Cyril Pedrosa uspijeva uhvatiti neuhvatljivo, prostor između slike i teksta, i sjajno koristi jezik stripa. Moebius je uvijek čudo i uvijek ga treba ponovo otkrivati, jedan od najvećih crtača u povijesti civilizacije. Jako mi je bila važna i talijanska strip scena okupljena oko časopisa Frigidaire, autori poput Liberatorea, Tamburinia, Pazienze, Mattiolia, itd. U Italiji se punk dogodio u stripu prije nego u glazbi.

 

► Radili ste u Italiji, a zatim dugi niz godina i u SAD-u. Kako je izgledao taj put od Zagreba do New Yorka?

Danijel Žeželj: Put je išao od Italije, preko Seattlea pa do New Yorka. Moj prvi izdavač bili su talijanski Editori del Grifo, moj prvi strip Theobald Tiger objavljen je u njihovom časopisu Il Grifo, u kojem su tada objavljivali i Liberatore, Manara, Pratt, član redakcije bio je i Federico Fellini. U Italiji su se, kao i širom Evrope,  oko 1994.-95. počeli gasiti strip časopisi i dominantna forma izdavanja postaje strip album, strip kao knjiga. Imao sam u to vrijeme još poslova u Italiji, ali uvijek me privlačila ideja Amerike i tamošnjeg tržišta. Europski i američki strip su dvije potpuno različite forme stripa, pogotovo je tako bilo devedesetih, danas se situacija mijenja. U Americi su dominirali stripovi o super herojima i korporativni izdavači DC Comics i Marvel, alternativa je bio Fantagraphics Books izdavač koji je objavljivao karikaturalne stripove iz tradicije Robert Crumba i underground scene 70-tih. Evropski strip tada nije zanimao ni izdavače ni publiku u SAD-u. Trebalo mi je par godina rada i preživljavanja u Americi prije nego sam objavio prvi strip s DC-Vertigom. U Americi sam radio za DC Comics, Marvel, Dark Horse, The New York Times, Harper’s, u zadnje vrijeme radim uglavnom za Image Comics, Heavy Metal. Nije bilo lako ubaciti drugačiji stil i estetiku u žanr koji je jasno postavio i ogradio svoju estetiku. Veliku ulogu u otvaranju tog ograničenog sistema imao je Alex Alonso, tada urednik u DC Vertigu, kasnije je prešao u Marvel. On mi je otvorio vrata u DC, a zatim i mnogim piscima i crtačima poput Briana Azzarella, Eduarda Rissa, Briana Wooda, Riccarda Burchiellia, itd. Preko Alonsa kasnije su došli i projekti za Marvel. Svo to vrijeme paralelno sam radio i svoje autorske projekte, u to vrijeme su nastali strip albumi Kuga, King of Nekropolis, Stray Dogs, Small Hands, itd.

 

*”Starve”

 

► Superjunaci su danas enormno popularni, u stripu kao i na filmu.

Danijel Žeželj: Iz moga kuta gledanja, svijet superheroja je nezrela i totalitaristička fantazija, bez obzira na koju stranu dobra ili zla se postavi. Na isti način na koji su fizionomije superheroja karikature fizičke snage, njihove priče i zapleti su karikirane projekcije morala i ideologije koja banalizira emociju, jezik i sliku. Što je ujedno i njihova privlačnost. Kao kad ideš u McDonalds, sve je uniformirano, uvijek znaš što ćeš dobiti.

 

► Kako ste doživjeli američko društvo?

Danijel Žeželj: Živio sam u kvartu Brooklyna gdje su uglavnom živjeli Jamajkanci i Haićani. Bio sam jedan od rijetkih bijelaca na ulici i nikada nisam doživio probleme ili osjetio napetost i provokacije zato što ne pripadam većini. U velikom gradu svi su emigranti i uvijek ima više prostora za dobro kao i za loše. Iznenađujuća je bila nasilnost i netolerancija policije, između policajaca i civila je zid, nema dijaloga. Sve to doživio sam iz pozicije bijelca, mogu pretpostaviti kako je onima koji to nisu. Korijen rasizma je strah i neznanje, ako primaš informacije isključivo preko medija i  društvenih mreža, dobivaš sliku stvarnosti koja nema veze s istinom. U  tzv. demokratizaciji medija kroz društvene mreže, koja bi sama po sebi trebala biti pozitivna, dogodio se suprotni efekt – svi su dobili glas, ali što si veći kreten to si glasniji. Što samo po sebi nije ništa novo, razlika je da kretenizam sada ima globalni megafon.

 

► U vašim je djelima često prisutan taj sukob primarno ljudskog i industrije ili čak tehnologije. Kako vidite digitalno doba i gdje je tu mjesto za čovjeka od krvi i mesa?

Danijel Žeželj: Živimo u digitalnom dobu i stvari se jako brzo mijenjaju. Pozitivni potencijal tehnologije je ogroman, pitanje je kako će ga netko iskoristiti, kao što sam spomenuo gore. Generacija koja odrasta s pametnim telefonom i videoigrama ima drugačiju percepciju svijeta od nas koji to nismo. Ne kažem da je jedan način bolji ili lošiji od drugoga. Digitalno doba je odlično vrijeme za mlade crtače. Danas ne moraš više nositi radove pod rukom od jedne redakcije do druge i nadati se da će ti netko dati 2 minute svog vremena. Kontakti se uspostavljaju internetski, na webu možeš imati vlastiti portofolio radova, lokacija nije bitna. Zato i je posljednjih godina toliko crtača iz Azije i Južne Amerike dobilo priliku objavljivati u SAD-u. Među scenariste je uvijek bilo teže probiti se nekome tko nije s engleskog govornog područja. Zato je, primjerice, Darko Macan bio jedinstven, imao je kvalitetne scenarije i odlično vladao engleskim i uspio je probiti tu barijeru.

 

*”Days of Hate”

 

► Kad smo kod scenarista, koji su Vam najdraži suradnici? Kakve scenarije preferirate dobiti kada crtate?

Danijel Žeželj: Volim scenarije koji su svedeni na dijaloge i jednostavan opis scena, gdje ostavlja što više prostora i slobode za nadogradnju. Graditi ritam i kompoziciju kadrova i tabli jedna je od najuzbudljivijih faza rada na stripu i volim imati potpunu slobodu u tom procesu. Utoliko volim scenariste kojima odgovara takva suradnja, volim raditi s Brianom Azzarellom i Brianom Woodom, i zapravo većina scenarista s kojima sam surađivao radi upravo tako. Krajnje opisan i detaljan scenarij meni je nemoguće crtati. Ales Kot je također izuzetno kvalitetan pisac i scenarist, serijal Days of Hate, politička distopija od 300 stranica jedan je od najopsežnijih projekata i suradnji. Trenutno započinjem novi projekt s Curtom Piresom, sjajnim scenaristom nove generacije.

 

► Jedan ste i od osnivača izdavačke kuće Petikat putem koje izdajete autorske stripove u Hrvatskoj.

Danijel Žeželj: Petikat se bavi produkcijom projekata i izdavanjem knjiga nas petorice, koji smo i njegovi osnivači.  Radi se o DIY laboratoriju. U principu stripove u Hrvatskoj objavljujem pod vlastitom kontrolom, što podrazumijeva i potpunu odgovornost za sve dobro i loše u tim stripovima, od crteža i sadržaja do tehničke realizacije i tiska. Petikat je prostor kompletne autorske slobode i kompletne individualne odgovornosti.

 

 

Razgovarao: Luka Fišić / tekstove ovog autora potražite ovdje

 

Zahvaljujemo Danijelu Žeželju na ustupljenim vizualnim materijalima.

 

 

*Tekst je dio Vizkulturinog projekta “Vizkulturiranje društva 2021.” koji je sufinanciran sredstvima Fonda za poticanje pluralizma i raznovrsnosti elektroničkih medija Agencije za elektroničke medije

Logo AEM

The post Vizualna naracija u svim formama appeared first on vizkultura.hr.

Viewing all 417 articles
Browse latest View live